Whedonverso: Joss Whedon Is My Master Now

Astonishing X-men

2011-06-28T21:00:00.008+02:00

Situación: Grant Morrison guioniza una de las etapas más impactantes de la franquicia mutante. Los X-men no eran tan rompedores desde hacía décadas. El guionista escocés había hecho más que modernizar la serie, la había convertido en oro puro intensificado. Pero Morrison, como todas las cosas buenas, no iba a durar para siempre. Y Marvel tenía que mantener el éxito mutante como fuera. Ahí apareció Joss. Pero no como un sustituto, ya que él tenía planeado comenzar otra serie distinta a New X-men, aunque esta continuara con la historia dejada atrás por Morrison. Así que comienza a arrancar motores: elige personajes, dibujante y un nombre. Astonishing X-men. Recuerdo estar tan emocionado cuando me enteré que empecé a pensar que la vida tiene sentido.

Probablemente Whedon sea el escritor actual más conveniente para el universo mutante, y no sólo por haber demostrado que maneja perfectamente la esencia de los X-men, sino porque también es fácil percibir en sus obras ciertas concordancias con la obra mutante. Es más, Whedon ha confesado varias veces que se inspiró en el personaje de Kitty Pryde para crear a Buffy. Y ahora se inspira en Buffy para escribir a Kitty. De hecho, no duda en meter guiños a su magnum opus tales como que Coloso recibe a Kitty cuando vuelve de la muerte de la misma manera que Angel lo hizo con Buffy en su 3ª temporada -guiño del que pocos nos hemos dado cuenta, al parecer.

Pero que Whedon haya demostrado que se conoce la historia pasada de la franquicia al dedillo no sólo le hace un guionista ideal para esta serie. Él medita mucho las tramas, manipula cada paso de la historia tan limpiamente que sus guiones bien sirven de modelo a seguir, sin dejar de sorprender y acentuar un ambiente muy correcto. Las aventuras que hace vivir a los X-men son tan buenas que parece mentira que a nadie se les haya ocurrido antes en tantos años de publicaciones mutantes. Y son historias que, para variar, pretenden enseñarnos algo.

Por otra parte, los diálogos, las acciones... incluso las miradas reflejan que Whedon conoce a los personajes como si se trataran de hijos suyos que no planean emanciparse. Él sabía adónde quería llevarlos. Les hace tomar decisiones y afrontar las consecuencias, les hace pelear y no sólo físicamente, los pone de cara a las partes más dolorosas y lóbregas de ellos mismos incluso en mitad de una batalla. Y se hacen más fuertes, y salvan al mundo. Personalmente, los hace inspiradores. Y opino que eso es lo máximo a lo que puede llegar un personaje.

Poniéndome algo quisquilloso, he descubierto que hay varios aspectos similares en todas las obras de Joss Whedon que parecen dar la sensación de estar contando lo mismo pero de forma distinta, con personajes distintos y en épocas distintas. ¿Pero es siempre lo distinto otra forma de ser lo mismo? ¿Será verdad que ya no quedan demasiados caminos creativos que explorar? Afortunadamente, Whedon parece darse cuenta de este hecho y no busca experimentar con la diferencia vestida de originalidad, sino que se limita a sacarle el mayor partido y divertirse lo máximo con las posibilidades. Pero que no se me malinterprete, no califico este cómic de banal, sólo aclaro que Whedon no busca la redefinición basada en el cambio, como hizo Morrison y los guionistas que le precedieron, ya que él no la necesita. Y aun así, crea capítulos novedosos e inolvidables.

Otra cosa de la que me he dado cuenta es de que en realidad, aparte de los problemas externos que les amenazan, el villano está entre ellos. Me explico:

En el primer arco, "The Gift", la cura mutante es opcional. Sólo tú puedes decidir dejarte llevar por el mundo y tomarla, o aceptarte a ti mismo y seguir siendo diferente al resto. La lucha es interior, y personal.

En "Dangerous", el segundo arco, no se trata de otra persona que de el Profesor Xavier quien

provoca el problema de Peligro. La tecnología Shi'ar con la que estaba construida en parte la Sala de Peligro de la mansión estaba tomando consciencia. Y Charles decidió ignorar este caso de I.A. por su propia conveniencia.

Más tarde, en "Torn", es el sentimiento de culpa de Emma el que provoca que Cassandra Nova actúe a través de ella, provocando a su vez que todos sus compañeros se enfrenten a sus mayores miedos y a sus "cuartos de las cucarachas".

Y en el último arco, "Unstoppable", se declara a Coloso como el destructor del planeta alienígena Breakworld según la profecía.

Inquieta pensar que seamos la causa de nuestros problemas.

Cambiando de campo, el elegante dibujo de John Cassaday aumenta la estética casi cinematográfica de la historia. Ciertamente, su adecuado estilo ayuda en la sensación de estar leyendo lo que sería una superproducción del cómic.

Pero no sólo hay que premiar el impresionante trabajo del dibujante, sino que el uso del color por parte de Laura Martin también es excelente. Me estoy centrando en el trabajo de Whedon, pero en verdad sería injusto no aclarar que la parte artística es muy relevante en la calidad de esta serie.

Para finalizar, espero que no se haya notado demasiado mi vena de fan acérrimo de la serie con todos los elogios merecidos que he escrito, pero aseguro que no he exagerado con ninguno. Incluso Mark Millar declaró su admiración a Astonishing X-men a través de su célebre cómic Kick-Ass, poniendo en boca de su protagonista: "Man, I still can't believe how good Whedon's X-men is. This stuff makes Buffy look like a shit... And I say that as the world's numero uno Buffy maniac.". Bien podría resumirse todo lo que he dicho con esta última línea.

Artículo escrito por Mariano Pardo

Merchandising de Buffy the Vampire Slayer: más allá de lo oficial

2011-03-30T16:59:00.018+02:00

En la red podemos encontrar todo tipo de merchandising oficial de Buffy the Vampire Slayer, pero también hay un número incontable de artistas que crean su propio merchandising basado en la serie estrella de Whedon, desde una figura de acción a escenas completas que incluyen, además de los personajes, dioramas con el más mínimo detalle.

El material más común para la fabricación de estas figuras es el epoxi, una resina que en su forma más maleable es perfecta para su manipulación, facilitando el esculpido de pequeñas piezas y permitiendo un acabado profesional que nada tiene que envidiar a las oficiales. Aunque en España es difícil de encontrar, lo más habitual es recurrir a Internet. Las marcas más utilizadas son:

⁃ Milliput (http://www.milliput.com/home.htm)
⁃ A+B (http://www.aplusbputty.com/ )
⁃ Ceys (http://www.mundoceys.com/ )
⁃ Tamiya (http://www.tamiya.com/ )
⁃ Verlinden (http://www.verlindenonline.com/store/ )

El uso de una u otra depende de los gustos de quien moldea y el uso que le queramos dar, facilidades para su compra y el precio final, ya que si realizamos la compra vía Internet tendremos que sumar los gastos de envío al precio de la masilla.

Una vez moldeada la figura nos quedará lijar y pintar, para ello se usan pinturas acrílicas que podemos encontrar en cualquier tienda de modelado o gran superficie. Unas muy usadas son las de la marca Games Worshop (http://www.games-workshop.com/ ).

Si queremos una de estas figuras tenemos dos opciones, o nos la hacemos nosotros mismos, o recurrir a sitios como eBay, etsy, etc. donde podemos encontrar a veces figuras, también tenemos la opción de contactar directamente con el artesano.

Sasha Powell (http://msbig.sashapowell.co.uk/ ) tiene una colección de más de 1000 figuras realizadas con epoxi entre las que destacan sus modelados de Buffy the Vampire Slayer, escenarios incluidos. En su web se puede ver todo su trabajo ordenado por capítulos.

"Innocence" (2.14)

"Something Blue" (4.09)

"Go Fish" (2.20)

"The Long-Way Home" (Season 8, Volume 1)

En http://www.everyoneweb.fr/ también podemos encontrar decenas de figuras de un whedon-fan francés, no son tan numerosas como en el primer caso pero aun así también merece la pena darse una vuelta por su web y ver las cosas que hace, incluso comprar alguna de sus figuras.

"School Hard" (2.03)

"This Year's Girl" (4.15)

En el foro btvsfigs (http://btvsfigs.proboards.com ), podemos encontrar cientos de figuras del mundo Whedon. Las que más me han llamado la atención por su originalidad, simpatía y sencillez han sido las realizadas por VampSpike, un usuario del foro que podemos encontrar en su twitter.

Y por último, Willow Swartok, a quien podemos encontrar en su tumblr (http://www.willowswarlok.co.uk/ ) en el cual podemos ver su colección.

"No Future for You" (Season 8, Volume 2): Buffy & Faith Water Fight

"Gift Given Buffy" ("The Gift", 5.22)

"Graduation Day" (3.22)

En conclusión, con un poco de empeño y buena mano podemos realizar nuestro propio merchandising, customizado por nosotros mismos. Si navegamos un poco por Internet encontraremos numerosos sitios (blogs, foros, webs, etc) con tutoriales, tanto para principiantes como para los no tan novatos con los que dar rienda suelta a nuestra imaginación y expresarnos a través del arte del modelado.

Retratos Whedon: Willow Rosenberg

2011-03-24T19:25:00.014+01:00

La revancha de las brujas

Between me and my evil self, I have double guilt coupons. I see now where the path of vice leads. She messed up everything she touched. I don't ever wanna be like that ("Doppelgangland", 3.16).

Cuando allá por 1997 Joss Whedon presentó Buffy, cazavampiros consiguió atraer, de manera magistral, a un público joven que hasta entonces se encontraba disperso entre dos productos audiovisuales claramente diferenciados: la ficción adolescente y la de superhéroes. Buffy, cazavampiros, en sus inicios, no era más que la experiencia de un 'superhéroe' inmerso en los intereses, problemas y experiencias de una existencia adolescente. El héroe se humanizaba, de este modo, a un nivel nunca antes visto con anterioridad; Whedon demostró que Superman, Spider-man y el resto de superhéroes ya televisivos – y también todos aquellos que todavía no habían dado el salto de las páginas de un cómic a la pantalla – podían presentarse de manera más cercana a través de una caracterización del héroe durante esa caótica etapa de grandes cambios trascendentales para el desarrollo de toda vida adulta -tal y como se hizo patente años después con Superman en Smallville. Pero Joss Whedon fue aún más allá. En Buffy el protragonista con poderes sobrenaturales no sólo es un adolescente sino que por primera vez, este es una chica. Y digo por primera vez porque Buffy –a diferencia del resto de heroínas que ya existían con anterioridad– con su diminuto y frágil cuerpecito, su delicado y femenino rostro, su dulce y chillona voz y su oxigenada y larga cabellera, es la antítesis de lo que tradicionalmente se había entendido por apariencia física de una heroína; Buffy parece más la rubia guapa y tonta que únicamente se limita a chillar exultante en su actitud de damisela en apuros -personaje que Sarah Michelle Gellar ha interpretado en películas como Sé lo que hicisteis el último verano-, que la valiente y autónoma heroína de la historia.

El mayor fallo de Buffy fue la manera en la que la ubicaron en esa vida adolescente. Y es que Whedon, en un primer momento, cayó en los errores que la mayor parte de los productos dirigidos a este tipo de público tenían: los estereotipos. Los compañeros de andanzas de Buffy fueron creados, de alguna u otra forma, para servir de sustento a la protagonista pero en esos cimientos se los definió, en mayor o menor medida, como una imagen estereotipada de lo que se considera que existe en todo instituto, la dicotomía 'popular–no popular': Cordelia –la enemiga por méritos propios de todo el que no se encuentra bajo su aceptación y el perfil del triunfo social–, guapa, exuberante y de inteligencia cuestionable, que ocasiona situaciones cómicas por su imagen de animadora superficial y popular y muestra diariamente a Buffy aquello que jamás podrá volver a ser; Y sus dos nuevos –y únicos– amigos, los típicos nerds con pasado común, solitario y perfil de fracasados -pero con el que el espectador tiene que mostrar simpatía. Él, Xander, el poco agraciado, patoso e inoportuno chico enamorado, en silencio -cómo no-, de su nueva mejor amiga y permitiéndole así a esta saciar su necesidad de reconocimiento. Y, por último, ella, Willow, la más estereotipada de todos los que anduvieron por los pasillos del Instituto de Sunnydale.

Uno de los mayores aciertos del casting fue, sin lugar a dudas, la elección de Alyson Hannigan para el papel de Willow. Alyson posee una anatomía y manera de proceder que, unidas a esa cara de 'lerda' simpática, provoca los instintos más miserables –y, lamentablemente, sociales– en la masa estudiantil: rechazo, carcajadas, abucheos, desplantes, malos modos y una innumerable lista que podría resumirse en un solo término, exclusión social. La Willow de la primera temporada es la chica inteligente, diferente e inadaptada que existe en todo centro educativo, pero esa Willow no es más que una caricatura de sí misma. La perfección intelectual que muestra constantemente y que los guionistas quieren que admitamos como real provoca el efecto totalmente opuesto en el espectador. Willow se dibuja distante e irreal -a diferencia de su amigo Xander que se hace más cercano desde un principio al no ser en ningún caso perfecto-, así que terminamos visualizándola como una más de entre todas las 'empollonas-inteligentes-marginadas' que han ostentado este puesto en televisión -Willow, en sus inicios, es una Lisa Simpson de Los Simpson, una Carol Seaver de Los problemas crecen, en conclusión, una empollona estereotipada más de las tantas que ya existían y de las que vendrían después. Es en el momento en que Willow nos muestra su imperfección cuando verdaderamente se presenta como alguien real e, instantáneamente, comienza su camino de evolución y crecimiento personal, desvinculándose de 'las demás como ella' y definiéndose como un ente individual. El inicio de la carrera de Willow tiene un nombre específico: la magia. Desde su incursión en ella, la pelirroja muestra un verdadero interés en algo que se le escapa totalmente de las manos, ya no es una erudita como cuando antaño tocaba un ordenador y obtenía al instante lo que quería; ya no es, ni mucho menos -y damos gracias por ello-, aquella chica que dio una clase en el instituto por “indisposición” de la Srta. Calendar ("Passion", 2.17). A partir de ahora, Willow Rosenberg no es el estereotipo con el que la fabricaron; ahora comienza a ser -por fin- La Nerd con nombre propio que quiere vivir.

El hecho de querer controlar su poder mágico y no obtener de forma innata la capacidad para hacerlo nos muestra a una Willow desubicada, a una Willow que luchará contra la dualidad que rige su vida, y a la cual tratará de enfrentarse con un disfraz de persona normal. Dualidad que se muestra sin tapujos, por vez primera en el episodio “The Wish” (3.09), con la aparición de una segunda y alternativa Willow vampira que permitirá a la Willow primera y normal experimentar, a través de ella, una existencia basada en la sensualidad y la maldad. El disfraz de vampira -de todo lo contrario a lo que es ella- permitirá a la Willow real conocer a esa Willow alternativa o subconsciente que aún está encarcelada en su interior -la que se exterioriza a través de la doble vampiresa- y, en cierta medida, adivinar hacia dónde puede ir su futuro. A partir de entonces, su vida y pensamientos conscientes estarán sometidos por el miedo, el miedo a no saber qué parte de esa dualidad es la correcta y el miedo a sucumbir ante el inconsciente. Aunque no se muestre de forma aireada, la esencia de Willow es la de ser un individuo que está totalmente perdido, Willow poco sabe quién es y quién debe ser en un futuro. Por ello, su entrada en la universidad le permite desprenderse de su vida e imagen anteriores y liberarse de las lastras que estas le habían ocasionado. A partir de ahora se nos presentará como una chica que se enfrenta a una nueva etapa con ilusión pero sin el estigma de ser la superdotada señalada con el dedo. Willow quiere ser una más, pero la aparición de Tara volverá a ponerla en el punto de mira, en cambio.

Tara Maclay fue creada por y para Willow y, por ello, las tres temporadas de existencia de la primera serán decisivas para la segunda y, sobre todo, provocarán los momentos más inolvidables de la que fuera su novia. Tara es para Willow lo que Willow es para Buffy. "The Body" (5.16), episodio en el que todos los personajes se preparan para despedir a la madre de Buffy tras su repentina muerte, es el momento más decisivo de la bruja de entre la totalidad de las siete temporadas. Willow se muestra distante, centrada en sí misma, inmersa en su nuevo egocentrismo recién adquirido gracias a la presencia de su sierva, de su Willow, de esa inadaptada más inteligente en cuestiones mágicas y mucho más tímida que ella con el nombre de Tara. La pelirroja volverá a ser la nerd del instituto, la que por cuestiones de nerviosismo habla sin cesar y viste con jerseys coloridos y llamativos -porque le gustaba a Joyce, explicará al vestirse así para un funeral- pero se liberará de esa carga que acarreó durante años: la de ser la mejor amiga de Buffy. Este es su nuevo inicio en la serie, el que no le otorgaron al principio. Será Tara la que ahora haga el trabajo sucio y apoye a Buffy, escuchándola, abriéndose a ella y comprendiendo su dolor, porque Willow no lo hará más, ya no está aquí para eso, ahora está viva para llegar a ser Dark Willow. A partir de ese momento la distancia entre Buffy y Willow será más palpable que nunca. Su separación se hará pública y, por consiguiente, su rivalidad. Incluso la muerte de la que siempre había sido su mejor amiga mostrará a una Willow más impasible de lo que cabría esperar en alguien que es 'la mejor amiga de'. Willow llora la muerte de Buffy, se muestra otra vez -al igual que tras la muerte de la madre- como la nerd atascada que es -nerviosa, desubicada, perdida...- pero su comportamiento no es causado por el sentir verdadero de la muerte, sino por descubrir con ella que, aunque la liberación de Buffy ha llegado, esta no le proporciona los efectos que esperaba. Willow venía buscando desde hacía tiempo una forma de librarse de la imposición de ser amigas y la muerte -aunque suene demasiado radical- fue el vehículo para quitarse esa cadena. Pero al desaparecer la protagonista, ella no supo adjudicarse la posición de sujeto destacado que había quedado libre -a pesar de intentar ser una madre y hermana para Dawn, a pesar de dirigir a toda la scoobypandilla.

Buffy: Will, it's okay. You don't have to make him the bad guy.
Willow: But, that's the best friend's job. Vilifying and grousing ("The Prom", 3.20).

Willow teme volver a ser señalada con el dedo y a no saber liderar la situación -puedo reprocharle a Buffy que lo haga mal, pero no puedo soportar que el reproche vaya dirigido hacia mí- y, por ello, comienza a hacer todo lo posible para que su "amiga" vuelva y así devolverle el testigo a su verdadera dueña -comportándose, ahora sí, como la amiga desamparada ante la ausencia-. Willow prefiere ser la secundona destacada a la protagonista desamparada. Y es que, en realidad, Willow y Buffy nunca fueron realmente amigas, Buffy fue aceptada por los dos nerds porque al igual que ellos, aunque por causas diferentes -y es aquí donde radica la base de esa distancia entre las dos- era una inadaptada. Willow y Xander eran geeks por esencia –incluso por nacimiento–, Buffy lo es por obligación. Ella era una chica popular que dejó de serlo por su poder. Por tanto, el vínculo que se establece entre ambas trasciende los límites de la amistad y podría definirse más como un lazo de sangre basado en unas leyes de fidelidad que como una afinidad verdadera. Su relación representa magistralmente la que se establece, mayoritariamente, entre los miembros de una misma familia, con familiares volcados en las situaciones de riesgo pero ajenos a los sentimientos y necesidades más pueriles de los otros. Si Willow y Buffy hubiesen sido personas normales, y no bruja y cazavampiros, su amistad habría finalizado al poner el primer pie en la universidad, despidiéndose así de sus etiquetas de desplazadas que son amigas por la situación y no por conexión; pero por mucho que Willow tratara de disfrazarse de persona 'normal' siempre siguió siendo la niña de jerseys de colores que teme a no saber qué hacer y a equivocarse en la decisión que tome. La resurrección de Buffy y la adicción de Willow son dos muestras de lo perdida que Willow se encuentra ante su nueva situación de persona destacada y cómo hace todo lo posible para volver a su posición anterior -con el retorno de la líder- y cómo trata de desinhibirse de la frustración interior que empieza a taladrarla -ahogándose en lo único que ella se ha convertido, en magia. La muerte de Tara transportará a Willow a su punto de inicio, a su vida en soledad.

Buffy: Willow, why are you still in your costume? ("Restless", 4.22).

La 'Dark Willow' le permitirá expulsar todo el dolor que durante tantos años acarreó silenciosamente. Así podrá llorar todas las lágrimas que nunca derramó en otros capítulos y dejar de ser la niña simpática y nodriza que siempre fue, transformándose en una bruja maligna que, otra vez, volverá a mostrar esa rivalidad con la que es etiquetada como su mejor amiga. Dark Willow proporcionará las imágenes más recordadas de Willow en la serie y uno de los momentos más impactantes y emocionantes que todos los telespectadores pudimos vivir; Fuimos espectadores de cómo nació la verdadera superhéroe de la serie. Willow se transforma en bruja poderosa con un nombre propio (Dark Willow) y una caracterización diferente a la de la Willow humana, desarrollando de este modo una identidad pública y reconocible diferente a la de su existencia normal. Identidad reconocible que pasa en un primer momento por el terror derivado de 'las leyendas' sobre su maldad –con lo que estaríamos ante un superhéroe que sucumbe ante el lado maligno, un superhéroe que recibiría el calificativo de villano– para evolucionar y desprenderse de ese lado oscuro y transformarse, ahora sí, en un superhéroe con mayúsculas y derecho propio. La bruja Willow blanca del desenlace de la serie redime la conducta negativa anterior de la Dark Willow originando así su nueva identidad, la de la bruja buena, la que le proporciona la licencia para ser una verdadera superhéroe. En contraposición, Buffy no tiene ninguna identidad 'transformada'. Buffy es una cazavampiros, pero las cazavampiros son una estirpe que se transmite generación a generación y no una identidad propia. Ser cazadora es no tener nombre y, mucho menos, una identidad pública. Una cazavampiros lo es siempre y no se transforma asiduamente para serlo, por lo que ha de ocultar lo que es y no esperar un agradecimiento. Poseer o no disfraz -la identidad pública que permite el reconocimiento- es lo que nos lleva, tal y como señala Coogan¹ , al superhéroe y, en este caso, Buffy –debido a sus peculiares circunstancias– no podría serlo en ningún momento. En cambio, Willow –su antítesis durante toda la serie– consigue el objetivo que ha marcado la existencia de Buffy -y que en esencia le es imposible adquirir- haciendo patente así, de nuevo, la rivalidad que ha caracterizado a las dos amigas y proclamando como última ganadora a Willow. Pero sobre todo, Dark Willow mostrará que la verdadera y única amistad que realmente existió fue la de Willow y Xander. Xander es el único que puede salvarla porque él estuvo con ella desde el principio, y a diferencia de Buffy, Xander no ha sentido cómo su mejor amiga trataba de suplantar su papel destacado; Xander no ha sentido como su mejor amiga pedía a gritos un spin-off que nunca se le dio.

Xander: First day of kindergarten you cried 'cause you broke the yellow crayon and you were too afraid to tell anyone. You've come pretty far. Ending the world, not a terrific notion, but the thing is yeah, I love you. I loved crayon-breaky Willow and I love scary veiny Willow. So if I'm goin' out, it's here. You wanna kill the world? You start with me. I've earned that ("Grave", 6.22).

El final de Willow, a diferencia de su exquisita evolución que fue desglosándose poco a poco a lo largo de seis temporadas, se produce de forma rápida y farragosa, concluyendo así un círculo en el que inicio y final son algo cuestionables. Willow merece acabar bien y para ello los guionistas suponen que su desenlace debe ir asociado a una pareja femenina -Willow, en el fondo, ahora es lesbiana, ¿no?-, pero su nueva relación con Kennedy nos lleva a recordar una y otra vez a Tara, provocando que se tambaleen los cimientos de aquella transformación sexual que en su momento no nos cuestionamos. Por otro lado, en vez de seguir utilizando el recurso de su ambigüedad enfrentada la transforman directamente en una bruja –bañada de blanco– salvadora de la humanidad a través de la bondad de la que siempre hizo gala con su simpatía, venciendo –y dando así de lado– a la maldad interior que siempre tuvo y que la dominó completamente en la anterior temporada -maldad que podría haberla hecho introducirse en terrenos hasta ahora nunca explorados y muy interesantes. Transformación, por cierto, llevada a cabo de una forma bastante rápida y desordenada. No obstante, obviando algunos errores y centrándonos en los aciertos, Willow se vislumbra como uno de los personajes más grandes que ha existido en el mundo de Buffy, cazavampiros; Un personaje con el que sólo si hacemos un esfuerzo mental y dirigimos una mirada retrospectiva somos capaces de percatarnos de su evolución silenciosa y de su existencia viva de carne y hueso.

Y, por eso, después de tanto recordar y analizar cuando en "Chosen" (7.22), el último episodio de la serie, veo a Buffy delante de un destartalado autobús, rodeada por los supervivientes que la acompañaron en la última gran batalla, dirijo la mirada hacia la pelirroja que está a su izquierda preguntándome qué historia es la que me ha sido contada, la de Buffy o la de Willow. Y sólo puedo pensar en Willow. En esa nerd, poderosa y miedosa que es Willow. En esa extraordinaria e inolvidable Willow.

¹COOGAN, Peter (2009): “The Definition of the Superhero”, en A Comics Studies Reader, University Press of Mississippi, pp. 77-93

Artículo escrito por Juanfra García Gallego

Buffy para consolas

2011-03-21T20:00:00.012+01:00

Desde el inicio de la serie en 1997, y especialmente a partir del comienzo del siglo XXI, Buffy cazavampiros ha generado numerosos textos secundarios 'oficiales' en forma de cómics, novelas, y con algo menos de difusión, videojuegos. Como coleccionista empedernido y completista del buffyverso, es mi intención explorar todos estos productos en algún momento. Eso sí, estableciendo prioridades.

Los cómics son para mí la mejor manera de revisitar el mundo de la cazavampiros, puesto que en ellos se encuentra el mayor esfuerzo creativo desde que la serie finalizase en 2003. Con la aprobación, supervisión y ocasional trabajo de guión de Joss Whedon y la constante presencia de guionistas de la serie, la continuación oficial Buffy en viñetas es el lugar donde encontrar los mejores rastros de calidad que en su día caracterizaron a la serie -énfasis en la palabra "rastros". Las novelas, por su parte, son textos más cercanos a los fanfiction, que si bien no descarto explorar en algún momento, no considero imprescindibles. En España se han publicado varias -podríamos decir que son las más destacadas-: Inmortal, El libro de los Cuatros y Spike & Dru: Bonitas doncellas, todas en fila (todos ellos editados en 2004). Formando una suerte de episodios o arcos 'perdidos', estos libros se ambientan habitualmente en medio de alguna de las siete temporadas de la serie. El ellos se introducen nuevos enemigos, cuyas historias se entremezclan con el desarrollo de los personajes en la serie -la enfermedad de Joyce, la relación entre Buffy y Faith, la historia de Spike y Drusilla. Sin embargo, existe un inabarcable número de publicaciones en inglés que tanto los fans como el propio Whedon dudan si considerar oficial. Es lo que se viene a llamar el Buffyverse Canon -a pesar de que las novelas se publican como material oficial, los fans las consideran fanfiction-, pero este es un tema tan amplio que debo reservarlo para otra entrada.

Un producto más minoritario, en lo que a expansión del buffyverso se refiere, es el videojuego. Como ocasional gamer, me interesa más este tipo de continuación -o implementación- de las tramas ambientadas en Sunnydale. Adicionalmente, el escaso número de publicaciones de este tipo hace la tarea completista mucho más fácil, siempre que encontrar el videojuego en cuestión no sea una empresa imposible.

La mitad los videojuegos publicados -y son más bien pocos- están ambientados en la cuarta temporada, cuyo año de emisión coincide con el primer juego de la franquicia para Game Boy Color, titulado simplemente Buffy the Vampire Slayer (2000). Mientras que en las novelas es la tercera temporada la más visitada, parece que las aventuras de la cazadora en su etapa universitaria son las más recurrentes en las aportaciones de las consolas al universo expandido de Buffy. Puede que el carácter multitemático y el gran número de personajes de la temporada ofrezca mayores facilidades a la hora de desarrollar un videojuego de aventuras, en el que la variedad es uno de los factores más importantes. Buffy the Vampire Slayer GBC es un beat 'em up clásico que sigue a la cazadora y los scoobies durante una semana de vacaciones. Una serie de demonios y vampiros ocupan el campus universitario durante este periodo sin clases. Buffy deberá enfrentarse a ellos a lo largo de ocho niveles que dan cuenta de la variedad de la que hablábamos: el cementerio, el Bronze, las alcantarillas, la Iniciativa, la Boca del Infierno... Como podéis ver en la imagen -arriba-, tanto el sistema de juego como la apariencia gráfica se ajustan a los cánones de la clásica plataforma portátil. A pesar de esto, logra capturar la esencia icónica de la serie.

Dos años más tarde se publicaba Buffy the Vampire Slayer para Xbox (2002). De esta manera, la licencia daba el salto a las plataformas de nueva generación, con resultados sorprendentemente positivos. Ambientado en la tercera temporada, concretamente entre los episodios "Revelations" y "Lover's Walk", el videojuego nos devuelve al Maestro, en forma de espectro en busca de un cuerpo que poseer. Con una gran acogida por parte de los aficionados al videjuego y los fans de la serie, Buffy the Vampire Sayer Xbox cuenta con trece eclécticos niveles -el instituto Sunnydale, el imprescindible cementerio, la mansión de Angel-, un sistema de combates divertido, una historia que bien podría haber sido un episodio de la serie -salvando las distancias- y la participación de todos los actores, menos Sarah Michelle Gellar, que prestan sus voces a los personajes que interpretaron en televisión. El juego combina la reaparición de antiguos villanos con nuevas incorporaciones demoníacas.

Buffy the Vampire Slayer: Wrath of the Darkhul King (2003) es la siguiente apuesta para las portátiles de Nintendo, en concreto para la continuación natural de GBC, Game Boy Advance. Con gráficos mejorados y fotogramas de la serie insertados entre niveles, este videojuego pretende componer una aventura algo más compleja que la de su predecesora, pero hace aguas irremediablemente. Empezando por el sistema de juego y los controles, The Darkhul King es un suspenso en toda regla. Lo que parece ser un intento de sacar el mayor provecho de todos los botones de la consola acaba siendo el mayor handicap a la hora de jugar. Las fases, que en un principio destacan por su extrema simpleza, ponen a prueba la paciencia del jugador, que en lugar de disfrutar del juego, obtiene una experiencia enormemente frustrante. Se agradece sin embargo que los diálogos, a pesar de su simplismo, se molesten en caracterizar a los personajes de acuerdo a sus personalidades en la serie. El particular idiolecto de cada uno de ellos es fielmente reflejado en el videojuego, a pesar de que la calidad del guión sea ínfima -como es costumbre, el peso recae principalmente en la reaparición de un villano ya derrotado en la serie, en este caso, los Gentlemen. No hay nada realmente destacable a lo largo de los 16 cortísimos niveles que componen el videojuego -experiencia prolongable si uno no tarda horas en superar un salto imposible que los controles complican aún más.

Por regla general, los videojuegos creados a partir de licencias de películas y series de televisión, suelen ser despropósitos mayúsculos creados con el único objetivo de promocionar el producto original en cuestión, y de llenar las arcas de un estudio. Por suerte, no es el caso de Buffy the Vampire Slayer: Chaos Bleeds (2003), el cuarto videojuego de la franquicia. Hay que tener en cuenta que el videjuego se desarrolló cuando la serie estaba en su recta final y se publicó una vez finalizada esta -concretamente en agosto en Estados Unidos. Lo que quiere decir que más que un producto estrictamente promocional, se trata de un texto de expansión del buffyverso legítimo y -en teoría- libre de imposiciones. Esto se refleja en el elaborado guión y en el esfuerzo a la hora de mantenerse fiel al espíritu de la serie y a las personalidades de los protagonistas. La supervisión de Joss y, de nuevo, la participación de los actores originales, menos Gellar y Hannigan -a las que sustituyen unas estupendas Giselle Loren y Kari Wahlgren-, hacen de Chaos Bleeds un esfuerzo creativo a tener en cuenta entre los fans. El sistema de juego es rico y variado. Destaca la opción de manejar a varios personajes de la serie, y no solo a Buffy, como ocurría en los anteriores juegos. En Chaos Bleeds nos podemos convertir además en Willow, Spike, Faith y hasta Sid, la marioneta del episodio "The Puppet Show" (1.09). Las fases reproducen fielmente las ambientaciones de la serie, con unos gráficos que nada tienen que envidiar a las producciones similares de la época: la Magic Box, la Iniciativa, el Sunnydale High... -todos convenientemente expandidos para hacer las fases más complejas y duraderas. Asimismo, añade nuevos escenarios, como el cine local o el centro comercial, que casan a la perfección con el resto de ambientes. El control es ligeramente complejo al principio -los personajes se mueven de manera torpe y abrupta-, pero se revela práctico al avanzar las fases. Son numerosos los movimientos, ataques y combos de los personajes, especializados según se trate de la bruja -hechizos- o las cazadoras y el vampiro oxigenado -ataques más físicos. La historia se ambienta en la quinta temporada, y como viene siendo costumbre, rescata antiguos personajes de la serie, para el argumento central- Ethan Rayne regresa a Sunnydale y se alía con El Primero, desatando una serie de realidades alternativas en las que los personajes se convierten en villanos -como Tara, el jefe final más difícil de todo el juego-, y demonios anteriormente derrotados -como el antiguo enemigo de Faith, Kakistos. El único inconveniente del juego se encuentra en la duración de las fases -12 en total-, que obliga a planear partidas ininterrumpidas de más de una hora, debido a la imposibilidad de guardarlas hasta que no se finaliza el nivel. A pesar de esto, el juego es un triunfo en todos los sentidos, y funciona tanto para los neófitos de Buffy como para los fans más acérrimos. Destacan los minijuegos, en los que se pueden desbloquear personajes de lo más variopinto -como el propio Joss Whedon- y los extras desbloqueables en forma de mini-featurettes sobre la creación del videojuego, con entrevistas al productor de y a los actores. La publicación del juego en múltiples plataformas -Xbox, GameCube y PlayStation 2- es un reflejo del esfuerzo invertido en el producto. Todo esto hace de Buffy the Vampire Slayer: Chaos Bleeds el mejor juego de Buffy hasta ahora publicado.

Entre Chaos Bleeds y el último juego de la franquicia, publicado hace apenas dos años, solo vio la luz un plataformas para teléfonos móviles: Buffy the Vampire Slayer: The Quest of Oz (2004) en el que Buffy debía rescatar a Oz, secuestrado por Drusilla. La cazadora tendrá por delante cinco misiones en las que Willow servirá de ayuda inestimable para encontrar al hombre lobo. La apariencia del videjuego es cercana a la entrega para GBA -me atrevería a decir que la mejora- y el sistema de juego está basado en saltos y combates con los enemigos que se encuentran en el camino, como todo plataformas que se precie. Destaca el hecho de que, a pesar de ser un juego desarrollado para móviles, sigue el habitual empeño en mantenerse fiel al material original.

Buffy the Vampire Slayer: Sacrifice (2009) es el último videjuego de la licencia publicado hasta la fecha. Desarrollado para la exitosa portátil Nintendo DS, Sacrifice tuvo una distribución exclusivamente británica, dejando a los fans de la serie en su país de origen sin el videojuego. En España llegó a promocionarse en las revistas especializadas, y sin embargo nunca vio la luz. Por suerte, se puede encontrar con mucha facilidad y a un precio muy bueno -unos 15 euros- en webs de compras como Play.com o Amazon -además, el juego está traducido al español, a pesar de no haber sido distribuido en nuestro país. La historia está ambientada más allá del final de la serie, a diferencia de todos los anteriores, situados entre las temporadas tres y cinco. Sacrifice combina -con los pertinentes errores de continuación- las tramas de Buffy con las de su spin-off, Angel, y las de los cómics de la octava temporada, rellenando el hueco entre la destrucción de Sunnydale y la resurrección de Spike, con el ejército de cazadoras ya formado y con cuartel general en Escocia. El modo historia del videojuego presenta imágenes estáticas a modo de páginas de cómic, ilustraciones originales creadas para el videojuego. Las pantallas de diálogo muestran a los personajes sacados de fotos promocionales, imágenes debidamente tratadas para casar con las secuencias ilustradas de la historia. A pesar de que los diálogos vuelven a evidenciar un esfuerzo por conservar intactas las personalidades y maneras de hablar de los personajes, Sacrifice no logra mantener el espíritu de la serie como lo hicieran los anteriores videjuegos, aunque suponga una experiencia de juego superior al resto de títulos para consolas portátiles. La presencia de personajes como Caleb, The First, Warren Mears o los Turok-han vuelve a poner de manifiesto la dependencia de villanos ya conocidos por los admiradores de la serie. Concebido como un survival horror, a medio camino entre el beat 'em up y el first person shooter, el juego está compuesto de fases a explorar con cámara estática. Se saca el máximo provecho de ambas pantallas de la videoconsola, como viene siendo habitual, reservando la pantalla superior para los mapas, los consejos de los personajes y las secuencias que avanzan la historia. Con uno gráficos en 3D nada desdeñables, Sacrifice supone un regreso más que digno de la franquicia al mundo de los videojuegos. Sin embargo, la escasa distribución, y en consecuencia, el frío recibimiento del título, no garantizan nuevas incursiones consoleras por parte de la licencia. En este sentido, juegos como el MMOG -multijugador masivo online- que se comenzó a desarrollar en 2008 y se dio por abandonado en 2010, se suman al ya considerable número de productos anunciados para expandir el Canon del Buffyverso que se quedan en mera ilusión, como ocurriera hace años con los spin-offs centrados en Faith y Giles, la serie de animación Buffy the Animated Series o las tv-movies sobre Spike e Illyria. Y es que a pesar del imperecedero impacto de la serie en la cultura popular incluso a día de hoy, son los productos impresos en papel los que encuentran más fácilmente, por razones obvias, hueco en el mercado.

Artículo escrito por Pedro J. García

Retratos Whedon: Alexander ‘Xander’ Harris

2011-03-13T20:30:00.002+01:00

El chico de la casa de al lado

Look around. There's ghosts and shaking, and people are going all Felicity with their hair... We're fresh out of superpeople, and somebody's gotta go back in there. Now who's with me? (“Where the Wild Things Are”, 4.18)

Ser adolescente apesta. A todos los niveles. No controlas tus hormonas, crees que tus problemas son los peores, eres el ombligo del mundo, nadie te entiende y miles de demonios malvados con diversas formas tienden a destrozarte la existencia a cada paso que das. Y si eres Alexander LaVelle Harris y vives en la Boca del Infierno… ¡mucho más!

Ni todos los días soleados que te regala el sitio donde vives pueden hacerte superar el hecho de que no eres nadie. Lo sabes bien. Pocos son los que se dignan a mirarte en el colegio, no te ves especialmente atractivo y, afrontémoslo, no eres la estrella del equipo ni te acercas lo más mínimo.

Afortunadamente, toda mala situación puede afrontarse con una sonrisa y tú eres el payaso mayor del reino. Con tu técnica nada disimulada de escudarte en tu gracejo y la forma en la que asumes tu patética existencia no solo logras sortear los días tristes y las malas caras de las mean girls escolares (particularmente esa Cordelia Chase). Te creas, sin pretenderlo, una personalidad construida con bases sólidas que, paso a paso, el resto del mundo va notando cada vez más.

A black eye heals, Buffy, but cowardice has an unlimited shelf life (“Halloween”, 2.06)

No es fácil hacer un retrato de un perdedor tan absolutamente adorable y secundario que eclipsa con su torpeza, su espíritu de ‘damisela en apuros’ y su devoción hacia su familia, aquella compuesta por todos los escasos amigos que ha ido reuniendo en su vida gracias a la causa común de ser ‘los condenados’ al destierro social, a sufrir el peligro inminente con constancia y a sufrir el amor con una pauta irritablemente repetida.

Como todos en la vida, Xander Harris tiene una enorme evolución a lo largo de 143 de los 144 episodios de la serie (solo está ausente en “Conversations with Dead People”, 7.07). Comienza siendo el nerd adolescente que se ríe de sus desgracias y se enamora completamente de la chica nueva del instituto, mientras mantiene a su mejor amiga de la infancia suspirando por él.

Es probable que ese amor secreto por la protagonista de la historia sea causa de muchos factores. Es el espíritu fuerte de una adolescente que lucha contra su destino y los demonios interiores y exteriores, el aire fresco que supone que sea “la nueva” y los lazos excitantes y peligrosos que los unen al vivir mil aventuras arriesgadas el punto fuerte de tales emociones. La forma en la que lidia con toda la acción a su alrededor, delega el protagonismo (por temor o por no sentirse suficientemente importante) y mantiene sus gracias y chistes, consciente o no de la vital desconexión que supone para los demás, añadiendo un elemento de relativa relajación escénica ante tanto dramatismo, es admirable ya desde los primeros episodios.

Así es él, con sus virtudes y defectos. Y errores comete muchísimos. No suele pensar las cosas (luego acaba necesitando el rescate). Mas hay algo que es constante: sus celos. No sólo su miedo a ser sustituido en el grupo o sus ganas de ser valorado como se merece; La manera en la que actúa impulsivamente al ver peligrar su posición o los juicios de valor que cree correctos, y que realiza a tenor de los sentimientos afectivos que conllevan a una serie de conflictos, es su constante más hiriente a lo largo de la vida del personaje en la serie.

Respecto a Willow Rosenberg, su gran amiga, sus celos toman vertientes amorosas que provocan actos tan poco éticos como dejarse llevar por la pasión momentánea y traicionar con ello una buena amistad real (Oz) o destrozar una relación que, por otra parte, estaba destinada al fracaso (Cordelia).

Sin duda alguna existe un antes y un después de cierto ataque de celos en la vida de Xander y ese es el final de la segunda temporada de la serie. La manera de actuar ante los chicos objeto de afecto de Buffy siempre implica un par de consejos degradantes y vacíos hacia esas personas, ideas locas sobre cómo librarse de ellas, etc... Pero hay un nombre que se repite a lo largo de la historia y es, cómo no, el alma gemela de ella: Angel.

Bien por sentirse amenazado por el atractivo de su oponente o por considerar fuera de lugar la relación amorosa chica-criatura sobrenatural, sus ataques hacia él se incrementan con el paso del tiempo hasta el punto de olvidarse de toda decencia y no pronunciar la advertencia que todos esperábamos que hiciera a la cazadora, justo antes de verse las caras con Angelus. Que Xander deseara tanto la muerte del vampiro y omitiera la información útil que podría haber evitado ese hecho puntual supuso una ruptura, no sólo en la amistad con Buffy, sino en la relación de simpatía del espectador. Muchos no le perdonaron nunca tal ofensa.

Si lo miramos con perspectiva, el tiempo no cambió ese factor. Él aprendió a ‘tolerar’ al vampiro y, seguramente, se sintió más que aliviado de su huida a Los Ángeles, pero esa espina de desconfianza continuó ahí, fracturando con ello la amistad de la Cazadora y provocando, junto a muchas otras cosas, el segundo hecho objetivo relevante de odio entre muchos seguidores de la serie: el momento en el que da de espalda a su amiga casi al final de la misma, justo cuando más lo necesita.

Y restos de esa quemazón anti-vampírica y anti-noviazgo con no-muerto quedó patente con la otra gran relación de la cazadora, Spike, aunque la diferencia consistía en que Xander se sentía superior al rubio oxigenado y, por tanto, lo trataba como tal; Incluso atreviéndose a despreciar a su amiga, en cierta forma, por sentir la necesidad de elegirlo como amante.

Es importante conocer el desgaste que vivió el personaje en toda su existencia televisiva. No solo motivado por los factores anteriormente comentados. Su presencia se fue reduciendo en favor de potenciar el lado menos humano del resto, mientras él fue manteniendo los pies en la tierra, incluso adquiriendo empleos mucho antes que la propia protagonista, dando la sensación de personaje más cercano al mundo real pero, a su vez, alejándolo en cierta manera del círculo que habían construido para él. Todo esto no desmejoró la brillantez de su presencia en escena y reactivó, salvo en los casos puntuales explicados con anterioridad, la fe ciega que tenía en sus amadas amigas, creencia brutal sin la cual no podrían ninguna de ellas haber llegado tan lejos como consiguieron llegar.

Xander Harris no solo se conformó con un romance platónico con Buffy y unos cuantos besos con Willow. Sus relaciones más pronunciadas siempre fueron con mujeres de carácter más fuerte y marcado. Empezando por su ‘archienemiga’ Cordelia Chase, creando un intenso enamoramiento fruto del peligro y el escenario común pero con tantas diferencias que suponía dificil mantenerlo a flote.

Xander: Why is it that I've come face-to-face with vampires, demons, the most hideous creatures hell ever spit out, and I'm still afraid of a little bully like Jack O'Toole?
Cordelia: Because, unlike all those other creatures that you've come face-to-face with, Jack actually noticed you were there (“The Zeppo”, 3.13)

El toque del chico logró sacar el lado más humano de Cordelia y la cambió para siempre, hasta el punto de lograr que se fuera en busca de ‘un poder mayor’, un significado de vida. Así, ha logrado sacar, con su poder de observador escondido en las sombras de los grandes personajes, lo mejor de cada una de las personas y demonios con los que se ha relacionado.

Y con ello llegamos a Anya, su compañera de viaje y amor absoluto; Lo suyo sigue las pautas fijadas en todas sus relaciones, incluso podríamos decir sin miedo alguno que es LA sustituta de Cordelia en casi todos los aspectos, incluso en el demoníaco. Verlo tener una relación afectiva con un ser ‘maligno’ es toda una ruptura de sus principios iniciales, pero la aspiración redentora de ella (obligada o no) es un factor a tener en cuenta para comprenderlo. Todo comienza con sexo, por primera vez en su pobre vida. Pero el afecto de una demonio que da el primer paso fue significativo.

Anya: I, Anya, want to marry you, Xander, because I love you and I'll always love you. And before I knew you, I was like a completely different person. Not even a person, really. I had seen what love could do to people, and it was hurt and sadness. Alone was better. And then, suddenly there was you, and you knew me. You saw me, and it was this... thing. You make me feel safe and warm. So, I get it now. I finally get love, Xander. I really do. (“Hell’s Bells”, 6.16)

La primera vez de Xander fue con Faith, sin apenas pensarlo y siendo chico-objeto. Lo verdaderamente potente llegó con Anya, hasta el punto de envolverlo en un halo de miedo y terror, de repetir los errores del pasado, de sus padres, de no verse capaz e inflavalorarse, etc... La burbuja de tantas preocupaciones tenía que estallar en algún punto y lo hizo en el escenario de una boda inminente con su amada, recordándonos que él sigue siendo un hombre, uno de esos de a pie, de los que siguen cometiendo los mayores errores de su vida y tienen que vivir con ello.

Incluso nos enseña algo más allá del poder de rectificar y pedir perdón tras las equivocaciones; Como personaje, Xander nos hace darnos cuenta que realmente no necesitamos ser superhéroes o villanos. Nos basta y nos sobra con ser humanos, tener sentimientos y actuar con el corazón. Y fue ese precisamente el órgano el que salvó al mundo de la destrucción total y no cualquier poder ajeno, cuando su pelirroja se volvió oscura, deprimida y visceral hasta límites insospechados. Fueron sus impulsos los que lo mantuvieron en primera linea, protagonizando “The Zeppo”, y enganchándonos a sus andanzas mientras el resto del mundo seguía su ritmo como es acostumbrado.

The first day of kindergarten you cried because you broke the yellow crayon and you were too afraid to tell anyone. You've come pretty far; ending the world, not a terrific notion, but the thing is, yeah. I love you. I loved crayon-breaky Willow, and I love scary, veiny Willow. So if I'm going out, it's here. You wanna kill the world, well then start with me. I've earned that (“Grave”, 6.22)

En una serie repleta de héroes, él supo encontrar su manera de decirle al mundo que él existía, que estaba orgulloso de ser lo que era porque todo él significaba las maravillas y desgracias que tenía alrededor, sus amigos; porque no importaba estar sólo bien, ser una persona normal en un mundo de dioses y monstruos. Simplemente aprendió a quererse y esa acción la supo transmitir a los demás con su fidelidad, con su devoción, con ese estilo tan caracteristico de ser. Fue un amigo, un amante, el rechazado y el que rompió corazones... Incluso fue como un buen padre para una pequeña bola de energía con recuerdos humanos y conflictos internos increíblemente difíciles llamada Dawn. Supo darle apoyo, estar ahí para ella y creer en ella como siempre hizo con su ‘hermana’, a la que vio morir dos veces y trajo a la vida otras tantas.

¿Quién dijo que él no era un superhéroe? Es el que mejor merece ese título. No llevó a sus espaldas el peso del mundo ni aportó su fuerza para luchar contra todos los apocalipsis a los que se enfrentaron. Pero él, más que nadie, supo ver, incluso cuando dejó de tener dos ojos con los que hacerlo, la verdadera naturaleza de las cosas y estuvo allí para ocuparse de que todos las superasen juntos, con una sonrisa de por medio. No fue vigilante, ni cazadora, ni bruja... Sólo fue Xander, la persona con el corazón más grande que jamás pudiste conocer.

They'll never know how tough it is, Dawnie, to be the one who isn't chosen. To live so near to the spotlight and never step in it. But I know. I see more than anybody realizes because nobody's watching me. (“Potential”, 7.12)

Artículo escrito por Juanma Devilniced

Retratos Whedon: Cordelia Chase (II)

2011-03-10T20:12:00.007+01:00

Attagirl

I'd just like to say thank you. You believed in me when no one else would. Even in my darkest hours, you were there for me, and that means more to me than you'll ever know. I guess what I'm really trying to say is, "I love you". To all my fans, this is for you! (“Birthday”, 3.11)

¿Quién es Cordelia Chase? Esta pregunta tiene fácil respuesta (que no por ello breve) si nos referimos a la Cordelia que conocimos en Buffy, cazavampiros. Sin embargo, su paso por Angel nos complica la tarea considerablemente. Si bien Cordelia mantiene en Angel los rasgos más identificables que la convirtieron en uno de los personajes más carismáticos de Buffy (su descaro, su dudoso cociente intelectual o su intermitente superficialidad, por nombrar unos cuantos), es justo referirnos a la de Cordelia como una de las evoluciones de personaje más extensas, intrincadas, y quizás por todo ello, irregulares del Whedonverso.

La Cordelia de Los Ángeles es sin duda el mismo personaje que la popular animadora de Sunnydale, y al mismo tiempo es otro completamente distinto. Esto se debe a varios factores. Su desarrollo como personaje en Buffy, a pesar de ser lógico y satisfactorio, no deja de ser el propio de un personaje comparsa, pues si lo pensamos, Cordelia, a pesar de figurar en los créditos iniciales como “star” desde el piloto de Buffy, siempre obtuvo un tratamiento narrativo más cercano al de personaje secundario que es utilizado generalmente como alivio cómico. Sin embargo, la fuerte personalidad de Cordelia, junto al frecuente aprovechamiento del personaje, la convertían en un ente narrativo sólido y para muchos, un personaje whedon inolvidable.

I'm from Sunnydale. We had our own Hellmouth. I think I know a vampire when... I'm... alone with him... in his... fortress-like home (“City of…”, 1.01)

El escaso tiempo de pantalla para Cordelia en Buffy –sobre todo al principio- es quizás una de las razones por las cuales el personaje obtuvo un desarrollo más redondo en la serie madre que en su spin-off. A mayor condensación del tiempo dedicado, mayor es el esfuerzo –siempre que haya amor por los personajes- en construir lo más plenamente a un personaje en el Whedonverso. El caso de Cordelia es análogo al del propio Angel, personaje que pasa de segundo a primer plano y obliga a los guionistas a dotarlo de un mayor número de dimensiones, que de no ser manejadas con homogeneidad, puede acabar arruinándolo u obligando al espectador a valorar si el personaje realmente tenía potencial para llevar el peso de una historia principal.

Por lo tanto, esta actualización del personaje, es decir, su promoción de secundario a protagonista, lleva consigo un tratamiento necesariamente más profundo. A nivel de la historia, en primera instancia se ve reflejado en el hecho de que Cordelia se encuentra en un nuevo hábitat en el que debe aprender a desenvolverse de una manera distinta a la que conocía. Mientras en Sunnydale era la reina, en Los Ángeles es tan solo un alma más a la deriva en la gran ciudad. El inicio oficial del viaje de Cordelia hacia la madurez puede identificarse en el episodio “Rm w/a Vu” (1.05), el primero centrado en su personaje. En él, Cordelia comienza la búsqueda de un nuevo apartamento, a la vez que nos da a conocer una búsqueda mucho más profunda, en la forma de su propia redención. Cordelia cree que su fracaso como actriz en Hollywood y su insatisfactoria vida en Los Ángeles es un castigo por su comportamiento en el instituto. Tras luchar contra sus fantasmas –mientras derrota al espíritu que posee la que puede ser su nueva residencia-, y gracias al apoyo de Angel, que le ayuda a reafirmar su identidad (“You’re Cordelia Chase”), alcanza su primera epifanía en la serie. Con cuatro sencillas palabras, “The bitch is back!” Cordelia nos recuerda con quién estamos tratando. Paradójicamente, el personaje dejará de ser la queen bitch que todos conocíamos para convertirse con el tiempo en un apoyo incondicional, un ejemplo de sensatez y un paradigma de sacrificio. En Cordelia, la auto consciencia es el primer paso hacia el cambio.

Sin embargo, el protagonismo de Cordelia en Angel es relativo, al menos durante la primera temporada de la serie –y concretamente durante los primeros nueve episodios. En este sentido, Joss Whedon y David Greenwalt no sitúan a Cordy bajo los focos de manera abrupta, sino que continúan tratándola como un personaje secundario en algunos aspectos: su tiempo en pantalla sigue siendo reducido en comparación con el absoluto protagonista de la serie, Angel, y su papel durante los primeros episodios se ve limitado al de compañera –más bien inútil- de oficina y ocasional dama en apuros –algunos de sus rasgos más identificables siguen ahí, pero, como decíamos antes, existe voluntad de cambio. Al fin y al cabo, el personaje, inicialmente, no es más que un reclamo para atraer a la audiencia más fiel de Buffy a ver Angel, que durante sus primeras temporadas adolecerá de una profunda dependencia de su serie madre –además de Cordelia, Wesley Wyndam-Pryce formará parte del equipo de Angel, y esto, junto a los abundantes crossovers entre ambas series durante los primeros años hará que Sunnydale parezca más cerca de Los Ángeles que en las tres últimas temporadas del spin-off.

No es hasta el episodio 1.10 (“Parting Gifts”) cuando Cordelia se convierte en un miembro verdaderamente activo de Angel Investigations –habiendo asumido anteriormente el fracaso de su sueño hollywoodiense y su papel en la lucha contra el mal- gracias a los poderes que Doyle le deja en herencia, muy a su pesar. The Powers That Be escogen a Cordelia como portadora de las visiones de gente en peligro, con el propósito de ayudar a Angel en su camino de redención. A su vez, el propio Joss, junto con su delegado Greenwalt –los Powers That Be en Mutant Enemy, claro-, hacen lo propio con el personaje, confiar en su potencial de desarrollo para las próximas temporadas, y por lo tanto, otorgarle mayor protagonismo. Se trata del comienzo de la verdadera evolución de Cordelia en Angel, que pasará por distintas etapas, cada cual más extrema: princesa de otra dimensión, medio demonio, ser superior, madre del mal, y por último, ángel de la guarda.

I didn't ask for this responsibility, unlike some people who shall remain lifeless (“Parting Gifts”, 1.10)

Durante la primera temporada de la serie, Cordelia se mueve entre la fragilidad provocada por su fracaso en la gran ciudad, el dolor que le causa su nueva condición física y la fuerza innata de su carácter. El bagaje que el personaje trae de la Boca del Infierno marca fuertemente su personalidad en la ciudad. Sin embargo, Cordelia, lejos de dejarse amedrentar por su pasado, usará sus experiencias más traumáticas en Sunnydale como escudo y manual de supervivencia. Es otro signo más del imperante girl power que todas los féminas whedonianas exponen en mayor o menor medida. El cambio más significativo con respecto a la Cordelia de Sunnydale es motivado por sus primeras experiencias como sidekick de Angel y, principalmente, por su relación con Doyle. Tras años convencida de que su lugar en el mundo es la alfombra roja –idea que sin embargo no abandona, al menos hasta la tercera temporada-, Cordelia acaba asumiendo una realidad: lo quiera o no, pertenece al equipo de los bienhechores. Por lo tanto, su lugar está en la sombra, junto a los héroes que salvan el mundo sin salir en la televisión. Este será el sacrificio que convertirá a Cordelia en un personaje moralmente superior, y que definirá su trayectoria en la serie. Tomando conciencia de su papel en la lucha contra el mal –con determinación, a pesar de las continuas quejas por los gages del oficio-, Cordelia comienza a lograr la atención que tanto deseaba antes de mudarse a Los Ángeles. Solo que no viene de quien ella esperaba.

Las visiones de Doyle no solo sirven como punto de partida hacia la madurez de Cordelia, sino que también –y sobre todo- son el motor de prácticamente todas las tramas episódicas de la serie. Antes de que esto se convierta en un lastre para el personaje, Cordelia protagoniza varias tramas al margen de sus poderes, desmarcándose así de su habitual papel de apoyo al protagonista y de secundaria en las tramas principales. Todo cambia con el arco especial de tres episodios que deja en suspenso la historia principal de la segunda temporada. Cordelia pasa a primer plano, y lo hace por todo lo alto, como princesa de la dimensión natal del demonio Lorne, Pylea, donde, entre otras cosas, goza de sus tan ansiados quince minutos de gloria (“In quite a hurry to get back to the "Cordelia is not a Princess" dimension, aren't ya?”), conoce a uno de los hombres de su vida –el leal Groosalug- y se acerca a su segunda experiencia como útero demoníaco.

La relación entre Angel y Cordelia se afianza en la tercera temporada, en primer lugar como consecuencia de la segunda muerte de la cazavampiros –Cordelia siempre será el principal hombro sobre el que llorar para el vampiro-, y más tarde sirviendo de apoyo indispensable en la breve experiencia de Angel como padre, y de nuevo, como consuelo tras la prematura pérdida de su hijo. Durante este tiempo, Cordelia irá convirtiéndose progresivamente en un personaje con ciertos tonos paternalistas y cuyo papel será principalmente el de apoyo moral y voz de la razón. Sin embargo, al mismo tiempo ocupará un puesto cada vez más físico en las misiones de Angel Investigations, convirtiéndose, gracias al entrenamiento de Angel, en otra chica whedoniana que aprende a dar sus propios puñetazos en lugar de esconderse detrás del héroe mientras este la salva.

Cordelia: I'm wearing pants.
Billy Blim: So you can dress like a man? Talk like a man? Does that make you feel superior?
Cordelia: Actually, I'm feeling superior because I have an arrow pointed at your jugular. And the irony of using a phallic-shaped weapon... not lost on me. (“Billy”, 3.06)

Antes de ser ascendida, literalmente, por los Powers That Be, que la consideran idónea para un puesto como ente divino en un plano superior, Cordelia atraviesa su etapa más dura como empleada de las causas justas. A medida que sus visiones son cada vez más reales, las secuelas de las mismas se vuelven más permanentes, hasta dejarla en un estado de coma/proyección astral en el episodio que supone con toda seguridad el mayor punto de inflexión para el personaje, “Birthday” (3.11). Este capítulo compendia excelentemente el viaje de Cordelia hasta el momento, de egocéntrica y superficial estrella en ciernes a figura materna y abnegada heroína. El jocoso demonio Skip hace las veces de fantasma del pasado, presente y futuro en el propio cuento de Navidad de Cordelia –solo que no es Navidad, sino su cumpleaños- y le ofrece quedarse en una realidad alternativa en la que disfruta de su tan anhelado éxito –en esta realidad Cordy es protagonista de una exitosa sitcom- a cambio de olvidar su vida junto a Angel. Como es de esperar, Cordelia no acepta el trato, puesto que de hacerlo, ya no estaría cumpliendo su sueño, sino dando la espalda la que reconoce como su verdadera vocación: luchar contra el mal. Tras ser consciente de la importancia de su contribución a la empresa de Angel –que sin ella, y tras la muerte de Doyle, devoluciona en un ser salvaje y demente- y comprobar que estaba predestinada a recibir los poderes de Doyle, Cordelia regresa convertida en su mejor versión posible. A su vez, “Birthday” nos muestra que quizás la relación entre Angel y Cordelia pueda estar definida por el amor romántico –algo que se adelantaba, aunque fuera a través de un encantamiento, en el episodio “Waiting in the Wings”, 3.13. El final de la temporada confirma esta idea, y nos muestra a Cordelia dispuesta a entegarse a una historia de amor con Angel. Sin embargo, los Powers That Be –o como veremos más adelante, Jasmine- le impiden llegar a su cita con el vampiro, para alivio de muchos, entre ellos, quien esto escribe.

Se puede decir que Cordelia alcanza su conclusión como personaje al ascender al cielo de la noche angelina en el episodio final de la tercera temporada de Angel (“Tomorrow”, 3.22). Esto se debe a que la Cordelia de la cuarta temporada es otro personaje totalmente distinto, un huésped usando su cuerpo como vaina para –otra vez- traer al mundo un vástago del mal –y esta vez uno que no escatima en preparativos, disponiendo los elementos de la realidad a su antojo para llevar a cabo su plan. La Evil Cordelia no es en realidad sino una marioneta, totalmente inconsciente de sus actos. No obstante, esto es suficiente para que todo su arco argumental durante la temporada sea percibido como el desvirtuamiento de un personaje que ya ha alcanzado su madurez plena y para muchos debía haberse quedado tal y como estaba –que Cordelia se acueste con Connor, el hijo adolescente de Angel, es un ejemplo del extremo al que es llevado el personaje, aunque como decíamos, no se trate realmente de nuestra Cordelia en ningún momento. Las malas lenguas apuntan a los encontronazos de Charisma Carpenter con el propio Whedon tras quedarse ella embarazada, obligando a reescribir la temporada entera. La leyenda urbana cuenta que el final de Cordelia, que casi sin que nos demos cuenta cae en un coma irreversible tras dar a luz a Jasmine y desaparece sin más, es un castigo del autor a la actriz –circula una historia muy parecida sobre el papel de Xander en Buffy. A pesar de esto, lo cierto –y paradójico- es que Evil Cordelia supone para Carpenter una oportunidad idónea para demostrar sus dotes como actriz –hasta el momento, y perdonadme, bastante escasos-, algo que salta a la vista durante posteriores visionados de la serie, que nos permiten apreciar mejor los matices de una interpretación con más capas de las que pudiera parecer.

Ya sea para acallar las voces que acusaban a Whedon de perjudicar la historia con su vendetta personal o para dar cierre verdadero al personaje –ya que lo contrario no sería normativo en un trabajo con su nombre-, Cordelia regresa esporádicamente durante la quinta y última temporada de Angel, en uno de los episodios favoritos de los seguidores de la serie, “You’re Welcome” (5.12). En él, el Team Angel recibe la inesperada noticia de que Cordelia ha despertado de su coma, soprendentemente, más fabulosa que nunca. Por otra parte, Lindsay ha vuelto a Wolfram & Hart para acabar definitivamente con Angel, y Cordelia presta su ayuda al vampiro por última vez para derrotarlo. Siguiendo el desarrollo natural del personaje tal y como quedó al final de la tercera temporada, Cordelia ejerce de guía espiritual de Angel a la vez que lucha, katana en mano, a su lado. En la que es la perfecta coda para el personaje, Cordelia reafirma su identidad como pilar principal en la lucha del vampiro contra el mal, y lo que es más importante, en su recorrido personal. A pesar de que se hace hincapié en el velado amor que sienten mutuamente -¿puede Angel amar a alguien que no sea Buffy?-, lo importante es que Cordelia, no importa desde dónde, será fiel a su promesa de ayudar a Angel a encontrar su redención. Al final del episodio, Angel recibe una llamada del hospital informando que Cordelia ha fallecido, sin haber despertado del coma en ningún momento. Es el momento en el que asumimos el final de Cordelia. El personaje que comenzó como un estereotipo caracterizado por su frivolidad y materialismo se despide como adalid de la perseverancia, la madurez, y el compromiso. Y esa es mi Cordelia.

Cordelia: I naturally assumed you'd be lost without me, but this?
Angel: I am lost without you.
Cordelia: You just forgot who you are.
Angel: Remind me. (“You’re Welcome”, 5.16)

Artículo escrito por Pedro J. García

Retratos Whedon: Darla

2010-08-05T22:53:00.009+02:00

La más amada

En la primera escena del primer capítulo de Buffy, the Vampire Slayer, vemos a una pareja colándose de noche en el instituto. Ella parece insegura. Chico: "There's nobody there". Chica: "Are yo sure?" Chico: "Yes, I'm sure". Chica: "Ok". Y en ese momento vemos cómo la cara de ella se transforma en la de un vampiro y ataca al chico.

Esta es Darla. El primer personaje que conocemos de Buffy. El primer vampiro, y uno de los más antiguos del Buffyverso.

Darla era una prostituta agonizante de sífilis a principios del siglo XVII. Su vida nunca fue fácil. Aunque sabemos poco de esa vida anterior, ni siquiera su nombre humano, sí hay datos que nos hacen pensar que creció sin familia ni dinero (lo que le llevó a buscarse la vida como prostituta), y que nunca recibió amor ni, probablemente, pudo sentirlo. Ya antes de convertirse en vampiro, tenía el corazón endurecido por la vida que había llevado, y casi había perdido aquello que distingue a los humanos de los vampiros: el alma.
Esto, aparte de su indudable belleza, es lo que hizo al Master fijarse en ella y decidir liberarla de su sufrimiento. En su lecho de muerte, el Master regala a Darla una nueva vida y un nombre que le da un lugar en su nuevo mundo: Darla, la más querida, la preferida del Master. Ella, que nunca había sido preferida ni querida por nadie, no tarda en adaptarse y convertirse en uno de los vampiros más temibles de la Historia.

Siglos después, la eternamente joven y bella Darla no se conforma con el Master, y ve en Liam, un muchacho borrachuzo y libidinoso, el perfecto compañero para sus cacerías. Dice la leyenda que juntos arrasaron Europa, y fueron la pareja más sanguinaria de todos los tiempos: mataron, torturaron, se maltrataron uno al otro y se "amaron" (tanto como dos seres sin alma pueden) el uno al otro.
Pero la maldición gitana atrapa a Angelus, le convierte en un ser con alma y le da sentimientos que Darla no puede ni quiere recordar, y los amantes se separan, aunque la relación entre sire y sired es siempre demasiado profunda para que puedan separarse totalmente.

Darla consigue encontrar a Angel, ya en Sunnydale, ya más adaptado a su alma, y ya enamorado de Buffy (rubia, pequeña, fuerte… el complejo de Edipo de Angel le lleva a enamorarse del mismo paradigma de mujer que su sire, con la cómoda diferencia de que esta nueva mujer no es malvada). Esta vez no hay jueguecitos, no se engañan para salvarse a sí mismos y dejar al otro a merced de sus persecutores. Angel le rompe el corazón, con su alma y con su estaca, y de Darla quedan ya solo cenizas.

Darla: Do you know what the saddest thing in the world is?
Buffy: Bad hair on top of that outfit?
Darla: To love someone who used to love you

Pero no acaba aquí la vida de Darla. El primer personaje del Buffyverso tiene también el título del personaje que más veces ha muerto (más aún que la propia Buffy), y para ello tendría antes que haber vuelto a la vida, esta vez de manos de Wolfram & Hart, para que les ayude a realizar su malvado plan de volver loco a Angel (y, lógicamente, casi lo consiguen). Pero esta Darla que vive ahora, y que es humana, es la misma Darla (o tiene el mismo cuerpo, deberíamos decir, porque ha vivido tanto que no puede decirse que sea la misma) que estaba muriendo de sífilis 400 años atrás.

Lindsey: Woman should have her own series.

Darla intenta por todos los medios salvarse, de la única forma posible: haciendo que alguien vuelva a convertirle en vampiro. A pesar de los intentos de Angel por encontrar otra solución, arriesgando su vida por ella si es necesario en su papel de caballero, tiene finalmente que asumir que no hay otra forma de salvarla, aunque se niega a hacerlo. Por suerte para ella (y desgracia para los humanos de alrededor), entra en acción Drusilla, quien convirtiendo a su grandsire de nuevo en vampiro, crea una comedia de líos entre hijos, abuelos y nietos que solo podría soportar una cabecita ya perdida como la de Dru. Líos aparte, nuestra Darla ha vuelto con más fuerza que nunca, merendándose sin más a una panda de abogados.
Mientras, los encantos de Darla no han escapado a la vista de Lindsey McDonald, el abogado de Wolfram & Hart quien, maligno también a tiempo parcial como manda su empresa, no deja de ser humano y cree que el amor que siente por ella es suficiente para ser felices juntos. Lindsey no conoce a Darla ni a los vampiros en general, y hasta que no lo siente en sus carnes, no comprende que su relación con un ser sin alma no es posible, y más si se trata de un ser tan cruel y sanguinario como ha sido siempre Darla, la mujer que no conoció el amor.

El primer personaje del Buffyverso, el que más veces ha muerto… Darla tiene aún otro título más: es el único vampiro que ha tenido un hijo. Místicamente, Darla queda embarazada de Angel, y por si esto fuera poco, el niño que tendrán será humano.
Un embarazo cambia la vida a cualquier mujer, empieza a sentir cosas nuevas… pero ¿qué ocurre cuando no se trata de una mujer sino de un vampiro? Darla sufre con este embarazo, la consume, porque lo que lleva dentro no es natural, es un ser humano, un ser con alma, que está conectado a ella y le está traspasando sus sentimientos, parte de ese alma, y la capacidad de sentir amor. Por primera vez en su vida, en todas sus vidas y sus no-vidas, Darla siente amor por alguien, y es por ese niño que está creciendo en su interior y que, al tratarse de algo antinatural, no es capaz de salir de ella y poder vivir.

Así que Darla hace por Connor, por su hijo, lo único que ha hecho alguna vez por alguien, y le da la vida quitándose ella la suya. Después de dos vidas y dos no-vidas, que ha buscado y deseado una tras otra, da a luz de esta forma brutal y primaria, la única posible para ese animal que acaba de aprender a sentir y que no quiere otra vida más sin sentimientos.

Artículo escrito por Alicia Ortega

Dollhouse 2x13 - Epitaph Two: Return

2010-02-02T18:13:00.017+01:00

Echo, ¿qué vamos a hacer ahora?

Kilo: Oh God, she's so cool!

Escrito por Pedro J. García

Dollhouse ha tenido que atravesar un auténtico campo de minas para llegar hasta su final. Antes del estreno, presiones de la cadena, una franja horaria asesina y dudas del autor con respecto al concepto y el tono de la serie. Y después, malas críticas de los primeros episodios, la consiguiente falta de interés de la audiencia y la imposibilidad, debido a la naturaleza de la serie, de atraer a más fieles a mitad de su primera temporada. Para el episodio “Man on the Street” (1.6) Whedon tomaba el control, y su mente se despejaba, llevando a la serie por buen camino, pero era demasiado tarde. Desde luego, es fácil achacar el accidentado devenir de Dollhouse a factores externos, pero lo cierto es que el propio Whedon admitió en los primeros meses de la producción de Dollhouse que la serie se le fue de las manos. Ni él mismo tenía claro cómo quería que fuera su serie. Y esto se reflejó en una primera temporada que de no existir la renovación, habría quedado condenada al ostracismo, al olvido televisivo.

Al margen del frío recibimiento crítico y la indiferencia generalizada del público no-whedonite, Dollhouse ha conseguido mantenerse en el candelero durante un año, generando noticias y artículos, dando la campanada con una renovación sorpresa, y en definitiva, suponiendo una discreta revolución en la manera de hacer y ver televisión. Dollhouse se marcha con la satisfacción de haber sido la primera serie renovada para una segunda temporada gracias a los fieles en la web, que hacían que semana tras semana, la audiencia del episodio se doblase gracias al fiel seguimiento de la serie en plataformas como Hulu. Esta hazaña no puede pasarse por alto, y debe achacarse indudablemente al nombre de Whedon. Si bien la audiencia no ha remontado el vuelo en ningún momento, gracias a los fans, al estatus de autor respetado de Joss, y a la confianza que a pesar de todo ha depositado FOX en la serie, Dollhouse ha tenido la oportunidad de evolucionar y tener una conclusión. Y en mi opinion, una muy satisfactoria, teniendo en cuenta las circunstancias.

El despropósito que resultó ser el episodio anterior, “The Hollow Men”, que cerraba la trama del presente, se ve compensado por una emotiva coda en “Epitaph Two: Return”. Todos los personajes y todas las relaciones tienen su cierre. Y todos y cada uno de ellos me han parecido en mayor o menor medida, perfectos. Dejando a un lado los aspectos negativos que ya hemos repetido hasta la saciedad (la precipitación de las tramas, lo poco que conocemos a los personajes), creo que Jed Whedon, Maurissa Trancharoen y Andrew Bliss (ese guionista ignorado por mí en mis palabras de adoración exaltada hacia los familiares de Joss, pero que sin embargo comparte créditos con ellos en los mejores episodios de la serie) sacan el mayor partido a los personajes y con el poco tiempo y la dificultad para desarrollarlos, les dan el mejor final posible a cada uno (que tengan todos un final ya era admirable, pero esta sensación de completitud es increíble).

Los diez años que pasan entre “The Hollow Men” y “Epitaph Two: Return” han cambiado a algunos personajes, y han reforzado las personalidades de otros, manteniéndose fieles a lo que conocimos durante la serie. En ambos casos, creo que todos han recorrido un camino lógico y coherente con lo que sabemos de ellos. Anthony y Alpha han cambiado. Sus evoluciones me resultan impactantes, pero no faltas de lógica. Y es que no conocíamos realmente a ninguno de los dos. En este ultimo episodio presenciamos la conversión de la relación de cuento de hadas de Anthony y Priya en una real, con distanciamiento, rencor y dolor. Su emotiva reconciliación es uno de los puntos álgidos del episodio. Por otro lado, Alpha regresa a Dollhouse, y lo hace después de haber recorrido (en diez años como mucho) el mismo camino que Echo, un camino hacia la auto consciencia que, en el caso del personaje de Alan Tudyk, le lleva a la redención.

Me atrevo a decir, sin miedo a que nadie me contradiga, que Adelle y Topher son lo mejor del episodio. El amor maternal que Adelle profesa a Topher es conmovedor, y ha sido uno de los principales motores de Dollhouse. Topher Brink, el personaje que menos me gustaba en la primera temporada ha acabado siendo uno de mis favoritos. Y la reina de Dollhouse, Adelle DeWitt, se marcha definitivamente como el personaje más fascinante de la serie.

La “principal” historia de amor romántico de la serie, la de Echo y Paul, llega a su conclusión en la última escena de la serie. La muerte de Paul completa a Echo, y tras una violenta epifanía (la Dushku se despide por todo lo alto) se rinde a lo que siente por él. El amor, o la consciencia del mismo, la completa. No somos nadie si no amamos a alguien. La amistad más pura, el amor maternal o romántico son lo que en última instancia nos definen, lo que da a la serie, en mi opinión, un final redondo. Echo se acuesta en su ataúd de diseño a pasar el resto de su vida soñando junto a su amado (que no la despertará con un beso, porque ya no hace falta), tras cumplir su última fantasía. Un precioso pero devastador final que es imposible catalogar como final feliz, como no podía ser de otra manera, y que me recuerda a AI: Inteligencia Artificial de Steven Spielberg. En ambas historias, el final feliz del protagonista no existiría sin una muerte, sin el dolor de la pérdida, y este final no es más que una fantasía alejada del mundo "real".

Dollhouse ha dejado claro desde el principio que no sería una serie de acción al uso, sino que se esforzaría por crear un discurso complejo sobre el ser humano. Whedon se perdió en este discurso durante la primera temporada, a pesar de tener las ideas a tratar muy claras. Por eso, en esta segunda temporada ha primado la acción y el entretenimiento. Y a pesar de esto, Dollhouse ha conseguido finalmente el esquivo equilibrio entre acción e introspección que definió las anteriores obras de Whedon. Personalmente, creo que Dollhouse, pese a todos los problemas, internos y externos, es un triunfo.

Mi intención con ese blog durante el año que ha durado la serie ha sido desglosar Dollhouse, analizarla en detalle, episodio tras episodio. Y creo que lo hemos conseguido (no nos hemos dejado nada, ¿eh?). Lo que queda es la visión completa de un grupo de amigos, unos más apasionados de Whedon que otros, que no hace sino reflejar la irregularidad de una serie que sin embargo, nos ha aportado material inagotable para reflexionar, y que a mí particularmente me ha dado momentos inolvidables. Gracias a todos los whedonites por participar en Whedonverso, por hacer de este blog algo más que una página de opinión sobre television. Y sobre todo, gracias a todos por acompañarme en mi pasión por un autor que siempre fue una parte importante de mi vida, y que a partir de 2009, se ha convertido en algo más.

Os dejo con las impresiones (esta vez muy dispares) de los whedonites sobre “Epitaph Two: Return”.

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Looks like the Dollhouse is officially closed for business

Topher: I'll fix what we did to their heads. You fix what we did to the rest of the world. Your job is way harder.

Escrito por Alicia Ortega

Yo no considero los Epitaph finales de temporada ni, simplemente, parte de Dollhouse, sino otra serie (de dos capítulos, sí, pero serie al fin y al cabo) que tiene personajes e historias en común con esta, pero cuyo hilo principal no me parece tan interesante ni las acciones de sus personajes parecen propias de los que conozco de Dollhouse.

Pero, aún teniendo eso claro, hay algo que no consigo entender y que no puedo dejar de comparar con el personaje que conozco y amo: ¿Qué ha cambiado en Alpha? ¿Por qué de repente el que fue Big Bad de la primera temporada y sembró terror en la segunda está gobernado por una personalidad del bando de los "buenos" y nadie parece temer que su cabecita sufra un golpe de estado? Creo que sus anteriores apariciones se encargaron de dejar bien claro que él no tenía nada en común con Echo salvo estar superpoblados, que en el reparto de virtud moral, la chica se quedó con todo el lote y Alpha se tuvo que conformar con el sentido del humor, y de pronto nos presentan a dos personajes similares, y compañeros de equipo. Espero no ser malinterpretada: no estoy diciendo que Alpha, como cualquier otro personaje, no tenga derecho a evolucionar, y está claro que, como Echo, tiene en teoría mucha mayor facilidad que los demás para hacerlo, pero solo pido un atisbo de explicación sobre lo que ha ocurrido en estos años.

Dejando aparte a Alpha, veo más fallos garrafales en este capítulo: Mag y Zone, los supuestos protagonistas del "Epitaph One", que no nos ha dado tiempo a conocer ni medianamente, se despiden con tal confidencia e intimidad que hacen sentir al espectador, al menos a mí, como un sucio voyeur, que no debe estar presenciando ese momento entre personas que no conoce lo suficiente.

Pero no es todo malo en este capítulo. Podría decirse que hay una sola cosa que considero bien hecha, pero es algo que vale más que todo lo que no me ha gustado: Topher Brink y Adelle DeWitt. Adelle y Topher. Una vez alguno de mis compañeros calificó la de Sierra/Priya y Victor/Anthony como la historia de amor más bella del Whedonverso, y creo que este capítulo por fin lo refuta sin lugar a dudas. Aparte de que nos presentan un insulso futuro de "te quiero pero mi trabajo está por delante" de los muñecos, con hijo y todo, como nos muestran con un zoom sobre él al hablar Priya de lo que no quiere olvidar, por si no nos habíamos dado cuenta de quién era el crío, que solo faltaron letreros luminosos señalándole y rezando "¡Es el hijo de Priya y Anthony!"; aparte, decía, podemos echar la vista atrás y darnos cuenta de que lo que hay entre Anthony y Priya es un amor a primera vista, se vean por primera vez las veces que se vean, pero que no se forja poco a poco, conociéndose, como pasa en las grandes historias de amor. Y, mientras, lo podemos comparar con otro amor, quizá no sexual (quizá sí), pero con seguridad mucho más fuerte y, para mi gusto, mucho más hermoso que el de los anteriores. Adelle lleva años trabajando con Topher. Han sido confidentes de sus secretos más oscuros, ella le ha traicionado en alguna ocasión… se han visto en las situaciones más agradables y más desagradables, han visto cómo reacciona el otro en cada momento… y se aman. Sí, supongamos que es un amor entre amigos, pero eso no le resta fortaleza, y no me atrevería a decir que esta sí es la historia de amor más bella del Whedonverso porque el listón está muy alto, pero sin duda la prefiero a la de Priya y Anthony, y sin la menor duda la prefiero a ese amor que nunca he visto entre Echo y el personaje que hasta los últimos capítulos no fue un muñeco, pero siempre estuvo más vacío que ninguno de ellos, Paul aún-no-sé-qué-pinta-en-la-serie Ballard; aunque más que amor, lo que había entre ellos podría calificarse de desencuentros: Paul se obsesiona con una Echo que ni siquiera sabe que existe; Echo se enamora de él, pero a este le desprenden de sus sentimientos hacia ella para salvarle la vida; entendemos que poco a poco, Paul ha vuelto a enamorarse de Echo pero ella se cierra a él; y no se abre a este amor hasta que Paul no está muerto y bien muerto, aunque parece que Topher, siempre Topher, acaba de una vez por todas con estos desencuentros, y consigue para esta historia un final feliz, si quieren ustedes considerarlo así.

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Mad Max: En la cúpula de Echo

Topher: Thank you

Escrito por Juanma Devilniced

Partamos de la base de lo muchísimo que me ha gustado el episodio, es decir, los diez últimos minutos. El resto es un despropósito escrito con mayúsculas; Una casi road movie amateur que apenas emociona, que destruye casi el significado del anterior Epitafio y su intensísima búsqueda de Caroline, para... ¿nada?.

Si algo ha confirmado este episodio es que segundas partes NO son buenas y, salvo el final, el resto ha sido un mal capítulo, que te pierde en referencias inútiles, en caras nuevas o viejas que ni recuerdas, en tecnología que habla de tecnología, en trucos que se sacan de la manga y en las peores actuaciones de los actores que jamás se ha visto.

¿De verdad Eliza debe emocionarnos en su discurso de ECHO abatida? ¿De veras deberíamos sentir una punzada en el corazón cuando comprobamos que el amor no es perfecto, que lo que creíamos que era la mejor pareja posible (Victor y Sierra) no lo son y todo por culpa de ellos mismos , de sus decisiones y de la casa de muñecas?

TOPHER y ADELLE son la esencia de este episodio y de la serie, definitivamente pisoteando a ECHO y el resto. Sus escenas han robado al resto el protagonismo.

Yo me quedo con el GRACIAS que dedica Topher al vídeo de su amada, con una mano en sus labios, y al posterior arrumaco de la jefa, aquella que se ha desvivido por él cuando perdió el norte.

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Enfréntate al futuro

Topher: Kill your idols. There’s a piece of truth.

Escrito por Daniel Andréu

Curiosa esta segunda temporada de Dollhouse. Ya desde el principio vi un cierto desgaste por la casi certeza de la cancelación. A eso se sumaba mi tristeza por ese cercano fin, y eso que yo siempre he sido de los ingenuos y positivos que hasta el último momento esperaron un milagro. Pero la sensación de que todos los capítulos estaban siendo flojos la tuve desde el principio. Después llegó la cancelación oficial y con ella lo que, en mi opinión, ha sido lo peor de la temporada, la aceleración de las tramas a veces a ritmo de speed. Por cierto, ¿dónde coño se ha metido Whedon durante estos 13 capítulos? Ya podía haber dirigido o escrito algo…

Pero llegó "The Attic" y se hizo la luz. Me gustó tanto que a veces incluso me sentí culpable por pensar que es el mejor capítulo de toda la serie, ya que no es el más representativo ni de lejos. Pero no deja de ser Dollhouse y de ser el que ha conseguido un mayor grado de satisfacción en todos los sentidos. Creo que sin esa narcótica velocidad en los guiones no habría sido posible ese maravilloso 2x10, que con más tiempo para desarrollarlo todo, los acontecimientos de "The Attic" habrían quedado un poco más dispersos en el tiempo y no habría salido un episodio tan poderoso.

"Getting Closer" también fue satisfactorio, no tanto como su predecesor, pero lo suficiente para dejarme contento porque di por hecho que todo el final de Dollhouse iba a estar a la altura de lo que yo le exigía. Desde la decepción y el mal sabor de boca que me supuso "Epitaph One" conté en mi cabeza "The Hollow Men" como el último episodio de Dollhouse, por lo que cuando llegó ese disparate hecho capítulo, se me vino la dollhouse encima. Menos mal que el verdadero final de la serie ha sido "Epitaph Two: Return", porque hace todo lo que yo esperaba del anterior. Lo deja todo como lo tiene que dejar, es coherente con todas las situaciones y los personajes (mucho más que el salto de tres meses de "Meet Jane Doe"). Y, aunque me deja con la espinita de una despedida de Whiskey, me da finales preciosos como los de DeWitt/Topher (lo mejor del episodio, como no podía ser menos viniendo de la mejor actriz/personaje de la serie), Tony/Priya o el dulcecito en forma de final “feliz” que es la historia de Echo y Paul. Y voy a hacer una referencia externa en la que nadie habrá pensado, pero he sido muy feliz con la gran similitud entre la muerte de Topher y la del teniente Darius Michaud en Expediente X: La película.

A pesar de las muchas pegas que haya podido ponerle a esta segunda temporada (y que no siento la necesidad de repetir gracias a los whedonites), me deja un buen sabor de boca aunque no sepa decidir si habría sido mejor que siguiera adelante o no. Estoy seguro de que poniendo tiempo de por medio va a mejorar. Mientras tanto, seguiremos esperando el próximo proyecto de Whedon (no más FOX por favor) para por lo menos volver a darle vida a este blog.

Ha sido un placer.

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Al final, happy ending

Alpha: Did he just call me a ludite?

Escrito por María Rivero

Como mis compañeros ya habrán diseccionado el capítulo escena a escena, yo voy a centrarme en los detalles que no me han convencido y en las dudas que me quedan después de verlo.

No es exactamente un happy ending redondo, pero es un final feliz en el que cada uno recibe a su manera lo que quiere: Topher restaura el orden en el mundo, Adelle sigue guiando a sus ovejas hacia la luz, Priya y Tony se quieren, Alpha... bueno, Alpha es inteligente y se quita de en medio y Echo, Echo/Caroline consigue destruir Rossum y al final, tiene un poco de felicidad teniendo dentro a Ballard (más allá de cuando están a punto de morir). Que debe ser como tener dentro al demonio o algo así, pero bueno.

En este capítulo se me han creado algunas dudas: ¿Quién es esa mujer, Echo o Caroline? Y, sobretodo, ¿qué personalidad tiene implantada la niña? Porque se supone que durante la serie, quien está enamorada de Ballard es Echo, Caroline sólo aparece al final. Es cierto que desde que la conciencia de Caroline vuelve a su cuerpo hasta el momento final, han pasado varios años y Caroline ha convivido con Paul, pero... se supone que las personalidades son individuales, dentro de la misma mente puede haber una Echo enamorada y una médico a la que Ballard le da asquito. Así que se supone que esa niña está impresa con... ¿Caroline que está enamorada de Ballard? Si es así... ¿Dónde está Echo todo el rato? ¿Qué narices ha pasado con esa personalidad que controla al resto? Y en cuanto a dolls, ¿de cuándo se supone que es el Paul que deja Alpha? Porque si es aquel que descargó cuando lo mató, es un Paul muy anterior a toda la lucha existente, es un Paul que no ha vivido con Echo/Caroline durante años luchando por sobrevivir... Es un Paul que no conoce a Caroline y que, desde luego, no entiende la frase de "¿no querías que te dejase entrar?". Que, por cierto, si en la misma mente están Ballard y Echo/Caroline (voy a pensar que ellas han digievolucionado y se han fundido en una suprapersonalidad o algo así), cuando tengan momentos "íntimos", ¿se considerará masturbación? porque técnicamente, una mano la puede estar controlando Paul y la otra Echo/Caroline...

Otro detalle que no me convence, esta vez en el marco de la realización, son esos planos congelados. No han sido parte de la estética de la serie en ningún momento, ni siquiera en el "Epitaph One"... ¿Por qué, Solomon, por qué? No se puede dirigir "Out of Gas" de Firefly y después hacer semejante cosa en el "Epitaph Two"... no hace falta, de verdad que no (¿se nota mucho que no me ha gustado nada?).

Todo esto no quiere decir que no haya disfrutado con el capítulo, pero sí es cierto que me lo he pasado mejor con los detalles: las miradas, la pareja Adelle/Topher, Anthony saliendo del furgón blindado, Echo/Caroline diciéndole a Priya que deje de ser una niñata... Como cierre de la serie, bueno, para hablar de eso habría que hacer una retrospectiva de las dos temporadas. Como momento aislado, me quedo con la cara de Alpha cuando Anthony le dice que Ballard ha muerto hace diez minutos. Con todo lo que ha sido ese personaje, con el cariño que le ha tenido siempre a Echo (a su modo psicópata), que ese personaje reaccione así me parece una maravilla. Esos dos segundos (superando por muy poco a Adelle dándole de comer a Topher) son los que más me han emocionado. Supongo que me gustan las cosas pequeñas.

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What?

Echo: And I'm alone. I'm all alone, I'm always alone

Escrito por Lucía Vargas

Por instantes pensé que era la más tonta del Reino de Joss, pero no, después descubrí que existen la wikipedia y sangoogle y amigos que amablemente te enseñan el camino hacia la luz.

Pues nada, después de haber visto "Epitaph Two" no comprendía mucho, por no decir nada, de lo que sucedió ahí, en ese futuro tan negro que nos muestran en Dollhouse. Quiero pensar, como dije ya en mi blog, que todo es fruto de la temprana cancelación de la serie y que nada tiene que ver con una mala ejecución de las ideas, que todo es demasiado precipitado y el vértigo que produce no me deja entender lo que nos han querido mostrar.

Y lo que menos me gusta de todo han sido las “soluciones” al problema: las explosiones. Con dos denominadores comunes, primero tienen que ser activadas manualmente porque no se les ocurrió ponerles un reloj para la cuenta atrás, cuando todos sabemos que eso es lo que más se lleva en la ficción. Y después siempre muere alguien, consecuencia directa del no ponerle cuenta atrás a la bomba, pero bueno, es ficción y lo perdonamos. El punto distinto en las bombas es que en la primera muere un malo maloso, Boyd, al que odiamos por habernos tenido engañados durante dos años, y en la segunda muere un bueno entrañable, Topher, que al principio no era más que un mero secundón pero que con el paso de los capítulos se convirtió en personaje fundamental en la trama.

Por último, decir que la niña me ha encantado, ese encuentro entre Echo y Mini-Echo. Y también el momento en el que Echo se derrumba, cosa que no me esperaba, no le va el derrumbarse cual Macarena en Rec, que solo le faltó llamar a su madre.

Y sin nada más que decir, tendré que volver a ver la serie de nuevo para enterarme más profundamente de lo que nos han querido contar.

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Cerrando la boca del infierno

DeWitt: Topher Brink is a genius and you will keep a civil tongue in this house, or we'll put in the stew

Escrito por Javilost Marrero

El final llegó, y con ello el regreso del epitafio, para cerrar la trama que ha deparado esta serie durante sus dos cortas temporadas.

Continuamos la historia terminada en "Epitaph One", con Caroline dentro de una niña y sus dos leales compañeros de viajes y fatigas contra los butchers. Son apresados y llevados a Neuropolis para unirse al Adelle Team después de ser rescatados por Echo (secuencia maravillosa de pelea por parte de ella y aparición estelar del hermano de Eliza).

Topher entra en escena más loco y traumatizado que nunca por culpa de ser un genio (cosa que personalmente me da mucha pena), y con la solución para acabar con el problema. Hablar de Topher significa hablar de Adelle, la “madre” del genio, cuya escena de ella dándole de comer hizo imposible que mis ojos se contuviesen por la emoción. Ellos han sido los verdaderos protagonistas de esta serie, dejando en la sombra a Echo, sobre todo en esta segunda temporada. La evolución del GRAN personaje de Dollhouse me ha encantado de principio a fin, hasta su lado de bajón que hizo que volviese más fuerte que nunca y tuviese los ovarios de enfrentarse a Rossum Corporation.

En general, el capítulo me ha parecido genial (sobre todo la segunda parte), exceptuando la rareza de la aparición de Alpha, ya que no se explica nada de su colegueo con los demás. Y además, como mismo aparece, desaparece, seguramente a cultivar sus zanahorias. Alpha siempre será misterioso.

Los momentazos del capítulo, aparte de los ya nombrados, son los de Echo y Sierra, sobre todo el cabreo de ambas; y por supuesto esas despedidas de Adelle a Topher y a Echo (con abrazo mágico espesial incluido)

(SPOILERS SERIES FINALE BUFFY)

He visto, al igual que en "Omega", relación con la serie madre de nuestro creador Whedon, Buffy. Veo referencias del fin del apocalipsis con cerrar la boca del infierno. También, la muerte de Ballard la asemejo con la de Anya, muerte necesaria y ocurrida en cualquier guerra apocalíptica. Y la muerte de Topher, con la de Spike, como el héroe que tiene que morir para salvar a todos.

(FIN SPOILERS SERIES FINALE BUFFY)

Para que no se haga más extensa, cierro diciendo que la serie me ha encantado en su plenitud menos la primera mitad de la primera temporada, la cual me aburrió y me decepcionó bastante, de resto me ha parecido una genialidad toda ella. Eliza Dushku ha estado increíble pero ha sido eclipsada por la Diosa de Olivia Williams.

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Fantasy

DeWitt: Funny that the last fantasy the Dollhouse should fulfil would be yours.

Echo: I don’t have any fantasies, Adelle.

Escrito por Ricardo Carabaña

En un universo post-apocalíptico que estéticamente bebe de Firefly sin intentar ocultarlo, "Epitaph Two" es un (casi) perfecto colofón a la serie. Una pena que esta no haya sabido estar siempre a la altura.

No tengo ninguna fantasía, Adelle. Es el precio que tiene que pagar una heroína por salvar el mundo. Fuiste elegida, Caroline. ¿Final feliz? Montones de fantasías completadas a medias. Sabor agridulce. Y, once meses después, todavía mucho potencial que se quedará forzosamente como interrogantes en nuestras cabezas. Sea como sea, gracias Eliza. Y gracias Joss.

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Let Us Fall Asleep

Mag: The little asian is kinda cute

Zone: She's a teckhead, Mag...... She's a girl, Mag

Escrito por Pol Díaz

Oficialmente Dollhouse, su historia principal, llegó a su fin con la emisión del episodio 2x12, el Epitafio 1 fue un experimento extraño que puso fin a la primera temporada y con la llegada del Epitafio 2 no solo ponemos fin a la serie en general si no que la vestimos con un broche de oro.

Si bien Dollhouse, en una visión global, flojeaba en varios capítulos, arrancando siempre a mitad de temporada para no parar hasta sus season finale, es una serie con mucho potencial que no ha tenido tiempo de brillar como ocurre con otras obras de Whedon. Si el final oficial de la historia principal de Dollhouse nos ha dejado a la mayoría un poco fríos, al menos personalmente este segundo y último Epitafio me ha dado todo lo que quería y más. Un final digno, un desarrollo de personajes (en su mayoría) más que bonitos y algunas muertes al mejor estilo Whedon, que te dejan con la boca abierta.

También alegra ver de nuevo pululando por ahí a Felicia Day y a nuestro nuevo activo favorito, o al menos el mío. Kilo. Esa pequeña gran estrella invitada.

En definitiva, Dollhouse ha sido para mí un buen plato principal, con un mejor postre en forma de dos epitafios dignos de convertirse en serie propia.

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El ataque de las muñecas asesinas

DeWitt: Leading them into the light. For good.

Escrito por Javi Pocoyó

Como no me cuento entre los fans de Whedon, y suelo ser bastante reaccionario (en una obsesión que tengo por "equilibrar la balanza"), durante el transcurso de Dollhouse me he sentido en la obligación de mostrar una posición crítica, porque me ha parecido que algunos fans veían maravillas, sin fijarse en los fallos. Maravillas, aciertos, fallos y fracasos, todos se han acabado estudiando en este blog desde hace más de un año, así que poco más hay que decir.

Personalmente, y desde una visión global que ya podemos tener, Dollhouse me ha parecido una buena serie de ciencia ficción que ha invitado a la reflexión algunas veces ("Haunted", "Instinct"), al aburrimiento otras ("Vows"), y al buen entretenimiento de vez en cuando ("The Attic"). Y desde luego es mucho mejor que muchas series que llevan años en antena.

Es hora de decirle adiós, y el final ha resultado estar a la altura, e incluso ser mejor de lo que me esperaba. Aunque "Epitaph One" no me gustó, por razones que no vienen al caso, resultó ser de gran ayuda para darle un final digno a la serie. El 1x13 fue realmente un aviso de lo que venía en la segunda y última temporada, y una introducción para este episodio final, tan necesario como el propio flashforward que relata. La serie se adelanta en el tiempo para poder contarnos lo que pasará, para enseñarnos el final del camino, que no podríamos haber visto de otra manera debido a la cancelación.

También son necesarios los primeros minutos con la repelente de Felicia Day, la niña que merece morir y el bocazas insoportable, para entender la situación en la que nos encontramos. Por suerte, pronto llega Ballard (sin camiseta, como debe ser) para pegar unos cuantos cabezazos, y llevarnos junto a nuestros amigos (que sí, ya lo son, después de dos temporadas). Escena de acción de turno (como todas las del capítulo), y por fin sabemos la situación de DeWitt y los demás. La escena "familiar" con bromas y buen rollito sólo queda un poco forzada y fuera de lugar. Un pelín. Pero se disfruta.

Agradezco la muerte de Ballard, llevada con bastante inteligencia, y causando una escena emotiva con la que Dushku se luce lo suficiente. En esa misma escena volvemos a ver que Echo es Buffy, con la misma carga de superheroína, y con los mismos tormentos personales. En el fondo es lo que todos queríamos, incluidos Whedon y Dushku. Además, la muerte del "príncipe azul" (como ya vimos en "Briar Rose") nos da una escena final preciosa, en sintonía con la reflexión sobre la soledad que se ha hecho durante toda la serie. Toda la felicidad a la que puede aspirar Echo, es el descanso eterno y nostálgico, lleno de recuerdos. Nada más que recuerdos.

Hace unos cuantos meses dije que Dollhouse, sin una segunda temporada, sería una serie olvidable. Ahora puedo decir que tenía razón, y que esta temporada ha llevado a la serie a un terreno más digno. También es verdad que Dollhouse alzó el vuelo a partir de que la cancelaron. Eso nos demuestra que deberíamos haber tenido más paciencia, que el potencial que mostraba la serie en su primer capítulo iba a dar de sí en algún momento. Si la serie hubiera estado en otra cadena, una de cable, menos preocupada por la audiencia, y más por la calidad, habríamos tenido más Echo, más Topher y sobre todo más DeWitt. Podría haber sido maravilloso. Pero no puedo decir que esté descontento. Algunos dicen que lo bueno, si breve, dos veces bueno.

Dollhouse 2x12 - The Hollow Men

2010-01-20T21:11:00.010+01:00

Dos Ex Machina

Llegamos al final de Dollhouse. Aún queda el último epitafio, del que no sabemos muy bien qué esperar, ni dónde dejará a la última serie de Whedon, pero “The Hollow Men” cierra, se supone, todas las tramas y responde a todas las preguntas de la serie. ¿Estamos satisfechos?

Pedro: “The Hollow Men”. Gran anticlímax donde los haya. Mira que les tengo dicho a Whedon y a los suyos que las tramas de infiltración en complejos de alta seguridad nunca les salen bien, y que es mejor desistir. ¿De verdad el sufrimiento que tuvimos que pasar con la Iniciativa en Buffy no les sirvió de lección? En mi opinión, este penúltimo episodio de Dollhouse ha vaciado de transcendencia una trama que en los episodios previos nos había llevado a lugares fascinantes (sobre todo “The Attic”), y que ahora reduce el discurso de Dollhouse a cuatro referencias superficiales y desubicadas a los temas centrales de la serie (identidad, lealtad, poder, y de manera secundaria, la familia).

Pocoyó: Antes de entrar en el “mágico” terreno de las segundas lecturas, me gustaría centrarme en el argumento. Yo diría que el capítulo es simplemente mediocre. Supongo que no esperaba mucho (cuando vi “The Attic”, me convencí de que era seguro que ningún capítulo por llegar sería tan redondo). Y lo que esperaba, lo he tenido: acción y respuestas. Sí es verdad que entre puñetazos, patadas y explosiones, han sido unos 40 minutos de diálogos sorprendentemente estúpidos y respuestas que causaban poco más que indiferencia. Por no mencionar las constantes licencias del guión, supongo que debido a las prisas por llegar al final. Realmente, creo que “The Hollow Men” tiene todo esto en común con “Omega”, excepto las licencias.

Pedro: Precisamente “indiferencia” es una palabra que podría resumir bastante bien el estado en el que me he visto inmerso durante todo el episodio. Ni la muerte de November me ha sacado de él. Podríamos hablar ya de insensibilización whedoniana para referirnos a la sensación de familiaridad y la ausencia de sorpresa ante eventos como ese, al que Whedon nos tiene ya (mal)acostumbrados. O quizás sea simplemente lo que tú dices, demasiada prisa, demasiado poco tiempo para que los momentos impactantes surtan efecto, y quizás demasiada indiferencia por mi parte hacia un personaje que nunca me aportó nada. El argumento de “The Hollow Men” en ocasiones parece escrito por autómatas. En la primera review de Dollhouse, comparé a Joss con un doll con su personalidad impresa, haciendo su trabajo como otros creían que debía hacerlo. En este caso, Michele Fazekas, Tara Butters y Tracy Bellomo no se alejan mucho de esta idea. Solo Bellomo había escrito algo para la serie. Me parece una muy mala idea confiar el desenlace de Dollhouse (obviamos “Epitaph Two: Return”, porque es eso, un epitafio) a unas guionistas que no han trabajado antes con sus personajes directamente. Y por eso, el episodio tiene esos diálogos tan ridículos (por irrisorios y por reincidir tanto en cuestiones que están más que claras desde hace tiempo). En ese sentido, ¿qué te parece lo que han hecho con Priya y Anthony?

Pocoyó: Primero: November no te aportó nunca nada, ni a ti ni a nadie. En cuanto a la elección de guionistas, simplemente no entiendo dónde está Whedon, y por qué no ha escrito ni dirigido ningún capítulo de la recta final. Pero lo de Sierra/Priya y Victor/Anthony no sólo es cuestión de diálogos. Ha quedado claro que los personajes en sí mismos no tienen ningún tipo de carisma ni capacidad de decisión. Son sólo dos adolescentes enamorados. Ese amor básico, y tan potente por ello, que nos ha encandilado siempre, es lo único que tienen. Así que este capítulo, en el que ya se tienen (y retienen) al uno al otro, y se descarga tanto peso sobre ellos, demuestra que son, entre otras cosas, estúpidos (¡venga, sentémonos en la silla sin razón alguna a pesar de que habíamos dicho, en algún momento indeterminado, un rotundísimo no a la tecnología!). Además, no ayuda que toda la capacidad interpretativa que tiene Enver Gjokaj, es más bien incapacidad en el caso de Dichen Lachman.

Pedro: La de Priya y Anthony es una historia que es preferible guardar en la memoria tal y como la construimos antes de conocerlos un poco más en este episodio. Es decir, quedémonos con la idea romántica y arquetípica del amor por encima de todo y anterior a nada, como si de un cuento de hadas se tratase, en el que los protagonistas se enamoran sin saber nada el uno del otro, y permanecen así hasta el final. En cuanto a la ausencia de Whedon en esta segunda temporada, debo decir que me recuerda inevitablemente a Angel, serie a la que Dollhouse se ha acercado visual y conceptualmente con estos últimos episodios. Joss ha delegado en sus colegas al igual que hizo en el final de Angel (o más bien, en toda la serie). En el caso de Dollhouse, esta delegación nos ha descubierto a Jed Whedon y Maurissa Trancharoen como auténticos apasionados de los personajes de Dollhouse, incluso por encima de su creador. Sin embargo, Joss debería haber aparecido para este penúltimo episodio. Sin duda, habría hecho un mejor trabajo que este trío de guionistas de “The Hollow Men”, adictas por lo que hemos podido ver a los deus ex machina (yo lo atribuyo a una gran deficiencia como guionistas, más que a la falta de tiempo) y a los chascarrillos estúpidos entre puñetazos.

Pocoyó: Es que ni siquiera DeWitt ha estado tan genial como en los episodios anteriores. Demasiado callada. Sólo Topher ha seguido en su nivel, aunque digo yo que debería estar más afectado por su reciente pérdida… Boyd es caso aparte. ¿Ha sido el malo malísimo que se merecía Rossum? En ese sentido, creo que se ha quedado corto en carisma. Ni siquiera en su mejor momento (“I love you guys”) me ha conseguido dar algo de mal rollo. Al final ha resultado ser un loco de la tecnología, que la usa para el mal “sólo porque existe”, y sin ninguna razón más. Ni siquiera ha dado para más de dos puñetazos. Sí me ha gustado algo más su final: Topher y el arma definitiva. Supongo que en relación con uno de los grandes temas de la serie: aún más valiosa que la vida misma, es nuestra identidad. Y cuando a Boyd se la arrebatan, pasa a ser una herramienta que Echo usa para destruir el servidor central de Rossum. Por cierto, Echo ha pasado a un segundo plano en este capítulo, ¿no?

Pedro: Seguramente, la práctica ausencia de conclusión en el personaje de Echo se verá saldada en “Epitaph Two: Return”. Yo necesito un momento concreto de “closure” en el que se me salten las lágrimas porque en una frase, o en una mirada, se resuma todo lo que Echo significa. Lo he estado buscando en las primeras escenas del episodio, pero he desistido en seguida, a pesar de una muy buena escena inicial entre Caroline y Boyd (claro, esa no era Echo), porque es seguro que ese momento, si ha de existir, pertenecerá a los últimos momentos de la serie. Desde luego, Echo ha pasado a segundo plano, a favor de la acción y la resolución de tramas generales. Pero no solo ella, sino casi todos los personajes. DeWitt ha estado muy callada, es verdad. Aunque más bien, yo diría que Adelle ha estado hermética. Me ha gustado su actitud durante todo el episodio, su manera de empuñar la metralleta, sus miradas asesinas. Había demasiado que decir y muy poco tiempo, por lo que sacrificar presencia de DeWitt en los diálogos es un mal menor. Su presencia escénica es suficiente. El resto de personajes me han parecido correctos en sus actos (nada incoherente por parte de ninguno). El pobre Ballard es ninguneado por Boyd (que no entiende qué vio Adelle en él), y por sí mismo (es el último en enterarse de quién es el malo), y al final resulta que es cierto que no es nadie. Él decide que a pesar de ser un doll, es una persona real, pero nosotros no disfrutamos de su epifanía tanto como él, porque su conclusión responde a la necesidad de dar cierre a November. “Epitaph Two: Return” será su oportunidad para marcharse como el héroe salva doncellas que siempre se empeñó en ser. Por otro lado, estoy de acuerdo en que los malos andan faltos de carisma. Boyd básicamente está loco (fácil y única manera de concluir su trama), y Clyde es muy malo y ya está (por cierto, a Amy Acker le es muy difícil brillar saliendo del registro de la Dra. Saunders, con Enver Gjokaj haciendo de Topher en el mismo episodio). En definitiva, la acción ha protagonizado este episodio, dándonos buenos momentos (escenas muy físicas y potentes, reminiscentes de Alias) y otros no tan buenos (¿a quién se le ocurrió hacer escapar de la explosión a Echo de esa manera?). Si “The Hollow Men” (énfasis en el “hollow”) fuera el último episodio de Dollhouse, estaría muy cabreado. Por suerte, no lo es.

Pocoyó: Por mi parte, yo dudo que ninguna mirada ni frase en Dollhouse me vaya a hacer llorar ni en el último capítulo… Me sigue dejando más o menos frío, aunque haya dado capítulos muy buenos, en cuanto a entretenimiento. Y al final, el entretenimiento es lo que ha primado, y “The Hollow Men” no da ni para hacer reflexiones… Supongo que los temas que se podían explorar, la serie ya los ha agotado, o más bien ha agotado su técnica de explorarlos. Yo me quedo con DeWitt, y con la esperanza de que en “Epitaph Two: Return” ella los matará a todos, porque en el Apocalipsis no hay té.

Artículo escrito por Pedro J. García y Javi Pocoyó

Dollhouse 2x11 - Getting Closer

2010-01-15T21:14:00.015+01:00

Se acerca el epitafio

Grr Argh! Tras el grito del monstruo de la Mutant Enemy, más de uno pensamos en rever la serie al completo, para así intentar encajar todas las piezas de este complicado puzle y buscar posibles pistas que nos conduzcan hasta el final de este "Getting Closer". Sin tiempo suficiente para hacerlo, me atrevo a aventurar que el resultado que obtendríamos sería agridulce, bien porque la evolución de algunos personajes o tramas haya podido quedar un tanto forzada, bien porque quede todavía mucho que explicar en las escuetas dos horas de serie restantes.

El ritmo de los acontecimientos continúa a una velocidad de vértigo, lo cual se ha convertido en una necesidad y en una lastra a la vez para la serie. En este caso es Tim Minear quien escribe y dirige el episodio, plagado de autorreferencias y referencias a Buffy y Firefly (imposible comentarlas todas aquí). En "Getting Closer", por primera vez, se encaja un flash-back de "Epitaph One" (el adiós entre Langton y Saunders) en medio del episodio. Asisitimos también a la despedida, esperemos que no definitiva, de Priya/Sierra y Anthony/Victor, así como al retorno de November/Mellie.

El episodio comienza donde lo dejó "The Attic", es decir, con el grupo reunido en la oficina de DeWitt. Echo, Ballard, Anthony, Priya, Langton, Ivy, Topher y la misma DeWitt. Sí, al fin parece que tenemos un grupo de personajes cohesionado luchando por detener el apocalipsis (¿es necesario decir más?). En esta tesitura, solo queda preguntarse si realmente ha sido necesario todo el recorrido para llevarnos hasta este punto.

Ha llegado el momento de que la Dollhouse conozca a Caroline y de que Echo se enfrente a ella. Gracias a los flash-backs, aprendemos que Caroline Farrell no era más que una universitaria idealista que acabó metida en algo mucho más grande de lo que ella hubiese podido imaginar. Su carácter fuerte, utilizando medios característicos de Faith para fines últimamente buenos propios de Buffy, le impide parar una vez que le ha visto las orejas al lobo. Por ello, termina siendo secuestrada por DeWitt y Dominic, enviada a conocer a las dos cabezas pensantes de Rossum (Clyde y...) y convertida en Doll. Por su parte, Echo sigue luchando por encontrar su identidad, aterrada ante la idea de que instalar a Caroline en su cerebro pueda acabar con ella. Cada individuo construye su identidad en base a sus relaciones con los demás, y es ahí donde Echo encuentra sus mayores dificultades. Solo Anthony y Priya (por motivos obvios) y Langton parecen creer que Echo sea realmente una persona.

Echo: I keep thinking there is a me, that I'm real, but every time I talk to someone, they act like I'm doing tricks. Paul never believed Echo was a person, even when he cared.

Ballard no está en su mejor momento, tras prácticamente morir y ser resucitado por Topher, convertido en una Doll de sí mismo. El precio a pagar es la pérdida de su conexión con Echo. Para esta, su relación (de amistad profunda y tintes románticos) con Ballard es la más importante; él se comporta de manera arisca y brusca con ella, lo cual acentúa las inseguridades de nuestra súperDoll. En esta situación de reajuste, Ballard continúa frunciendo el ceño de la única manera que sabe y replanteándose su papel en la casa. Con su regreso, Mellie se convierte en su conciencia haciéndole en voz alta preguntas desde una perspectiva de un año atrás, recordándole cómo empezó todo y en quién se ha convertido.

Ballard: I don't know you anymore.
Echo: I know.

Hacia la mitad de esta segunda temporada, Ballard y Langton se convirtieron en el mismo personaje. Dos agentes de seguridad, que se planteaban la moralidad del proyecto Dollhouse desde dentro y que presentaban un amor totalmente fuera de lo común hacia Echo, uno más paternalista (o de watcher), otro más romántico. En la delgada línea que separa el bien del mal, los dos se nos han presentado siempre del lado de los buenos. Con la conversión de Ballard en Doll pensaba que habían resuelto este problema, ya teníamos dos personajes diferentes. Pero, ¡ay!, el final de este episodio contiene una sorpresa mayor, al revelarnos a Langton como el Big Bad que este final de serie necesitaba. Cierto que no sabemos nada del pasado de Langton pero... ¿Tiene esto sentido? ¿Es mínimamente coherente? ¿Cuál ha sido su propósito desde el principio al hacerse pasar por simple agente de seguridad, perrito faldero de DeWitt, durante más de dos años? Muchas preguntas que responder de forma convincente en lo poco que queda de serie (snif, snif... permitidme aquí que eche una lagrimita). Si me hubieseis pedido que dijese algo sobre Langton antes de los últimos 30 segundos de este episodio habría respondido que puede que fuese el único personaje últimamente bueno en toda la Dollhouse. Y si bien eso es motivo de sospecha, no sé dónde encajar todo esto. Por último, resaltar que en este episodio miente soberanamente a Echo al decirle que nunca conoció a Caroline.

Langton (a Echo): I never met Caroline Farrell. I know she drives DeWitt about as crazy as you do, so I figure she can't be all bad.

A pesar de habernos desconcertado durante gran parte de la serie, es ahora cuando vemos que DeWitt siempre ha tenido muy claro lo que quería hacer. Su trabajo en la casa podría compararse al de una madame de prostíbulo que vela por la seguridad de sus niñas. Así mismo, DeWitt solo quiere lo mejor para sus activos, por eso no tiene el menor reparo en ver cómo uno de sus compañeros de trabajo y sus guardaespaldas llenan su alfombra de sangre, llegando incluso a bromear sobre el momento, hasta que ve que Langton también ha recibido un disparo, y es ahí donde se nos revela la gran sorpresa. DeWitt es una mujer de carne y hueso y también tiene emociones. Lo que no sufre al ver tres cadáveres en su oficina lo sufre al ver a un amigo herido. A pesar de ello, la postura de Dama de Hielo que la caracteriza sigue estando presente y toma la decisión mas difícil, romper los contratos con sus activos y sellar la casa, todo por impedir que Rossum siga adquiriendo control sobre las personas. Como un buen caballo de Troya, DeWitt está dispuesta a hundir a Rossum desde dentro.

DeWitt: Well, I guess we can agree this carpet's done for.

Topher Brink siempre se ha caracterizado por ser una persona carente de emociones. Él hace su trabajo por amor al arte, es el mejor, lo sabe y poco a poco ha ido creando una personalidad que llega incluso a creerse una especie de Dios.

La llegada de Echo a la Dollhouse motivó un cambio en todos los personajes que ya formaban parte de ella, de una forma u otra, todos han ido cambiando y en el caso de Topher haciéndose más humano. Poco a poco, las Dolls dejaron de ser juguetes en sus manos y ya pudimos ver un atisbo de humanidad cuando ayudó, o más bien intentó ayudar, a Priya a librarse de sus miedos y las correas de Rossum, pero la verdadera humanidad de Topher llega de la mano de Bennett. Había oído hablar de ella, de sus hazañas y de sus logros y aunque no le ponía sexo, ya estaba enamorado de él/ella. Conocerla en persona no hizo más que intensificar esos sentimientos, hasta tal punto de perder la poca cordura que le quedaba, cuando segundos después de darle su primer beso es testigo de lo rápido que pueden cambiar las cosas. Bennett muerta, Topher cubierto de sangre y una escena que aún habiéndola visto ya en otra serie del señor Whedon hace que se me encoja el corazón.

Topher (a Bennett): You know, I always had a crush on you, even when I thought you were a dude.

Bennett retorna abducida a la casa de muñecas para ayudar a Topher a restaurar la wedge de Caroline, y aunque el personaje encarnado por Summer Glau me ha convencido más que en sus apariciones previas, se presenta una dualidad muy clara en su personalidad que no consigo que me termine de casar. Por un lado, Bennett se presenta como el típico cerebrito, nula en sus relaciones sociales, que lo único que realmente quiere es que alguien preste algún tipo de interés hacia ella, formar parte de un grupo. Caroline le prestó atención y ella la aceptó incluso después de conocer sus verdaderos motivos, rozando el patetismo. Dentro de la casa, Topher le declara sus sentimientos en lo que probablemente sea la historia de amor más corta vista jamás en televisión (tres minutos como máximo), con un final calcado de "Seeing Red" de Buffy (¡incluso Topher se plantea el "resucitarla" igual que lo hiciera Willow con Tara!). Por otro lado, vemos también a la Bennett de los capítulos anteriores, la mala malísima (incluso mala porque sí), que odia a Caroline y anhela venganza. Lo peor de todo es que el espectador no puede evitar pensar, cuando descubre lo sucedido, que lo que hizo Caroline no fue para tanto (y sigue así presentándose como nuestra heroína). Personalmente, me quedo con la Bennett insegura que con la fría y calculadora.

Bennett (sobre Topher): Do you really think he likes me?

Si bien Ivy ha sido durante la corta vida de Dollhouse un personaje más que secundario, es en las últimas horas de vida de esta casa de muñecas en las que comienza a tener un poco de valía para el que es su modelo a seguir. Ivy es la ayudante de Dios en la Dollhouse. Topher da órdenes, a veces absurdas y Ivy, aunque protesta, se digna a obedecer. Es lista, lo sabe, pero no lo es tanto como él, y estando allí puede mejorar.

El momento en que DeWitt la hace llamar y ella vuelve al laboratorio, tan fría y seria, nos hace pensar lo peor. Verla después dentro del grupo reducido de nuestros héroes particulares nos hace pensar que igual su papel no era tan secundario como creíamos, quizá solo necesitase un poco más de tiempo para brillar. Pero en el fondo no es así. Ivy no es más que el último aliento del antiguo Topher. "Vive", le dice, "usa tu mente para otra cosa, no hagas como yo. Vive". Y dándole alas, la deja partir, y con ella el último resto de cordura que le quedaba a nuestro pequeño Dios particular.

Ivy (a Topher): I really do wanna help you.

Sus cicatrices nos dejaron a todos marcados desde el primer episodio de Dollhouse. Todos queríamos saber qué había ocurrido, cómo habían llegado ahí y qué había hecho para merecer eso. Ser la mejor fue lo que llevó a eso y cuando nos presentaron a Whisky, a más de uno se le salió el corazón del pecho. Personalmente, no me lo esperaba y, personalmente, no pudo gustarme mas. Yo fui uno de los que echó de menos a Saunders cuando cogió el coche y se fue de la Dollhouse, pero esperanzado al recordar "Epitaph One" y ver que ella seguía allí, su nombre en los créditos del capítulo me hizo sonreír... hasta el momento en que pistola en mano, dispara a sangre fría a la cabeza de Bennett. "Getting Closer" es un episodio en el que ocurren muchas cosas, dan muchas vueltas y puede que llegues incluso a marearte con tanto giro argumental, pero este fue uno de los que más me ha marcado. Aquella escena de "Epitaph One" en la que nos presentaban un romance entre Saunders y Langton nos hizo ponernos tiernos. El llegar a ver esa escena en el presente de Dollhouse nos rescató ese sentimiento que teníamos guardado, y descubrir todo lo que ese romance ocultaba detrás nos hace gritarle WOW a Joss Whedon y a todos sus amigos.

Saunders (a Bennett): I honestly didn't think [Topher] was capable of admitting the existence of another human being, let alone loving one. I think you're the remarkable one.

Si bien el propio título del capítulo nos dice que no queda mucho para el final de la serie, el desarrollo del mismo nos deja ver que aún en 40 minutos una serie puede dar muchos cambios. Poco a poco, nos vamos acercando a ese Epitafio que se nos presentó al final de la primera temporada y lo que es mejor, vamos conociendo el cómo, por qué y por culpa de quién hemos llegado a esto. Y además, dándole la vuelta a la tortilla, nos presentan al verdadero malvado de la serie. Alpha solo fue el aperitivo y el plato principal siempre estuvo ante nosotros.

Cómo desarrollarán esto Whedon y sus chicos no lo sé, pero pondría la mano en el fuego a que no va a dejar indiferente a nadie.

Artículo escrito por Ricardo Carabaña y Pablo Díaz

Dollhouse 2x10 - The Attic

2010-01-10T18:20:00.015+01:00

Tormenta

En “Inquietud” (“Restless”, 4.22) de Buffy cazavampiros, el grupo de la cazadora se queda dormido intentando desconectar de los eventos del episodio anterior (la lucha definitiva contra Adam) mientras ven una película en el sofá en casa de Buffy. Cada uno de ellos tiene un sueño en el que se revelan algunos de sus miedos más profundos, mientras una figura sin identificar aparece en cada sueño amenazando sus vidas. ¿De qué nos suena este argumento?

En “The Attic”, se repite el esquema básico de “Inquietud”, con resultados aún más satisfactorios. Jed Whedon y Maurissa Trancharoen escriben su tercer guión esta temporada, y vuelven a superarse, después de regalarnos dos de los mejores episodios de la serie, “Belonging” y “Meet Jane Doe”. No puedo más que albergar infinitas esperanzas sobre el último episodio de la serie, sabiendo que ellos se encargan de él. Como el propio Joss, su hermano y su cuñada se han convertido en un valor seguro en el que depositar mi fe ciega. Se lo han ganado.

Los acontecimientos de “The Attic” no dejan un solo segundo de respiro al espectador, y mucho menos al whedonite de pro que se moleste un poco en identificar todas las referencias y los paralelismos con el resto de la serie, y con las otras series del autor, especialmente en este caso, con Buffy. Lo cierto es que sin dejar de ser Dollhouse en ningún momento, y como ya dije en otra ocasión, la serie lleva varios episodios entrando en terreno slayer. Esto no quiere decir que Dollhouse esté adoptando otra identidad, sino que ha logrado (gracias a este acelerón en la trama propiciado por la cancelación) ponerse a la altura de Buffy en cuanto a desarrollo de trama y de personajes (digamos que la comparación se limita a la calidad en el guión, porque Buffy tuvo mucho más tiempo para llegar mucho más lejos, y Dollhouse no deja de ser una serie más concisa en cuanto a trama). “The Attic” es un episodio especial, al estilo de “Inquietud”, o salvando las distancias, “Needs” en la propia Dollhouse. En él, el concepto whedoniano de “unión” explosiona y nos atraviesa en unos cinco minutos finales de auténtico órdago (solo empañados por, una vez más, el acompañamiento musical. No sirve de nada escoger canciones sorprendentemente acorde con la trama del episodio, cuando son completamente horrendas).

Whedon y Trancharoen consiguen aunar de nuevo todas las ideas de la serie y las cohesionan pasmosamente en una historia que no solo aclara (pero de verdad) muchas cosas, sino que también fascina, entretiene e impacta. Tomando como hilo conductor los sueños de los activos, y conectándolos acertadamente en la gran (y tantas veces cogida con pinzas) trama tecnológica de Dollhouse, el tándem Whedon-Trancharoen logran que todo tenga sentido, y nos ofrecen cuarenta minutos de ciencia ficción de primera calidad.

“The Attic” nos lleva de nuevo, y esta vez literalmente, al interior de los recovecos más oscuros de la mente humana, y lo hace además aprovechando todos los recursos técnicos a disposición del equipo. El episodio es, hasta ahora, el más conseguido técnica y visualmente. Es disfrutable tanto por su trama como por lo bonito que es. Y no me refiero solo a las secuencias oníricas más estéticamente placenteras en un sentido clásico (como Echo despertando en su “Tupper-ware” o la escena del árbol), o a las estupendas coreografías de acción, sino también a esas escenas oscuras y perturbadoras que salpican todo el episodio de sangre y dolor. Primero, escenas reminiscentes del Lynch más reconocible: el hombre del conejo, que es sin duda una referencia al hombre del queso de “Inquietud”. Whedon declaró que esta figura era el único elemento de aquel episodio de Buffy que no tenía significado simbólico. De la misma manera, no nos extrañaría que el hombre del conejo respondiera al mismo patrón, ya que sabemos que todo en Dollhouse quiere decir algo. De ahí que Echo diga refiriéndose a él: “And that… That’s a long story”. Y por otra parte, escenas que nos llevan de nuevo hacia terrenos anteriormente explorados por Whedon, pero nunca con tanta explicitud y riesgo. Whedon pone en imágenes lo que ya nos está contando en el subtexto de sus relatos, y no por ello resulta redundante. Los cuerpos descuartizados de “The Attic” y “Belonging” son el reflejo directo de las mentes de los activos de Dollhouse. Y en este sentido, “The Attic” es el perfecto ejemplo del interés de Whedon por crear un relato lleno de capas y significados.

En “The Attic”, todos los personajes parecen ocupar un lugar estratégico, y ninguno de ellos sobra en ningún momento… incluida la secundona Ivy. DeWitt vuelve a brillar con luz propia, como en los anteriores episodios. Es el personaje, junto a Echo, con el desarrollo más precipitado, y sin embargo es la que ha resultado ser más fascinante de toda la serie. Su, por un lado coherente, conversión en la mala más mala tenía una razón de ser más allá de la prisa por llegar al final de la serie. Es algo que ya habíamos visto en Angel. Un personaje se vuelve malo para llevar a cabo un plan oculto, pero el espectador no está al tanto, porque… porque no debe saberlo, porque sería un riesgo que no puede permitirse. Es la manera que tiene Whedon de introducirnos de lleno en su historia, y de sorprendernos partiendo de un elaborado plan, y no gratuitamente.

Echo sigue reafirmándose en su identidad, mientras Boyd se reafirma en su amor y paternal preocupación por ella. Mr. Dominic vuelve convertido en héroe del subconsciente y forma un gran equipo con Echo. Ballard recibe su dosis de justicia poética (injusta, porque él no ha cometido crimen alguno) convirtiéndose en un activo (Penikett, por fin, se luce en su interpretación, y se desmarca de su único registro conocido hasta la fecha: su cara de oler a estercolero). Y Sierra y Victor (Priya y Tony) siguen siendo los protagonistas de la más bonita historia de amor whedoniana. Es fascinante observarlos al fondo del plano, mientras Arcane y Echo discuten sobre cómo acabar con Rossum. Primero, Tony salva la vida de una indefensa Priya disparando a un “zombi” que se abalanza sobre ella, y después le ofrece su chaqueta para resguardarla del frío. Son pequeños detalles que ponen de manifiesto la pericia de Whedon y Trancharoen a la hora de tratar varias tramas en un solo plano (por capas), y revelan el especial cariño que tienen por la pareja de dolls.

La secuencia final de “The Attic” resalta de nuevo la importancia del “nosotros”. Echo, Tony, Priya, Ballard, Boyd, Topher y Ivy reunidos en el despacho de DeWitt mientras esta les dice que están listos para ganar la guerra. Al igual que Willow, Xander, Faith, Anya, Dawn y Giles en la habitación de Buffy, mientras esta les informa del plan para vencer el Apocalipsis. ¿Qué conclusión sacamos de esto? Que Adelle DeWitt es la gran heroína de “The Attic”. Y de Dollhouse. Así de claro. Al menos hasta que Caroline entre en escena.

Artículo escrito por Pedro J. García

Runaways - Niños Atrapados

2009-12-25T17:36:00.014+01:00

Cuando me enteré de que Joss Whedon iba a guionizar un arco argumental de 6 episodios de una serie de un cómic Marvel, al instante me puse manos a la obra para informarme de todo lo relevante respecto a ese cómic y por qué Whedon le había echado el ojo.

Navegando por Internet me enteré de que Runaways es el cómic favorito de Whedon, con el que cuenta los días cada mes para comprarse un nuevo número. ¿Qué tenía ese cómic? Muy sencillo: uno de los mejores guionistas que ha pisado y pisará jamás este mundo y el otro, Brian K. Vaughan. Es imposible hablar de Runaways sin mencionarlo si quiera, porque él es su padre. Él solito escribió los dos primeros volúmenes de Runaways, lo equivalente más o menos a temporadas televisivas en el mundo del cómic. Él creó a los personajes, les dio vida, los introdujo en esa historia tan extrañamente adictiva y los ha seguido moldeando hasta el último de sus días como guionista de Runaways. Y así le ha dejado el relevo al genial Joss Whedon. Y no podría haber acertado mejor, puesto que las similitudes entre Runaways y la obra más conocida de Joss, Buffy Cazavampiros, eran indirectamente muy parecidas en algún aspecto u otro.

Recuerdo leer que cuando Whedon se enteró de que Brian K. Vaughan dejaba la serie, él empezó a frotarse las manos como el Sr. Burns, y es que Whedon hace un trabajo perfecto en "Niños Atrapados" (Dead-End Kids).

En tan sólo 6 números, Joss Whedon inventa una historia tan divertida como interesante, llena de guiños y situaciones realmente originales, con las que te das cuenta de que Whedon conoce tan bien a los personajes como Vaughan, su creador.

Y es que la historia no podría ser más fresca: los Runaways llegan a Nueva York con la intención de quedarse durante un tiempo para respirar otros aires tras el daño padecido en Los Ángeles (daño que siguen sufriendo), y deciden ponerse en contacto con Kingpin (el mafia de los mafias de NY) para que su velada sea pacífica, sin superhéroes ni autoridades molestando (recordemos que, ante todo, son fugitivos -"Runaways"). Éste les propone algo a cambio de esa protección que reclaman: quiere que roben un objeto. Aunque no todos están contentos con ese trato, acaban dando su brazo a torcer y terminan metidos en un follón de los gordos al que deciden darle solución usando el extraño objeto que previamente habían robado. Entonces ocurre: aparecen en una Nueva York 100 años más joven. Como era de esperar, el objeto se rompe y hasta que no descubran el modo de repararlo, se quedarán atrapados ("Niños atrapados") en 1907. Pero en 1907 las cosas están tan feas (o quizás un poco más) como en el presente, por lo que los Runaways se ven inmiscuidos en una serie de conflictos que acabarán a lo grande para que finalmente los chicos (que no niños) vuelvan al 2007 y todas las piezas que Whedon ha ido soltando durante esto geniales 6 capítulos encajen. Pero ya no es lo mismo. 1907 ha cambiado tanto a los Runaways como ellos han cambiado 1907. Y ahora lo único que estos quieren hacer es continuar con sus vidas.

Victor- Vayámonos a casa.
Nico- Hacía tiempo que no escuchaba esa palabra...
Victor- Así no sabremos adónde vamos.

Cuál es nuestro lugar.

Me ha costado pillar el mensaje de la historia (siempre me cuesta), pero creo que esta vez lo he pillado bien. Si analizo individualmente a qué problemas se está enfrentando cada personaje en realidad, consigo sacar cómo todos están buscando de algún modo su sitio. Como Chase.

Tras la muerte de Gert, Chase es el que anda más perdido de todos. Por eso cuando va con la máquina del tiempo a ver a Gert, nos dejan con la duda de si Chase será capaz de evitar la muerte de su novia y así no afrontar su situación. Pero finalmente, Chase no es tan egoísta como nos habían hecho creer y decide respetar el curso de las cosas. Y sin que él se de cuenta, Chase ha conseguido con eso reencontrar su lugar.

Chase- Simplemente me escondí y la observé durante un rato.
Nico- ¿Fue muy duro?
Chase- Fue jodidamente hermoso.

Luego tenemos a Klara, la niña de 1907 casada con un viejo maltratador que afortunadamente se cruza en el camino de Molly y Karolina. Esta niña estaba tan asustada de su marido que decidió huir de la mano de los Runaways para intentar encontrar su lugar en el presente, y así de paso superar los prejuicios que 1907 había inculcado sobre ella.

Chase- ¿Sabéis lo que me gustaba del siglo pasado? No había niños. Nadie nos trataba como a críos. Por una vez éramos iguales al resto, no éramos inferiores. No iría mal que las cosas fueran así en el siglo XXI. La edad no hace a los adultos.
Klara- Eso es lo que mi esposo siempre decía.

También está Nico, aparentemente en normal estado, pero según su antepasado bruja, sin madera de luchadora, muy débil. Tiene que sentir dolor para ser una campeona, para que saque todo su poder. Por eso la somete a todo tipo de torturas mágicas para que finalmente en el último capítulo aparezca una Nico más poderosa, más bruja.

Bisabuela de Nico- No pienso dejar que mi línea de sangre quede diluida por la apatía y la idiotez de una generación que sólo engendra adolescencia eterna. No permitiré que mi bisnieta viva a merced de su humanidad. Puedo convertirte en alguien mejor.

Karolina queda prendada de 1907 al principio, cosa que a Xavin no le agrada demasiado, pero Karolina no tarda en darse cuenta de que esa época no es tan mágica como le parecía. Pero ese no es el principal problema que sufre esta pareja, y es que la duda del sexo original de Xavin todavía no está resuelta (recordemos que es un metamorfo), así que en una discusión, Xavin pierde la concentración y muestra su forma verdadera: la de una mujer. Aunque sinceramente yo todavía sigo con la duda...

Xavin- Molly me dijo que te incomodo. Creía que te sentirías más a gusto con alguien que te gusta.
Karolina- Xavin, tú me gustas. Sólo tienes que ser tú mismo.
Xavin- Pero si no tengo idea de quién soy.
Karolina- Sí. Bienvenido al club.
(Runaways vol. 2 nº 23)

Y finalmente, y por ello en esta ocasión más importante, tenemos a Victor y a Lillie, viviendo toda una historia de amor que acaba trágicamente rota, como a Whedon le gusta. Ambos tenían sus respectivas parejas antes de conocerse, y tras el flechazo los dejaron de lado. Eso demuestra todo el amor que sentían, pero aún así no era el suficiente, puesto que en el momento más decisivo, en el todo o nada, Lillie y Victor se acobardan, quedándose ella en 1907 y él volviendo al presente. Quedan destrozados, pero Lillie más que él puesto que se pasa los 100 años siguientes esperando la oportunidad para cambiar las cosas porque ella sabe que su lugar está donde el corazón quiera estar.

Lillie- Podría haber florecido en el presente. Habría sido maravilloso... Me habría ahorrado todos estos años deseando... esperando... observando cómo la ciudad cambiaba en todo lo que no era importante... y esperando a enviarle en mi encuentro. Para nada.
Tristán- Quizá fracasó. Quizá no te entregó el mensaje.
Lillie- Sí me lo entregó, Tristán. Siempre me lo entrega.

Y para concluir, quiero reconocer que le debo una a Whedon, porque si él no hubiera decidido formar parte de este comic, yo quizá jamás me habría interesado por él y me habría perdido uno los mejores comics que he leído, sin duda.

Artículo escrito por Mariano Pardo

Dollhouse 2x09 - Stop-Loss

2009-12-21T00:34:00.006+01:00

Buffy contra el ejército comunista

Unos cuantos estábamos deseando más tiempo en pantalla para Victor, y por fin llega en forma de capítulo centrado en su personaje, al estilo de las series corales de ciencia ficción que han influido a toda la ficción televisiva actual (Lost) y a Dollhouse en concreto (el constante referente de Battlestar Galactica). Precisamente, si éste hubiera sido un capítulo de la serie de SyFy, posiblemente habríamos tenido en 40 minutos un efectivo relato sobre el trastorno por estrés postraumático que sufren los soldados que vuelven de la guerra. Y por las escenas que hemos visto después de que Victor (o Anthony Ceccoli) firmara su "libertad", parecían ir por ahí los tiros.

Pero bueno, Dollhouse tiene los días contados (nunca mejor dicho) y no puede detenerse en temas que, por muy interesantes que sean, no vienen a cuento. Y, efectivamente, no se detiene, ni un momento. Tiene prisa, la serie, por llegar al final que se planteó con "Epitaph One", y eso se nota en dos sentidos: el ultra acelerado ritmo de los acontecimientos (que en ocasiones me recuerda a los famosos vídeos de películas en 1 minuto que hay por youtube), siempre en detrimento de un guión que no llegó a ser excelente ni en sus mejores momentos, y el salto a la acción, que no deja tiempo para el aburrimiento. En ese sentido, ya no nos podemos quejar.

En cuanto a la historia del capítulo, yo diría que es de las mejores ideas de la temporada, porque explota varios aspectos muy positivos que teníamos en la serie. Primero: el eficiente actor que es Enver Gjokaj, de los mejores de la serie. Segundo: Enver Gjokaj sin camiseta. Estoy seguro de que si este hombre hubiera mostrado más cacho antes, el futuro de la serie no habría sido tan nefasto. Esto puede ser una broma o no.

Pero sobre todo explota una de las mejores tramas de la serie: el amor entre Victor y Sierra. Una preciosa historia que se nos ha presentado con más o menos sutileza y que siempre subraya la idea que ya hemos comentado del amor por encima de todo, y aún más, los sentimientos más allá de lo racional.

Sin embargo, no se puede disfrutar del todo este clímax de la historia de amor, por culpa del imparable ritmo, y también por la entrada en escena de las cada vez menos brillantes Eliza Dushku y Dichen Lachman.

La protagonista se está convirtiendo en una suerte de fusión entre Buffy y Faith con lo más cutre de la una y lo más chulesco de la otra, y le está quedando una interpretación de lo más baja. La escena en la que se enfrenta a DeWitt no posee ninguna fuerza, y donde debería haber un duelo de titanes, sólo hay una niña enrabietada chillando a la gran jefaza que es Olivia Williams.

En cuanto a la que interpreta a Sierra, simplemente resulta cómica en casi todos los momentos. Una verdadera pena.

DeWitt, como decía, es la gran jefa. En los últimos capítulos, no me ha convencido su decantación por el "lado oscuro", y he visto bastante forzada su evolución, incluso hasta en este "Stop-Loss", en la que de repente se ha convertido en una borracha decadente. No digo que sea gratuito, tan solo forzado, y lo achaco a la evidente aceleración de los acontecimientos.

Pero sigue siendo muy grande (lo más grande de la serie, al menos), y verla en su peor estado ha sido todo un regalo. Williams consigue lo que sólo los verdaderamente buenos pueden hacer: resultar cómica y a la vez imponente, ser patética sin perder su reinado. En algún momento hasta se le cae la baba, pero no deja de ser británica. Ella es la que nos da las mejores escenas del capítulo.

Tampoco ha sido lo único bueno: he de admitir que incluso Topher ha llegado a tener sus momentos, y ha estado hasta mono. Pero lo más sorprendente del capítulo ha sido el ejército de Rossum. Una nueva página para la mitología de la serie, que nos acerca un poco más al mundo del cómic y los superhéroes. Ese ejército mejorado, imbatible que, aunque en la práctica decepciona mucho, como idea resulta refrescante. También es verdad que ha servido para dar numerosas escenas de combate cuerpo a cuerpo simplemente patéticas, y por suerte en muchos casos graciosas. Por cierto, ¿adónde van a parar todas las balas que disparan a Victor y Sierra justo antes de que aparezca Super Echo? Esa escena es mejor no revisarla mucho, por el bien de la serie, y de la dignidad del espectador.

También es refrescante, y esperanzador, el final del capítulo. Un buen cliffhanger que deja el terreno preparado para lo que quizá sea un gran capítulo. Por el momento, "Stop-Loss" se une a la lista de episodios agradecidos porque buscan entretener, y no llenar el guión de filosofía de baratillo y aburridas historias de relleno. Quizá deberían haber empezado antes...

Artículo escrito por Javi Pocoyó

Dollhouse 2x08 - A Love Supreme

2009-12-19T14:33:00.013+01:00

No es amor, es una obsesión

Alpha está en la casa. El súper activo ha regresado más psicópata y desquiciado que nunca, y además, hecho todo un showman. Si en “Omega”, el personaje era un asesino en serie dando pases privados en un sótano, en “A Love Supreme” lleva su espectáculo a un público más masivo (y se viste para la ocasión). Alpha responde a todos los tópicos del asesino en serie como "estrella", un psicópata catódico (o más bien, digital), con la diferencia de que él es, en concreto, seis en uno. Como Echo, Alpha es una persona. Hace tiempo que recogió todas esas fotos del cajón (“Belonging” 2.04), como Echo hace unos meses. Todas las personalidades en su cabeza han dado lugar a una persona nueva, a una mente separada de todas las personas que fue, pero dependiente de ellas. Y como Echo, es consciente de ello. La diferencia es que Alpha no controla sus personalidades de la misma manera que Echo.

Ambos son las dos caras de una misma moneda, dos sujetos con poderes especiales que han decidido usarlos para cometidos distintos. Es el clásico relato de héroes y villanos de cómic, uno de los grandes temas de la obra de Whedon, las distintas maneras de manejar el poder, y la responsabilidad que este conlleva. Y como “nada es lo que parece” en el whedonverso (esta afirmación cae por su propio peso, pues ya conocemos todos las estrategias narrativas del autor, y precisamente, todo es lo que parece en el whedonverso), la motivación de Alpha para sembrar el terror no es la clásica ambición por dominar el mundo (para eso, ya están los de Rossum), sino el amor. El amor mueve a Alpha de la misma manera que comienza a mover a la nueva Echo, enamorada hasta los huesos de su caballero de armadura brillante, Paul Ballard. En “A Love Supreme” todo se reduce a la idea del amor como combustible de la vida, como arma esencial para seguir luchando, y en el caso de los activos, el amor es mucho más poderoso, es un amor supremo (volvemos a la idea del súper hombre de Nietzsche, que ya nos presentó Alpha la temporada pasada). El amor de Echo y Paul. El amor de Alpha por Echo. El de Topher por la ciencia. Incluso el de Boyd por Echo (a pesar de que esa relación se dejó muy atrás). La única que no se muestra transparente al respecto es DeWitt. ¿A quién ama DeWitt?

Con el regreso de Alpha a Dollhouse, la serie entra temporalmente en terreno Buffy, cazavampiros. Dollhouse se ha desmarcado de la primera serie de Whedon desde el primer episodio, a pesar de conservar marcas de autor, y sobre todo, temas en común. La última serie de Whedon es mucho más ambiciosa que las anteriores, y además, se toma mucho más en serio. Esto ha perjudicado el devenir de la serie, aunque por suerte, está siendo corregido en esta recta final. He llegado a pensar que la cancelación de Dollhouse ha sido toda una bendición para la serie. Desde el principio, y a pesar sus numerosas virtudes, ha habido una sensación de prolongación de las tramas (y eso que Dollhouse es prácticamente recién nacida), y de lentitud para llegar al grueso temático de la serie. Por suerte, este problema se ve solventado en estos últimos episodios. La trama avanza a marchas forzadas, condensando perfectamente todas las ideas a desarrollar para llegar a “Epitaph One”. No hay tiempo para episodios de relleno, y es ahora cuando nos damos cuenta de lo mucho que ha perjudicado a Dollhouse ese andarse por las ramas (a pesar de que no habríamos llegado adonde estamos sin todos esos episodios “de relleno”, como apuntaba Alicia Ortega en su review de “Meet Jane Doe”).

En fin, a lo que iba. “A Love Supreme” es un episodio lleno de acción y ligeramente descargado de parafernalia existencialista. Las ideas de Dollhouse están totalmente claras, y no era necesario seguir dándoles vueltas. “A Love Supreme” entretiene sin abusar de esas ideas a veces sobre expuestas, y saca provecho de las metáforas y las referencias, pero no se ahoga en ellas. En definitiva, es más show que tell (permitidme que use estos términos a la ligera), y eso se agradece.

Alpha es el Big Bad a la vieja usanza, un villano espectacular (y auto consciente) que en este caso es solo una ilusión. El verdadero Big Bad de Dollhouse está muy difuso. Sí, está Rossum Corporation, pero también está DeWitt, la dollhouse, y sobre todo, el ser humano. Por eso, un “sencillo” Big Bad al estilo Buffy viene a refrescar la trama principal de Dollhouse, y nos da un respiro de esa afectación que salpica toda la serie desde el principio, y que no siempre se maneja con destreza.

Las escenas de los activos en acción recuerdan a las multitudinarias batallas de Buffy cerca de los Apocalipsis. La espectacular pelea final entre Echo y Alpha hace lo mismo con las peleas cuerpo a cuerpo presentes en todos los episodios de Buffy y Angel. Y sin duda, una de las características más reseñables de Buffy, Angel y Firefly, la idea de que “la unión hace la fuerza”, está muy presente en “A Love Supreme”. La inevitable alianza entre Echo y el personal de la dollhouse para acabar con Alpha (y proteger a Joel Mynor, personaje que deseaba que volviera a Dollhouse) es uno de los mejores momentos del episodio. “Do you wanna talk or do you want me to save your life?” le dice una Echo muy Buffy a DeWitt (más caricaturesca que antes, como Alpha).

La identidad de Dollhouse ha quedado perfectamente perfilada en los dos últimos episodios. La mitología de la serie está muy definida (imposible no estarlo, gracias a la sobre exposición de la que hablaba) y los guiones hacen un excelente uso de ella, especialmente el de “Meet Jane Doe”, escrito por Maurissa Trancharoen y Jed Whedon, que ya firmaron el que probablemente es el mejor episodio de la serie hasta la fecha, “Belonging”. “A Love Supreme” quizás cae en un par de deus ex machina un tanto forzados, sobre todo en lo que respecta a la tecnología, los aparatos “mágicos” que nos llevarán al Apocalipsis (no son deus ex machina exactamente, porque se ha hecho referencia a ellos con anterioridad, pero sin duda lo parecen) o a lo fácil que entrar y salir de lugares herméticos y con alta seguridad. Sin embargo, Buffy lo hacía constantemente, y se lo perdonábamos siempre. Claro que Dollhouse no es Buffy. Aunque quedan cinco episodios, y sigo albergando la esperanza de que la serie se marche por todo lo alto. El culto lo tiene desde el principio, ahora necesita merecérselo. “Meet Jane Doe” y “A Love Supreme” le allanan el camino.

Artículo escrito por Pedro J. García

Dollhouse 2x07 - Meet Jane Doe

2009-12-15T13:44:00.003+01:00

It's good to have you back

"Meet Jane Doe" es el mayor salto que ha dado Dollhouse hasta el momento. Después de verlo tengo la sensación de que hasta ahora, en temporada y media que lleva la serie, es como si no hubiera ocurrido nada: conocemos la Dollhouse LA, los activos se imprimen, cumplen sus misiones, y se borran. Alguno no se borra del todo y empieza a sacar los pies del tiesto, pero poco más.

Echo ha escapado de sus persecutores y pulula en estado doll tratando de sobrevivir, y de comprender el mundo que nadie le ha explicado, y que acepta injusticias como que una persona pase días sin poder comer. Un robo, ataque a agentes de la policía, y una inocente detenida y encarcelada. Fin de la historia. Y tres meses después…

¿Cuánto puede cambiar en tres meses? DeWitt puede perder su puesto de directora y ser relegada a una simple secretaria que tiene que ver cómo otros deciden el futuro de su casa sin poder hacer nada. Echo puede aprender a controlar todas las personalidades que Alpha le implantó (aunque no tengo claro si ese gesto de Alpha era necesario, ya que ella había dado muestras de resistencia a los borrados mucho antes del regreso del muñeco pródigo) y puede aliarse con Ballard, su ex handler y ahora más watcher que nunca, para hundir la Dollhouse desde dentro.

Echo se ha ido dando cuenta poco a poco de quién es en realidad, eso lo hemos visto capítulo a capítulo, pero creo que es ahora cuando realmente empieza a SER Echo, y a comportarse como tal. Nada de Caroline, quien ha visto que no quiere volver a ser, nada de Omega, porque ella es una persona en sí, es Echo, que en ocasiones puede usar habilidades de un implante o de otro, pero la que decide cuál usar o la que actúa cuando no necesita usar ninguna, es Echo. ¿Y quién es Echo? Echo no era nadie, una Jane Doe (no es casualidad que en su vida de enfermera se haga llamar Jane: la Jane Doe del título no es solo la “fulana o mengana” por la que intentan hacer pasar a Galena, sino esa enfermera salida de sabe Dios dónde y que acaba sabe Dios cómo haciendo el turno de la cárcel), pero ha conseguido llenar esa vida y ese cerebro vacíos convirtiéndose en una persona real.

Pero creo que en este episodio quien se merece un apartado para analizar su forma de actuar es Adelle DeWitt. Quizá no tenga muy desarrollado el sentido moral, pero siempre entendí su trabajo, sus motivos y, aunque el hecho de regentar un prostíbulo (por simplificar la actividad a la que se dedica la casa) le convierte automáticamente en uno de esos malos/no-tan-malos que tiene la serie, creo que siempre tuvo buenas intenciones: “I did believe that the power we have could be used to help people”, dice a Harding, y ese ha sido el fin que ha perseguido Adelle desde el principio. Sin embargo, en "Meet Jane Doe "cambian las tornas y hay otro objetivo primordial para Adelle DeWitt, un objetivo al que había renunciado sin ni siquiera intentarlo hasta que Langton le abrió los ojos: volver a hacerse con el poder de su Dollhouse. La nueva dirección está cambiando demasiado drásticamente la casa: se habla de los activos como simple mercancía (como DeWitt siempre se ha negado a considerarlos), llegando a dar la orden de separar a Victor y Sierra, pareja ya casi aceptada por todos los empleados de la casa; pretendiendo finalmente vaciar esta delegación que tantos problemas da… pero la gota que colma el vaso de la resignación de DeWitt es el conocer las intenciones de la Rossum Corporation de crear un dispositivo que borre a cualquier persona en cualquier lugar, convirtiéndole así en activo involuntario. DeWitt obtiene a la vez la razón por la que debe recuperar su puesto, y la forma de conseguirlo: traicionar a quien ha confiado solo en ella con un terrorífico secreto no es tan importante como el objetivo final de Adelle, y si para ello además tiene que aparentar estar del lado de la Rossum, imponer normas dictatoriales en la casa y, en fin, convertirse en “the coldest bitch on this planet”, como el traicionado Topher le llama, lo hará sin dudar. ¿Un tratamiento para Echo, cuyos dolores de cabeza por estar convirtiéndose en una Diosa –perdón por la referencia innecesaria- le están destrozando? No, veamos cuánto aguanta. Y veremos nosotros lo que Adelle pretende con esto.

Decía al principio que “poco más” ha pasado en lo que llevábamos de Dollhouse. No, por supuesto que no es poco: es mucho, mucho más. DeWitt no ha perdido la casa de un plumazo (tan rápidamente como la ha recuperado), sino que su forma de regentarla estaba pidiendo a gritos un cambio de gobierno por parte de la Rossum. Echo no ha aceptado quién es de un momento a otro mientras rebuscaba las basuras en busca de comida, hemos seguido su proceso paso a paso. Y a Topher no le va a volver repentinamente loco la traición de DeWitt y el consecuente descenso en su puesto de trabajo, donde no se le permitirá pensar sino simplemente manejar botones mecánicamente: hemos podido ver, desde el regreso de Apha al final de la primera temporada, cómo el ingeniero va perdiendo la poca estabilidad que tenía día a día. Pero un paso tan grande como el que se ha dado en este episodio deja a los demás casi insignificantes, y presenta las bases de una recta final llena de emoción, quizá más a contrarreloj de lo deseable, pero si hay alguien bien curtido en cerrar temporadas a contrarreloj, ese es (por desgracia) Mr. Joss Whedon, y no hay razón para dudar que la experiencia no le haya enseñado a cerrar esta de la mejor forma posible.

Resumiendo: en este episodio no me ha sobrado ni siquiera Paul Ballard. Y eso lo dice todo.

Artículo escrito por Alicia Ortega

Dollhouse 2x06 – The Left Hand

2009-12-13T17:37:00.013+01:00

Better Version of Me

El pase doble de “The Public Eye” y “The Left Hand” es el comienzo de la estrategia de FOX para acelerar el triste e inevitable proceso de desaparición de Dollhouse de su programación, de cara a la nueva parrilla de la cadena. Por suerte, la narración de Dollhouse es cada vez menos episódica, y en concreto, estos dos capítulos abarcan una sola trama que comienza en “The Public Eye” y concluye al final de “The Left Hand”, y que sirve de desencadenante de lo que probablemente sea el resto de la serie (o sea, que venía de perlas ponerlos los dos juntos). Si bien el primero de los dos me pareció un episodio altamente irregular (buenas ideas y avance de la trama, pero las peores interpretaciones de lo que llevamos de serie y un guión y ejecución increíblemente torpe), “The Left Hand” continúa exactamente donde el episodio anterior lo dejó, pero por suerte, con otra guionista tomando el relevo (Tracy Bellomo). Este episodio está mucho mejor estructurado que el anterior. El comienzo es interesante, la tensión está muy bien manejada a lo largo de todo el capítulo, y el desenlace contiene las dosis perfectas de acción y revelaciones. Sin embargo, el nivel ha descendido bastante desde el comienzo de la temporada.

Lo que llevamos de segunda temporada de Dollhouse está siendo una larga etapa de transición, que estallará inevitablemente en los próximos episodios, los primeros escritos después del anuncio de la cancelación. Se trata de desplazar la atención de la dollhouse de L.A. a un plano mucho más superior. De lo íntimo a lo público, de lo micro a lo macro, donde el poder funciona de otra manera, y luchar es mucho más complicado. Es un cambio necesario para llevar a Dollhouse a buen puerto, pero lo cierto es que los personajes de esta serie, al igual que los de las demás creaciones de Whedon, funcionan mucho mejor a una escala menor. La trama política suele resultar en escenas poco creíbles y diálogos algo almidonados.

Por suerte, seguimos en una serie Whedon, y el sacrifico de los personajes y la tramas más íntimas a favor de las grandes tramas nunca será total. De acuerdo, seguimos sin ver a Victor y Sierra, pero Echo ha vuelto en este episodio. Su consciencia de sí misma ha alcanzado un punto álgido. Ya se ha aceptado como Echo, y no está dispuesta a dejarla machar. Por mucho que Bennett le recuerde quién es, o quién fue (Caroline), Echo quiere seguir siendo Echo. Después de la atroz interpretación como Bree en el episodio anterior, Eliza Dushku me reconquista con la faceta más convincente de su multipersonaje.

Por otra parte, el humor vuelve (después de desaparecer por completo en “The Public Eye”) como de costumbre, de la mano de Topher Brink. Y en este episodio por partida doble, gracias a la increíble versatilidad de Enver Gjokaj. Topher descarga su personalidad en Victor para llevar a cabo una misión desde la dollhouse de Washington, sin tener que delegar en nadie desde Los Ángeles. Pero, ¿tanto Topher Brink puede ser demasiado Topher Brink? Efectivamente. Hasta el hilarante encuentro de ambos Tophers al final del episodio, las escenas de Enver, a pesar de su buen hacer, se hacen repetitivas y ligeramente irritantes (la parodia funciona solamente en la primera escena, a pesar de que Gjokaj está impresionante de principio a fin). Sin embargo, el Topher Topher nos da las mejores escenas del episodio, gracias a su interacción con Bennett. Desde que el científico reconoce su fascinación por ella en el episodio anterior, las expectativas por un evidente encuentro van creciendo. Y por suerte, se cumplen (el flirteo inicial de ambos es uno de los mejores momentos del episodio).

Summer Glau (otro miembro del cast principal de Firefly que hace de villano en otra serie Whedon, como ya lo hiciera Alan Tudyk en la propia Dollhouse) sigue recibiendo papeles a su medida. Su interpretación de Bennett Halverson es exquisita. Del trastorno obsesivo compulsivo que mostraba en “The Public Eye” a la inocencia y vulnerabilidad empollona de “The Left Hand”, Glau da un auténtico recital de expresividad contenida.

Y gracias a Bennett y a la dollhouse de Washington, tenemos superpoblación de villanos en Dollhouse, por lo que un rápido exterminio se antoja necesario. El jefe de la casa de D.C. no tiene rival ante nuestra DeWitt (inevitable momento girl power, Adelle manejando el “asunto” con sus propias manos) . Y la insoportable Cindy Perrin desaparece (esperemos) de la ecuación (Ding dong, the witch is dead!) Bastante tenemos ya con nuestros queridos malos, que en este episodio son los buenos. Más o menos.

Lo más interesante de Dollhouse sigue siendo su firme y certero empeño en hacernos reflexionar sobre la identidad del ser humano. En este caso, extrapolando la idea al campo de la política y la imagen pública. En Dollhouse se cuestiona la identidad de algún presidente de los Estados Unidos (no se dan nombres), y se amplían las consideraciones morales a través del senador Daniel Perrin y una nueva modalidad de “imprint”: mejorar una personalidad de un sujeto, en lugar de borrar y sustituir, para así conseguir una versión actualizada y mejorada de uno mismo. Justamente lo que busca Echo. Sin duda, la doll va camino de tomarle la delantera a su creador, que teme (y a la vez le fascina) que las “máquinas” tomen el control de sus vidas, y el control en general. Como diría Ian Malcolm, “la vida se abre camino”.

Esperemos que Whedon sea capaz de combinar la gran escala a la que inevitablemente nos conduce la serie (no podemos olvidar “Epitaph One”), con el fascinante retrato introspectivo de Echo y los demás personajes. Si lo consigue, Dollhouse podrá marcharse como un triunfo. Veamos si los siguientes episodios suben el nivel. Si no, empezaremos a preocuparnos.

Artículo escrito por Pedro J. García

Dollhouse 2x05 - The Public Eye

2009-12-08T12:48:00.015+01:00

Dollhouse ha regresado. Y lo hace con dos episodios semanales hasta su final definitivo el próximo 22 de enero. Y si la FOX se empeña en darnos el doble, nosotros también (ellos por despachar la serie rápido, nosotros porque tenemos muchas cosas que decir). He aquí dos reviews del episodio 2x05, "The Public Eye", escritas por Ricardo Carabaña, que ya analizó varios episodios de la temporada pasada y regresa a Whedonverso en plena forma, y Juanma Devilniced, un whedonite de los grandes (como testimonia su gran amor por Buffy), que se estrena en este blog (ya era hora) con esta review. Sin más, os dejo con ellos.

Pedro J. García

Dollhouse meets the ~~bad~~ worse guys

Echo: There are... gaps. Things that aren’t filled in. I can see other people, other lives, through them. It’s like i can see the seams. How it’s all constructed. I’m not real. I’m not who I think I am. I am a doll.

Es una pena que la Fox decidiese interrumpir durante un mes la emisión de Dollhouse justo antes de este episodio. Tras un inicio de temporada más que notable, aunque algo lento si lo que esperas de Dollhouse es su faceta de acción más pura, como parece buscaban los ejecutivos de la cadena (qué pena tener que usar ya el pretérito), en "The Public Eye" el ritmo de los acontecimientos se dispara, y lo hace, aún por encima, con un capítulo de calidad sobresaliente. Aunque también dudo mucho que de haberse emitido cuando inicialmente estaba previsto hubiese modificado en exceso (o en algo) la audiencia de la serie.

Si tuviese que resumir el episodio en una línea diría que "The Public Eye" es “Dollhouse conoce a los malos”, y estos no son otros que la Rossum Corporation (la institución madre de la que proviene la Dollhouse) y la Dollhouse de Washington, que a través del Senador Perrin pretenden usar la Dollhouse de L.A. como cabeza de turco en un plan con miras mucho más amplias, cosa que DeWitt no está dispuesta a dejar que suceda, al menos sin luchar. Y es en este contexto donde asistimos a un montón de diálogos y situaciones interesantísimas.

Ya sabemos a quien se enfrenta la Dollhouse, y esta vez, al contrario que en Buffy o Angel, no se trata de un asunto de malos y buenos, sino de malos y peores. Los primeros serían DeWitt y la Dollhouse de L.A., los segundos Rossum y la Dollhouse de D.C., encarnados en los personajes de Harding, Cindy Perrin y Benneth (Summer Glau, una vieja conocida del Whedonverso que hará las delicias de más de uno).

Echo: I think her bad guys are badder than my bad guys.

En cuanto a los personajes, vemos a una DeWitt puesta en tela de juicio por el amor (o el cariño) que ha desarrollado por sus muñecos, amenazada por sus superiores. Ella se mostrará firme, dispuesta a contraatacar y, lo que es más importante, convencida de que su forma de regentar la casa es la correcta.

Echo da señales de ser cada vez más consciente de la situación en su estado de doll (“November is sad” dice al inicio del episodio), y a partir del momento en el que el “disruptor” es usado en ella, empezamos a notar en Bree (la prostituta de lujo en la que ha sido programada) trazos de Caroline e, incluso, de Omega. Vemos así el carácter salvador y guerrero de Caroline, su fuerza y su capacidad de comando; al final del capítulo (a partir de la pelea con Cindy), apreciamos esa sensación de súperconsciencia y súperpoder que vimos en Omega (imposible no fijarse en las reminiscencias en la voz, los gestos y la ropa) durante la finale de la primera temporada:

Echo: You just woke up a lot of people, and they all think you’re a bitch.

En "The Public Eye" tenemos la oportunidad de conocer por fin a Daniel Perrin (Alexis Wyndam-Pry... perdón, Denisof). Presentado con aires de Big Bad desde el inicio de la temporada, Daniel Perrin pasa de verdugo a víctima tras una simple hemorragia nasal. Si bien el descubrimiento de que es otra doll no es gran cosa (hemos visto a tantos personajes ser finalmente dolls que ya no nos sorprende), a partir de ahí asistimos a la construcción de un gran personaje. El concepto de una versión doll de sí mismo es más que interesante, y Daniel se muestra como un niño perdido, programado para derribar a Rossum, que se encuentra que ha sido manipulado por aquellos que creía combatir.

Daniel Perrin: I know who I am. I know who I am. Please, tell me I know who I am.

Llegados a este punto podemos observar también el más que interesante paralelismo, y conexión, que se establece entre Echo y Daniel (otrora Slayer y Watcher) mientras van juntos en el coche. Ambos se encuentran desorientados, pero ambos saben también que tienen una causa por la que deben luchar, aunque no tengan del todo claro cuál es.

En cuanto al resto, cabe destacar a Ballard cada vez más independiente y escéptico sobre la casa y sus métodos, preocupado únicamente por salvar a Madeline (genial que sigan sacando a November), mostrando todavía sentimientos hacia ella.

Ballard: (about Madeline, to Adelle and Topher) But you released her. Why would she still have your “architecture” in her head? (silence). No one ever really leaves here, do they?

En cuanto a los nuevos, Cindy Perrin se muestra como la típica villana made in Whedon, mero vehículo para hacer avanzar el capítulo. Bennett, sin embargo, llama a un análisis más detallado. Nueva contrapartida de Topher (de igual forma que el Dr. Saunders lo fue durante la primera temporada), Bennett es fría y desgradable. Su complejo de Dios se ha desarrollado de forma totalmente diferente al de Topher. No parece amar ni divertirse con sus juguetes, tratándolos con desprecio pero con un cuidado excesivo a la vez. Por lo que vemos al final, tiene un pasado común con Caroline, y no parece que este sea precisamente “Hugs and puppies”.

Perrin: (to Bennett) Who are you?
Cindy: She’s god, honey. And you’ve heartily offended her.

Como único punto negativo (que ya he alabado mucho), y como sucede tantas veces en las series Whedon, especialmente en episodios como este, repletos de información, diría que la trama de acción parece avanzar a saltos, y donde se supone que sólo han pasado unos segundos, los personajes han adquirido un conocimiento de la situación fuera de lo normal. Esto no deja de ser un pequeño detalle técnico, pues todos sabemos que la acción es el medio que Whedon utiliza para contarnos su historia, y 42 minutos dan para lo que dan.

Definitivamente, Dollhouse es una serie compleja. Si no lo crees, sólo hace falta fijarse en el número de nombres distintos que he usado para nombrar un “mismo” personaje: Echo, Bree, Omega, Caroline... ¡Ah! El capítulo en sí me ha encantado. De los mejores (hasta ahora).

Artículo escrito por Ricardo Carabaña

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Comienza el juego

La casa de muñecas se extiende mucho más allá de las puertas de nuestra DOLLHOUSE. Esto parece el cluedo: hay un traidor, una ofensa, una doll desconocida, una guerra por estallar entre casas de la misma empresa y, lo más importante, el paso definitivo de lo que significará la batalla con ECHO al frente.

El juego que nos da Whedon en este episodio no ha funcionado para mí Es decir, yo ya sabía el AS que se traía en la manga desde que empezó este episodio. Sabía la sorpresa y no por leer un spoiler, sino porque ya son años viendo series del señor Dios. Uno sabe cuándo pone trampas al espectador.

Siguiendo la tradición, un miembro del Cast de FIREFLY, esa joya, se nos presenta como "the bad guy"; Ya lo hicieron en BUFFY & ANGEL anteriormente y en la propia DOLLHOUSE con ALPHA.

Pero hay mucho que contar de este episodio. Entretiene, avanza en la trama a pasos agigantados...

Hay puntos muy negativos, como es el hecho de ver una y otra vez a Echo recordar su pasado y "activarse"; Si la gente se queja constantemente del abuso de los flashes del futuro en FLASHFORWARD, ¿por qué no causan el mismo efecto los continuos despertares de la doll más protagonista de todas? A mí me cansa un poquito.

En este juego de ajedrez donde las reinas parecen esconderse de todos (Topher y su nueva rival, más fuerte), recuperamos a NOVEMBER presentándola como un peón más, siendo manipulada otra vez.

Hay algo que no entiendo bien. Si los doll nunca dejan de serlo en cierto sentido al cumplir contrato, si aún llevan tecnología dentro de ellos para ser reclutados en cualquier momento, quieran o no, ¿por qué el equipo que quiere destruir la DOLLHOUSE de Adelle usa a la ex-MILLIE como ella misma y no como doll? ¿Por qué siquiera molestarse en ella y no hacer un propio muñeco para disparar a matar?

Sin duda alguna, algo se me escapa y Whedon está detrás para hacernos saber de ello.

Ya hemos dicho que hay dos DOLLHOUSE enfrentadas a guerra abierta; Quizás sea toda la ROSSUM en contra de ADELLE y sus chicos.

Si se testifica en su contra , ¿he escuchado que liberan a todo doll de esa casa? Por supuesto, lo habré captado mal o serán dolls usados como si fueran liberados para hacer parecer al equipo de Adelle como el perverso y esconder la carta libre política que desean para extender sus planes.

Nuestra Mellie puede que sea un peón movido por otros sin saberlo, pero quiere cometer ese error, quiere seguir los pasos que cree firmemente... tal vez no por lograr algo sino por el hecho de seguir su instinto, de ser humana, de creer serlo; Y el eterno Ballard enamorado de su vecina, el caballero de brillante armadura que quiera salvar a todas pero que siempre parece encontrarse entre dos decisiones incorrectas que elegir, vuelve a ser él mismo. No hay nada como un tratamiento para un doll y ver al ex- FBI hacer lo que sólo sabe hacer: nada.

Cómo ya dije antes, CAROLINE/ECHO vuelve a nosotros y trata de lidiar con la sorpresa de ver a otro doll que acaba de despertar (este era el giro de tuerca de Whedon, por si no lo captasteis. Bastante obvio y de paso, GIRL POWER again!). Se nos hace fuerte y adulta la niñita.

Confía en Adelle, por extraño que parezca, y recibe lo mismo de la dueña de las muñecas; Desde el inicio hemos visto un vínculo extraño entre ambas y parece que se nos antoja un triángulo perfecto ahora: incorporamos otro nombre a la ecuación, uno que parece conocer a CAROLINE muy bien, tenerle cierto rencor por el abandono y ser increíblemente poderosa e inteligente... SUMMER GLAU entra en el juego de manera asombrosa.

Hacer de loca es lo suyo; Si le añades geek, inteligencia superior, incluso a Thoper y un toque de niña buena con pasado a descubrir... la bomba perfecta para el BAD GUY del día y, muy probablemente, de lo que queda de serie.

Artículo escrito por Juanma Devilniced

Retratos Whedon: Cordelia Chase (I)

2009-12-05T03:01:00.022+01:00

No puedes comprar a Cordelia

Darn, I have cheerleader practice tonight. Boy, I wish I knew you were gonna be digging up dead people sooner. I would’ve cancelled. (Cordelia Chase, “Some Assembly Required”)

Solemos pensar que no hay demasiadas cosas dejadas al azar en el buffyverso y que de infinidad de elementos en cada episodio de Buffy cazavampiros subyace uno o varios significados secundarios susceptibles de análisis. Por tanto, es inevitable conjeturar que el nombre de pila de Cordelia Chase no fue una elección aleatoria. Hacerla tocaya del personaje de El rey Lear de William Shakespeare parece una decisión premeditada si atendemos al modus operandi de Joss Whedon y observamos algunas características en común entre ambas.

Los autores Gregory J. Thompson y Sally Emmons-Featherston, en su artículo “What Shall Cordelia Say?” sitúan a la Cordelia de Buffy como una de las claves para entender la serie como una morality play en la línea (salvando las distancias formales) de la obra de Shakespeare. Cordelia se revela a través de su nombre como alegoría, y haciendo esto, nos descubre al resto de personajes y sus andanzas como representaciones simbólicas de varios aspectos de la vida, y concretamente de lo que supone madurar y tener que encontrar un propósito y un lugar en el mundo. Sin embargo, Cordelia no es un vehículo de representación existencial en la línea de otros personajes analizados en Whedonverso, como Anya, Dawn y Lorne. Ella es un personaje con una identidad (humana) claramente establecida desde su primera aparición (aunque acabe siendo despojada de ella, y forzada a buscar un camino alternativo para recuperarla).

Más allá de este paralelismo con la Cordelia de Shakespeare, Cordelia Chase no comparte, a simple vista, otras características con la hija menor del rey Lear, que suele describirse como una mujer de corazón, valiente y compasiva. Si bien esos calificativos no pueden aplicarse a la ligera a un personaje como Cordelia Chase en la primera temporada de Buffy, comenzamos a atisbar alguno de ellos a medida que la trama de la segunda temporada va tomando forma, y Cordelia se va acercando al grupo de la cazavampiros. Pero no es hasta su marcha a Los Ángeles (y al spin-off de Buffy, Angel), cuando empezamos a reconocer en ella claramente esos cambios culminantes en la Cordelia que despedimos en “You’re Welcome”, su episodio final en Angel.

El largo recorrido vital de Cordelia consta de tantas etapas, todas ellas igual de interesantes, que me veo obligado a dividir este artículo en dos, y tratar en primer lugar a la Cordelia de Sunnydale, dejando para más adelante a la de Los Ángeles.

Cordelia no solo se presenta como la reina del instituto desde el primer momento en el que aparece en “Welcome to the Hellmouth”, sino que inmediatamente deja claro su estatus como reina de los one-liners (breves intervenciones cómicas de una línea) y robaescenas por excelencia. La Cordelia Chase de Sunnydale es más norteamericana que una taquilla de instituto. Exceptuando el curioso hecho de que en este caso, la chica más popular del instituto sea morena y la renegada social sea rubia, Cordelia responde a todos los estereotipos adolescentes norteamericanos vistos en cine y televisión en las últimas dos décadas. La Queen C es superficial, está completamente obsesionada con su imagen y con su lugar en la pirámide social del instituto y solo tiene dos cosas en la cabeza, su pelo y su preocupación por él. Además de esto, el personaje no deja de ser (originalmente) un alivio cómico más, un personaje secundario cuya función es aparecer en dos o tres escenas en cada episodio y dejar caer alguna bomba en forma de los mencionados one-liners, para más tarde desaparecer de la trama. Al menos esto fue así hasta “Out of Mind, Out of Sight”, episodio de la primera temporada en el que Cordelia adquiría protagonismo, y que resultó ser uno de los mejores de la primera tanda de episodios. En él, Cordy pasaba a primer plano para dejar entrever que había mucho más bajo la superficie, y que el personaje merecía más presencia en la serie. El episodio contaba la historia de una estudiante del instituto de Sunnydale que se hacía invisible tras ser completamente ignorada por sus compañeros durante un largo periodo de tiempo. Su evidente no-relación con Cordelia y los eventos que esto conllevaba sirvieron en este episodio de crítica a la sociedad actual, y a su tendencia cada vez más radical al culto del yo. Y de eso sabía mucho Cordelia.

“People who think their problems are so huge craze me. Like this time I sort of ran over this girl on her bike. It was the most traumatizing event of my life, and she’s trying to make it about her leg! Like my pain meant nothing! (Cordelia Chase, “Out of Mind, Out of Sight”)

Como todos los personajes femeninos de Whedon, Cordelia, a pesar de las reticencias iniciales, es otro exponente del girl power dentro de su obra. Sin embargo, Cordelia se diferencia de casi todas las demás en sus armas de defensa. La fuerza del personaje reside en su orgullo y en la alta concepción que tiene de sí misma, y de esta manera, su mayor defensa es la gruesa capa de autoestima que la protege. Es por esto que Cordelia es la reina del instituto, campo de batalla en el que no tiene rival. Al menos hasta que llega Buffy Summers. La irrupción de la cazavampiros en el apacible reino de Cordelia en el Sunnydale High pone en peligro su estatus, pero no por las razones obvias, es decir, por el peligro a ser sustituida por otra adolescente más popular, sino porque Buffy, y más tarde Xander, le harán descubrir un mundo en el que quizás no sea tan bueno ser la reina. Se podría decir que Buffy le roba el trono, aunque no para ocuparlo.

Uno de los aspectos centrales a la construcción y evolución del personaje de Cordelia es su relación con Xander. Ella accede a él a través de la novata, Buffy (a la que se acerca por su forma de vestir), a pesar de llevar varios años con él compartiendo aulas, tiempo en el que ha ejercido de bully (uno muy sofisticado y viperino) con Xander y Willow. A medida que avanza el curso, Cordelia va teniendo cada vez más encontronazos con la cazavampiros y los que ya son su séquito de incondicionales. Desde el principio, parece tener especial fijación por Xander, al que ataca sin miramientos, a pesar de la clara ventaja intelectual de él (o a causa de ello). Su desconcertante interés por Xander los lleva (a pesar de que ambos se resisten) a un divertido romance que comienza en la segunda temporada, y que nos brinda una de las parejas más cómicas del buffyverso. Al final, los dos alivios cómicos de la serie acaban convirtiéndose en los protagonistas de muchos de los momentos más hilarantes de las primeras temporadas de Buffy.

“You're a sheep. All you ever do is what everyone else does just so you can say you did it first. And here I am, scrambling for your approval, when I'm way cooler than you are 'cause I'm not a sheep. I do what I wanna do, and I wear what I wanna wear. And you know what? I'll date whoever the hell I wanna date. No matter how lame he is” (Cordelia a Harmony, “Bewitched, Bothered and Bewildered”)

La relación de Cordelia y Xander representa el triunfo del everyman adolescente. Cordelia es el sueño hecho realidad de un nerd, una suerte de trofeo para el empollón, que nos viene a enseñar que es posible invertir las convenciones sociales. Esta idea está en relación directa con el trabajo en equipo como método ideal de consecución de objetivos. El hecho de que Cordelia inicie una relación amorosa con Xander, y que esto la lleve a formar parte activa de la Scooby gang no viene sino a confirmar la idea de que la unión hace la fuerza, explotada en infinidad de ocasiones por Whedon dentro de su obra. Pero además de esto, debemos añadir otra variable: el hecho de que Cordelia haya sido hasta el momento la “mala” de la función (hablamos del círculo social del instituto). Reconocer a Cordelia como scooby, como parte integral del grupo de Buffy Summers, proporciona una satisfacción al espectador que alude directamente a su capacidad compasiva y empática. Ver al malo unirse a los buenos tras un recorrido de auto conocimiento y una serie de cambios funciona muy bien en el espectador, que estará dispuesto más adelante a admitir en el grupo a un demonio milenario o un vampiro con siglos de atrocidades cometidas a sus espaldas. De acuerdo, Cordelia no es un demonio (aún no), no es una villana, pero es un personaje reacio a reconocer las virtudes del grupo protagonista (el Core 4), y que cuando por fin lo hace (aunque lo reconoce abiertamente en contadísimas ocasiones), es aceptada por el espectador con los brazos abiertos, como una más.

“Everyone knows that witches killed those kids. And If you hang with them, expect badness, 'cause that's what you get when you hang with freaks and losers. Believe me, I know. That was a pointed comment about me hanging with you guys”. (Cordelia Chase, “Gingerbread”)

De la misma manera, si desplazamos el foco de atención a Xander y Willow, podemos sacar en claro la idea de que es mucho más satisfactorio ser parte (distinta) de un grupo que ser un individuo exitoso y popular que al final no sea más que un clon dentro de un mismo grupo social. Cordelia se acerca a Xander sin darse cuenta de que eso constituye el primer paso del proceso de búsqueda personal de su propia identidad al margen del grupo al que pertenece. Ella se mantiene reacia todo el tiempo, pero casi inconscientemente va desarrollando una identidad adherida al grupo de los scoobies, y alejada de Harmony (una de sus secuaces y candidata al trono de Sunnydale High) y las demás.

Sin embargo, Cordelia nunca dejó de ser Cordelia. En Sunnydale, donde habitan vampiros y demonios y donde algunos humanos pueden revelarse como seres con poderes especiales, Cordelia sigue siendo una especie de autoridad local. Sus poderes son terrenales, son los que uno necesita para luchar en el mundo real, en los pasillos del instituto. Es por eso que Cordelia es una figura respetada en sus círculos, es vista como un personaje especial, con poderes especiales (dinero, belleza y el poder que ello conlleva, los valores más importantes en la sociedad de masas). Cordelia se adhiere a las normas sociales según cánones actuales. Y lo sigue haciendo, aunque desafíe esas normas enamorándose del mayor paria del instituto.

“Listen up, needle brain, Buffy and I have taken out four of your cronies, not to mention your girlfriend. I haven’t even broken a sweat. See, in the end Buffy’s just the runner up. I’m the queen. (Cordelia Chase, “Homecoming”)

Su relación con Buffy, a pesar de Xander, nunca llegó a prosperar del todo. A lo largo de tres temporadas, ambas se mantuvieron fieles a sus principios, y no se convirtieron en mejores amigas (sencillamente habría sido complicado hacer creíble una situación así). El culmen de la tormentosa relación entre Buffy y Cordelia tiene lugar en el episodio “Homecoming”, en el que ambas luchan juntas por su vida, y cada una por su cuenta por la corona de la reina del baile. Es en este episodio cuando vemos a la Cordelia más guerrera, a la que más tarde veremos evolucionar en Angel. Sin embargo, a pesar de la importancia del triunfo físico contra la amenaza demoníaca, el episodio supone más bien una afirmación de la Cordelia original, la de siempre, la verdadera reina de Sunnydale, capaz de vencer cualquier contratiempo con sus armas infalibles: la convicción, la belleza y la auto suficiencia. No obstante, la paradoja se nos viene encima cuando analizamos el origen de esos puntos fuertes en el personaje. Cordelia es una mujer fuerte, pero su fuerza está en directa relación con las figuras masculinas a su alrededor. Su imagen (la marca Cordelia) cuesta dinero, y papá está dispuesto a pagar lo que sea para mantenerla. Al final, y a pesar de su reafirmación en "Homecoming", nos queda la duda de si Cordelia es capaz realmente de valerse por sí misma. Por suerte, esta duda también le asalta a ella.

Pero, ¿qué pasa cuando Xander le es infiel con la otra mayor paria del instituto, su mejor amiga, Willow? Cordelia toca fondo (y en ese fondo, además, es empalada). Sin dudar un momento, achaca todos sus problemas a Buffy Summers, la persona cuya irrupción en su vida puso patas arriba sus convicciones y su manera de ver el mundo. La antigua Cordelia Chase regresa (aunque insisto, siempre estuvo ahí), pero el mundo ya no es el mismo y hace tiempo que el trono dejó de estar disponible para ella. Las normas sociales tal y como ella las conocía ya no son aplicables a su vida, y empieza a ver el mundo de otra manera. La propia Cordelia descubre que es ella la que ha cambiado. Irónicamente, acaba convirtiéndose en paria, lo que le obliga a replantearse su vida.

Por si eso fuera poco, Cordelia pierde uno de los poderes que aún le quedaban. Su padre es detenido por evasión de impuestos, lo que lleva a la familia a la ruina, y a Cordelia de cabeza a trabajar en una tienda de ropa. Avergonzada por ello, se lo oculta a todo el mundo. Cordelia lo ha perdido todo, ha perdido quién es. Su identidad otrora definida por el dinero y el estatus social está magullada. Las características que la definían como una persona fuerte ya no están (y lo que es más interesante, aunque estuvieran, ya no le servirían). A partir de ahora se verá obligada a vivir una nueva vida, pero antes, Xander, que descubre su situación, le devolverá momentáneamente sus poderes pagándole el vestido de graduación que ella misma no puede permitirse. Tras el baile y la graduación, en la que lucha junto a Buffy contra el alcalde Wilkins, Cordelia decide marcharse a Los Ángeles para iniciar allí la búsqueda de su nueva identidad.

Podemos verlo así. O también podemos pensar que después de varios años siendo el centro de atención en la pista de baile del Bronze, Sunnydale se le queda pequeño a Cordelia, y un cambio de aires se antoja necesario. Al fin y al cabo, no sería descabellado, pues a pesar de todo, Cordelia siempre será Cordelia, y no importa que sea empalada, que se convierta en medio demonio, que unas visiones premonitorias la destrocen o que dos seres la elijan como vientre de alquiler de sus vástagos demoníacos, Cordelia seguirá siendo fuerte, probablemente el personaje más fuerte del buffyverso. Y en caso de crisis, no habrá zapatos o tarjeta de crédito que no puedan arreglar todos los problemas.

“I would kill to live in L.A. That close to that many shoes…” (Cordelia Chase. “Welcome to the Hellmouth”)

Artículo escrito por Pedro J. García

Dollhouse 2x04 - Belonging

2009-10-28T16:03:00.010+01:00

Todos para uno

Sierra ama a Victor. Y lo ama más de lo que odia a Nolan, el hombre que experimentó con ella hasta dejarla paranoica esquizofrénica para convertirla en una doll y poder violarla a su antojo. Está claro, Sierra ama a Victor más que a nada en el mundo. Y Victor ama a Sierra por encima de todo. De manera casi inconsciente, Victor protege a Sierra, y esconde el color negro, que representa al hombre malo que acecha el subconsciente de la doll. Es más, sabemos que Victor está dispuesto a esperarla hasta el fin de los días. "Te esperaré aquí mismo", le dice él a ella. Y eso hace, se queda sentado esperando a que su amada regrese de su tratamiento. Lo que empezó como solo un elemento más en la compleja trama de la primera temporada de Dollhouse, ha acabado siendo la historia de amor más bonita que Whedon nos ha contado hasta ahora. El amor que sienten es real gracias a los residuos que quedan en ambos desde que se conocen en la fiesta de Nolan. Sierra es aún Priya, y conoce a Victor como activo, sintiéndose atraída al instante por él. Al igual que Echo, Victor y Sierra guardan recuerdos en su subconsciente tras cada borrado (el patrón que Sierra muestra con las manchas negras en sus dibujos es un ejemplo de ello). Esta es una de las ideas principales de "Belonging" (y de la serie). Somos la suma de nuestras experiencias. En el caso de Sierra y Victor, el amor es el residuo más poderoso, el que sobrevive en todos los estados (doll, activo y persona original). En el caso de Echo, sobrevive la necesidad de rescatar a los demás que sentía Caroline, y permanecen con ella muchos de los datos clave de sus compromisos, esenciales para su crecimiento y auto aprendizaje. No cabe duda de que Victor amará a Sierra siendo doll y activo, pero cabe preguntarse qué pasará cuando la persona original vuelva a su cuerpo, y ese aterrorizado soldado (que con toda seguridad conoceremos en detalle en los próximos episodios) se encuentre con Sierra, o Priya. Podemos aventurarnos a responder la pregunta casi sin duda alguna, pues si hay una conclusión clara que podamos sacar de este episodio es que Sierra y Victor se pertenecen el uno al otro.

Tras el sangriento cara a cara de Priya con Nolan, su "bad man", ella regresa a la dollhouse en busca de una vía de escape de su vida. La primera vez que Priya ingresa en la dollhouse está siendo manipulada para ello. Esta segunda vez, la joven decide volver a ponerse en manos de Topher, pero su decisión es ajena a su voluntad. Ver a Priya en el hospital psiquiátrico, destrozada, horrorizada, y manipulada siendo consciente de ello nos remite directamente a la dollhouse, lugar en el que Priya sufre experimentos y abusos de la misma manera, sin ser consciente de ello. ¿Qué es más amoral? DeWitt lo tenía muy claro antes del caso Nolan, pero ya no. Y si Adelle DeWitt empieza a dudar de si lo que está haciendo en su casa es moral o no, nosotros podemos sacar conclusiones sin miedo a equivocarnos. En la descorazonadora escena final entre Priya y Topher, ella le pregunta si los activos son felices en la dollhouse. Topher le responde que no lo sabe, pero le dice que el amor que siente por Victor es real, y además, es correspondido. Esto es lo más importante, lo único importante. Topher y DeWitt empiezan a verlo, y a actuar en consecuencia. Pero es demasiado tarde para Priya, que se vuelve a adentrar en la casa de la mano de su amado, guardándose con ella el único sentimiento real, y dejando en la superficie los únicos recuerdos que valen la pena. Sin darse cuenta de que, al igual que Echo y Victor, será difícil que el año que tan desesperadamente pide olvidar, desaparezca por completo. Como decía, somos la suma de nuestras vivencias, buenas y malas, y "Belonging" nos viene a decir que, como Sierra o Echo, somos varias personas dentro de un cuerpo, y la vida es el camino que recorremos hasta que estas se encuentran y podemos darle sentido a todo.

Topher tiene su primer dilema moral en "Belonging", como bien le dicen Boyd y DeWitt. Todo comienza cuando el científico empieza a ver más allá de sus narices, gracias a la labor accidental de investigación de Echo. Brink descubre que Sierra lleva un tiempo mostrando un patrón de comportamiento en sus dibujos, a pesar de los borrados de memoria (algo que llevaba comprobando un tiempo en otros aspectos, como el desarrollo de su afecto por Victor). Topher está demasiado ocupado siendo científico como para permitirse ser persona. Lo vemos aumentado tras una gran lente, hablando consigo mismo. Es un mad doctor en toda regla. Topher sabe que es un súper hombre, reconoce ser como Alpha, solo que cree tener más control sobre sí mismo, y sobre sus acciones. Pero no es así. Echo le provoca una epifanía: "No estás mirando bien. Nunca lo haces". Esto le conduce a una breve investigación que le lleva a descubrir el plan de Nolan para Priya, no sin antes hacerle dudar por un momento si el "bad man" al que se refiere Sierra es él, mostrando por fin síntomas de culpabilidad y dudas sobre su trabajo en la dollhouse. Para Topher, Sierra es especial, siempre lo ha sido. Es mucho más que una de sus muñecas, es su experimento favorito (su macabro entusiasmo al conocer su caso lo demuestra), pero también es alguien especial para él (y si no, recordemos el episodio "Haunted", en el que la programa para hacerle compañía en su cumpleaños). Por si no fuera suficiente con el toque de atención por parte de Echo, DeWitt le pone las cartas sobre la mesa a Topher: "Fuiste elegido porque no tienes moral. Siempre has visto a las personas como juguetes. No te estoy juzgando. Tratas muy bien a tus muñecos". Tras las duras palabras de DeWitt, Topher toma conciencia de sus actos, y la súbita (des)carga moral que siente le lleva a terrenos desconocidos para él (y a nosotros nos traslada a la escena más oscura de lo que llevamos de serie). Su primer dilema moral le conduce a un lugar terrorífico de auto conocimiento. Topher descubre cómo su pasión por la ciencia le ha impedido ver que lleva varios años descuartizando cuerpos sin mancharse de sangre. Topher parece dejar atrás sus días como alivio cómico después de este episodio. No creo que vaya a dejar de proporcionarnos los "one-liners" necesarios en toda obra whedoniana, o el toque goof que tanto contraste crea dentro de la sobriedad de la casa. Él seguirá cumpliendo ese papel. Pero su peso dramático adquiere una importancia crucial en "Belonging", yendo mucho más allá del prototípico nerd graciosillo que conocimos en "Ghost", y que no dio verdaderas muestras de evolución hasta el comienzo de esta temporada.

DeWitt está hecha un lío. La Rossum Corporation la pone en tela de juicio con respecto al caso Sierra, y le hace ver lo prescindible que es en la dollhouse. Lleva mucho tiempo convencida de que la labor que desempeñan las dollhouses a lo largo y ancho del mundo es admisible desde un punto de vista moral, alegando argumentos como que los dolls ingresan en la casa de manera voluntaria (regresan las evidentes alegorías del mundo de la prostitución y la trata de blancas). Al descubrir que la salud de Priya fue alterada por Nolan para forzarla a entrar en la casa, DeWitt se vuelve madre coraje (como otra de sus niñas, Echo), y avisa al doctor de que va a romper su contrato comercial con él. Inmediatamente, los "Powers That Be" de Rossum mandan a uno de sus lacayos, el Sr. Harding, para que le cante las cuarenta. DeWitt se ve entre la espada y la pared y decide conceder a Nolan el deseo de llevarse a Sierra para siempre. Vuelve uno de los temas principales en la obra de Whedon, el poder. DeWitt se nos ha presentado siempre como la madame de la dollhouse, la mujer que supervisa y protege a los dolls. Pero desde casi el principio, no se ha descuidado la idea de que siempre hay un poder mayor que solapa al menor. La Rossum siempre ha estado haciendo sombra a DeWitt, pero ella se las ha apañado para dirigir la casa a su manera. Con su contradictoria mezcla de amor por sus dolls y su comprometida pero inestable idea de la moral, DeWitt se ve en un callejón sin salida, mostrando una ingenuidad hasta ahora inaudita ("DeWitt: Si hacemos esto, ¿en qué nos convertimos? - Mr. Harding: ¿Qué somos ya?") Whedon insiste en su idea del poder como camino inequívoco hacia la corrupción. La mayoría de sus personajes encuentran el desvío adecuado tras perderse en el lado oscuro. Sin embargo, en Dollhouse no parece que ese desvío vaya a ser tan fácil de encontrar. Afortunadamente, DeWitt sabe qué debe hacer. No sabemos hasta qué punto constituye una manipulación del científico, pero DeWitt abre los ojos a Topher, y haciendo uso de su influencia sobre él, le lleva a tomar la decisión de imprimir a Sierra con la personalidad de Priya. Es una gran guerra de poderes. Poder basado en el dinero y la posición social (Rossum y Nolan), poder basado en la influencia y la experiencia (DeWitt) y poder basado en la inteligencia y la conciencia (Topher). Y pase lo que pase, será una guerra sin ganadores.

Echo quiere saber, quiere conocer, quiere ayudar. Su presencia en "Belonging" es mínima, y sin embargo es la doll más interesante del episodio. Boyd descubre leyendo a Echo, y sigue comprobando que está desarrollando una poderosa curiosidad por descubrir y aprender. Es en Echo principalmente donde podemos encontrar al Whedon existencialista que nos ilustró sobre el ser humano a través de personajes no intrínsecamente humanos como Dawn, Anya o algunos de los vampiros de Buffy cazavampiros y Angel. Para Whedon, el ser humano comienza a serlo cuando encuentra un propósito en la vida. Anya, Dawn y Angel descubrieron que su propósito era luchar, vivir. De la misma manera, Echo siente que su propósito es ayudar a los demás (y estoy seguro de que pronto la veremos luchar por ellos). Por ahora, Echo (junto a Caroline) está reuniendo información (usa su cama-ataúd como cuaderno de notas para recordar datos de sus compromisos, "Déjalos que piensen que tienen el poder", le dice a Victor, remitiéndonos directamente a "Belle Chose"). Está aprendiendo a atar cabos, a usar el pensamiento científico (aunque no lo hace de manera consciente, sino de manera intuitiva). Esto nos lleva a otra gran idea que propone Whedon. El conocimiento y el arte no solo como herramienta de placer o moneda de cambio, sino como camino alternativo hacia el poder, como semilla de la revolución. Whedon propone la idea del enriquecimiento cultural y la experiencia como elemento central a la forja de la identidad propia, como un arma de defensa y ataque en un mundo en el que los distintos poderes te sitúan por defecto en desventaja ("El arte es poder, porque ellos no pueden hacerlo" ¿Puede que de alguna manera nos esté hablando de la FOX?). Echo comienza a desarrollar juicio sobre las cosas, distingue el bien del mal de manera primaria (incluso instruye a Victor en el tema), y responde preguntas cuando era ella la que las formulaba antes. Echo se está convirtiendo en una persona. Y esa persona estará debidamente preparada cuando llegue la tormenta. Mientras, los demás dolls siguen haciendo lo mismo que ella, cada uno encontrando su propio destino, enriqueciéndose de sus experiencias, convirtiéndose en seres humanos complejos y completos. El cajón seguirá llenándose de fotos y recuerdos, que recogerán cuando llegue el momento adecuado.

Artículo escrito por Pedro J. García

Dollhouse 2x03 - Belle Chose

2009-10-13T15:05:00.011+02:00

Chicas al poder

Dollhouse es una serie compleja. Más de lo que parece. Bajo esa apariencia de ciencia ficción de bajo presupuesto, late una historia altamente alegórica y bastante sólida (aunque no siempre consiga demostrarlo). Episodios como "Belle Chose" dan fe de que las ideas que sostienen la serie son firmes y claras, y esto es gracias al trabajo de Whedon, y en este caso también de sus compañeros David Solomon y Tim Minear. Juntos, y por separado, muestran una gran homogeneidad a la hora de escribir, compartiendo y diluyendo temas y motivos a lo largo de los episodios de las series en las que han trabajado, con una gran eficacia. La naturaleza altamente versátil de Dollhouse les permite desarrollar estos temas en mayor profundidad. Sin duda, uno de los leit motifs esenciales en las obras de Whedon es el poder femenino. Whedon sigue planteándose el lugar de la mujer en el mundo, su lucha dentro de él, ante el hombre. Y mediante cuidadosamente escogidas metáforas y referencias, nos lo cuenta, como siempre.

Echo: Can you feel my bathy girl power? Cause I can feel your boy power.

En este caso, Whedon utiliza sabiamente "The Wife of Bath", uno de los pasajes más famosos y estudiados de Los cuentos de Canterbury de Geoffrey Chaucer. La protagonista del "cuento", Alisoun, es una mujer fuerte, decidida, que reconoce su poder ante el sexo contrario, y lo usa en beneficio propio. En "Belle Chose" (originalmente el segundo episodio de la temporada), el compromiso de Echo consiste en hacer realidad la fantasía sexual de un profesor universitario, que desea acostarse con una de sus alumnas. Para ello, recurre a la Dollhouse, que le provee con una estudiante poco aventajada, que acaba en el despacho del profesor, recibiendo lecciones sobre cómo conseguir un sobresaliente si no se es muy brillante. Como Alisoun, Echo acaba convencida de que es ella quien tiene el mando. El profesor la lleva, con varias referencias a la obra de Chaucer, a creerse en control de la situación (aunque no sabemos hasta qué punto ella es consciente del juego). Al final, Echo se convierte en la dominatrix que es Alisoun (Whedon nos deja claro que así la ve, con su látigo y sus espuelas), y aunque sea de manera accidental (convirtiéndose Echo en Terry, el asesino en serie), el profesor se lleva su merecido. Echo toma el control, haciendo creer que el hombre es quien lo tiene desde el principio. Dollhouse vuelve a demostrar que no se queda en la mera exposición de ideas (y en la simple distinción entre buenos y malos), sino que va más allá, y aborda (como ya ha hecho en varios episodios) con valentía temas escabrosos que tienden a simplificarse, como la prostitución.

Whedon, Solomon y Minear establecen claramente que el poder del sexo para conseguir objetivos es exclusivamente femenino (y si no, atendamos a cómo acaba Victor). Aunque en ocasiones, el mensaje se presente de manera confusa (¿Es uno conservador o de liberación femenina?) al final, queda claro que la realidad es mucho más compleja. Los guionistas deciden proponer las dos vertientes, el peligro que corren las mujeres por el hecho de ser mujeres, y el poder del que gozan ante el hombre, permitiéndoles dominarlo y sublevarse ante él en situaciones de peligro. Obviamente, los personajes masculinos no salen bien parados en "Belle Chose". Terry, el asesino en serie, es un hombre achantado por las mujeres de su familia, un ser amenazado por el poder femenino, hasta el punto de convertirlo en un psicópata coleccionista de mujeres, a las que convierte en "muñecas", en objetos inertes, sin poder de voluntad, sin personalidad, sin control sobre sus vidas (imposible perderse las metáforas).

Y en medio de todo, DeWitt. No cabe duda de que durante el interrogatorio de Ballard a Terry, se hace referencia directa a la madame de "la casa" (que observa atenta la escena desde su despacho):

"You're weird, Terry. But what you're not is special. It doesn't take a criminal record to figure you out. Maybe just a pimp. It's ordinary. You're ordinary. Maybe you got bottle-fed, maybe you got dumped. It doesn't matter, at some point you decided real people were not worth it, you pushed them away. You alienated everyone in your life so you could surround yourself with the fakes, the copies. Made you feel like you had some control. You're not in control".

Ballard (y Whedon) describe a DeWitt sin dejarse nada en el tintero. Claramente, no es solo Topher el que se presenta como personaje con complejo de Dios. Pero las motivaciones son claramente distintas para cada uno. Topher es un científico con ínfulas de creación y transgresión (además de un niño que juega con sus muñecos). DeWitt es una mujer a la que aún no conocemos bien, que se ha rodeado de un mundo artificial que controla a su antojo, huyendo de la realidad en la que vivía antes de la Dollhouse (es cuando nos planteamos a DeWitt como una "muñeca", la más importante de "la casa").

Por otra parte, no olvidemos que tanto el asesino, como el profesor son clientes de la Dollhouse, lo que nos lleva a pensar que la historia continúa saliendo de ese terreno gris, y se va definiendo moralmente. La Dollhouse serían los malos, aunque el verdadero mal está en la superficie. Es el género humano, con su predisposición al mal, siendo una de las principales cuestiones tratadas en Dollhouse hasta qué punto esa predisposición es genética (y por tanto, si se puede modificar).

Dollhouse nos ha dado esta semana un episodio muy completo: Otra intervención galáctica (Michael Hogan, Saul Tigh en Battlestar Galactica). Una interpretación muy destacable (el versatilísimo Enver Gjokaj se come a Dushku y Penikett). Un buen guión, rebosante de autorreflexión, excelentemente hilado, con las tramas perfectamente superpuestas. Una historia interesante que nos presenta a los personajes como seres complejos, sin caer en la sobre exposición y tratando al espectador como un ser inteligente. Dollhouse expone sus ideas claramente, pero no nos las pone delante de las narices a cada momento, como tantas otras series. Nos da referencias fáciles de interpretar, pero las usa sabiamente (diálogos repletos de dobles sentidos), invitándonos a un segundo visionado. Nos describe a los personajes a través de otros, convirtiéndolos en portadores de ideas, en metáforas andantes. Engarza con agilidad moral, introspección y acción. Es cerebral a la vez que emocional. Da que hablar, y proporciona material inagotable para analizar. Es, para mí, una de las mejores series actualmente en antena, pese a quien pese.

Artículo escrito por Pedro J. García

Dollhouse 2x02 - Instinct

2009-10-09T17:41:00.006+02:00

Dollhouse comenzó siendo una serie lenta, tranquila y que nos hacía esperar algo grande de ella. El desarrollo de su primer temporada fue como el crecimiento de un bebé en el útero materno. Los primeros capítulos fueron como los primeros meses de embarazo: Estás entusiasmado por lo que va a venir, tienes prisa por ver cómo se desarrolla y esperas ansioso ese momento final del parto, para luego recrearte con él en tus brazos. Esa sensación es la que Dollhouse dejó en la mayoría de sus fans tras la primera temporada.

Con una nueva temporada en camino y tras un buen episodio de inicio en el que los protagonistas lanzan su votos al aire y se establecen nuevas relaciones y nuevas direcciones para nuestros protagonistas, la Dollhouse se convierte en el Útero de nuevos proyectos. Topher juega a ser Dios más que nunca, modificando los cerebros, no solo para alterar la memoria muscular del sujeto, sino también para hacer que sus cuerpos reaccionen a estímulos para los que no estarían preparados a priori, y es en esto en lo que se centra "Instinct".

Echo ha de llevar un encargo como la esposa de un joven acaudalado. Nada nuevo hasta ese punto, salvo por el hecho de que su relación con él no es solo como marido y mujer, sino que ambos tienen un hijo en común. Echo siente que el hijo es suyo, lo quiere, se preocupa por él y le protege, pero no solo porque sus recuerdos le digan eso, su cuerpo también le dice que ese hijo es suyo. Le ha alimentado con su propia leche y algo en ella la empuja hacia ese niño de manera instintiva. Por eso, cuando Echo es retirada del encargo, la rabia y la impotencia al ver cómo se llevan a "su hijo" parecen quedarse grabadas a fuego en ella, al menos ante los ojos de su nuevo cuidador, Ballard. Este aprovecha que nuestra ex-November se encuentra en la casa de muñecas para un chequeo regular, un poco obligada por DeWitt, preocupada tanto por su seguridad como por la de la Dollhouse. Tras ser testigos ambos del ataque de cólera de Echo, mantienen una charla que ayuda a Ballard a entender un poco más los entresijos del manejo de los activos en la organización.

La sorpresa viene cuando tras ser borrada, Echo se despierta con el procedimiento habitual conservando el instinto de protección materno, y perdida y desorientada tratará de llegar al que cree su hijo.

La alarma salta en Dollhouse y Topher asegura que el borrado ha sido perfecto y Ballard le hace ver que sus juegos divinos han ido demasiado lejos, imprimiéndole en el propio ser de Echo un instinto materno que no puede ser borrado tan fácilmente, algo que Topher toma como un cumplido, más que como una réplica y el cuidador sale en busca de su activo a solucionar el problema antes de que llegue a más.

La resolución del capítulo es bastante sencilla y previsible, pero da pie a una conversación entre Activo y Cuidador en la que este le dice a Echo que Topher borrará el dolor, como hicieron con November una vez finalizado el contrato, y no sentiría nada, a lo que Echo le responde que prefiere sentir, aunque sea dolor, que permanecer dormida.

En este capítulo conocemos un poco más sobre el personaje al que da vida otro conocido del Whedonverso, Alexis Denisof, pero me parece tan repetitiva e insulsa la forma en la que están presentando a este personaje, que prefiero no comentar nada el respecto hasta ver qué van haciendo con él.

En general un capítulo bastante correcto, en el que vemos una evolución más en lo que al futuro de la Dollhouse se refiere, y en el que vuelven a hacer hincapié en lo especial que es Echo. Destacando la interpretación de Dushku cuando se llevan a su hijo y la aparición de Miracle Laurie nuevamente en la serie, actriz que fuera de los arquetipos de belleza Hollywoodiense, me parece una de las personas más atractivas del elenco.

Artículo escrito por Pol Díaz

Dollhouse 2x01 - Vows

2009-10-05T17:55:00.009+02:00

Secretos de un matrimonio

Algo ha cambiado en Dollhouse. Con el paso al formato de grabación digital, uno podría pensar que está viendo una serie de SyFy en lugar de FOX. Si a esto añadimos que la cámara se mueve más de lo normal, y de vez en cuando se cuela algún zoom muy propio de Battlestar Galactica (que a su vez, podría ser un zoom muy propio de Firefly), podemos afirmar que la serie de Whedon estrena segunda temporada con un look renovado, próximo al de la serie de SyFy, y que se ve reflejado no solo en el apartado técnico, sino en la dirección que parece tomar la serie en cuanto a trama y personajes. Un cambio que a primera vista no parece tan sustancial, pero que sin duda ayuda a definir la identidad que tanto le costó encontrar en la primera temporada.

Si bien el último episodio de la temporada pasada, el popular "Epitaph One", despertó en mí incertidumbres sobre el desarrollo de la serie, este "Vows" me sitúa de nuevo del lado optimista. Conocer de antemano el (supuesto) destino de los personajes, lo que consideré una lacra para la serie, ha jugado esta vez a favor de ella. No sabemos si esto seguirá siendo así, o si se debe a que el propio Whedon escribe y dirige el episodio, pero la información "privilegiada" que nos dio en "Epitaph One" nos sirve para desviar un poco la atención de la trama principal y así centrarnos algo más en el interior de los personajes. Si antes los guionistas se perdían sorprendiendo al espectador y dándole esos giros argumentales de los que me he quejado hasta la saciedad, ahora Whedon parece marcar el camino hacia la introspección, sin dejar de lado la acción, y nos brinda un episodio redondo (aunque no perfecto). Esperemos que el resto de guionistas hayan tomado nota, y sigan sacando el mayor partido de los personajes a lo largo de la temporada.

"Vows" arranca con las consecuencias de los grandes cambios acaecidos en la Dollhouse en el episodio "Omega". Con Ballard en plantilla (aunque él se niegue a considerarlo así), la relación entre este y su bella durmiente, Echo, se vuelve más interesante. La trama parece avanzar rápidamente hacia el futuro, y los personajes que creíamos conocer, se empiezan a parecer a los que aparecen en "Epitaph One". Sobre todo el irritante Topher, que camina a marchas forzadas hacia el arquetípico loco que será algún día.

Whedon escribe el guión de "Vows", y gracias a esto, la trama se solidifica, a pesar de sus intentos a veces desmesurados de dotar a la serie de una profundidad psicológica y filosófica que le viene grande, quedándose a veces en la superficie, y perdiéndose en diálogos demasiado rebuscados y grandilocuentes. Ser críptico está bien, pero cuando los diálogos se convierten en frases lapidarias e incomprensibles puestas una detrás de otra, está claro que existe un problema de autocontrol. A pesar de esto, Whedon, como siempre, saca lo mejor de los personajes, y fusiona a la perfección la trama de la semana con la historia principal de la serie. El compromiso de la semana es la trama genérica de acción número 37: Mujer seduce a traficante de armas para infiltrarse en su vida y entregarlo a las autoridades. A pesar de lo mediocre del planteamiento, este es aprovechado al máximo gracias a las interpretaciones de Eliza Dushku, más natural y comedida que nunca, y el actor invitado Jamie Bamber. Ambos construyen un matrimonio que, con los escasos datos que permite encajar un episodio de cincuenta minutos, resultan creíbles, gracias a la verdadera tensión que hay entre ellos. La escena en la que Martin (Bamber) sorprende a Roma (Dushku) en el despacho de él es impresionante. Pero es cuando el tercero en discordia entra en escena cuando las cosas se ponen realmente emocionantes. El "showdown" entre Ballard y Echo en el hangar es el clímax perfecto para un episodio definitorio para ambos (sobre todo para él).

Por otra parte, Whiskey se nos va. No sin antes dejarnos la piel de gallina con un par de escenas en las que Amy Acker se despide a lo grande, como diciendo "No me vais a pagar por salir en toda la temporada, pues esto os perdéis". Los demás están correctos. DeWitt parece más mala que nunca, pero no puede evitar mostrar su lado humano ante Victor ("You're touching my face"). Langton aburre como jefe de seguridad y Sierra impacta con una escena cómica subidita de tono ("If you were to tie me down and spank me I could hardly be expected to resist, could I?") Todo esto en una Dollhouse que sigue empeñada en mostrarse como esa dialéctica cielo/infierno, con sus salvadores y sus demonios, y con toda esa gente que vaga hipnotizada al fondo de los planos, gente que podría ser tanto habitantes del cielo, como condenados al infierno.

"Vows" me devuelve la esperanza en la serie justo cuando más en peligro se encuentra. La audiencia, aunque parecía imposible, sigue cayendo en picado, alcanzando semana a semana nuevos bajos históricos. Ni los reencuentros galácticos (Helo y Apollo), ni los invitados/guiños whedonites (Alexis Denisof) salvan a Dollhouse de la quema. Y pensar que si la serie se hubiera estrenado en SyFy, seguramente tendría la misma audiencia, pero sería considerada un éxito incontestable. Una pena.

Artículo escrito por Pedro J. García

Dollhouse 1x13 - Epitaph One

2009-09-23T22:23:00.006+02:00

Supervivencia

La cuestión es sencilla. ¿Era "Epitaph One" necesario? La respuesta es tentativa. Quizás no se trataba de enganchar al espectador reacio, que iba y venía a lo largo de los doce irregulares episodios de la primera temporada. Quizás tampoco se trataba de explicar/matizar la mitología conocida y abrir puertas al desarrollo de la misma en una posible segunda temporada. Posiblemente, "Epitaph One" no era más que la coda de "Dollhouse", un proyecto condenado a la cancelación desde el principio, y sorprendentemente renovado por la FOX para una segunda temporada. ¿Puso Whedon todas las cartas sobre la mesa? ¿Qué será de la serie ahora que hemos visto el futuro con nuestros propios ojos? ¿Será capaz el equipo de Whedon de darnos algo lo suficientemente bueno como para "rellenar" la tabla cronológica de la serie? Aunque no haya sido del todo su culpa, ¿ha caído Whedon finalmente en las redes de la narración de moda en la televisión actual?

"Epitaph One" podría ser perfectamente el final de la serie, al igual que Serenity lo fue para Firefly. Todos sabemos que Whedon planea las temporadas de sus series como arcos únicos que pueden funcionar de manera independiente al resto de la serie, y ya anunció que Dollhouse no sería una excepción. Pero quizás la naturaleza de la serie le alejó poco a poco de esa idea. Sea como fuere, lo que es cierto es que este episodio maldito no consigue aclararnos las cosas. Amplía la mitología de manera confusa, y aporta datos que alejan al espectador en lugar de darle la bienvenida. Esto hace pensar en la posibilidad de que la FOX fuera consciente del peligro de emitir un episodio así al final de la temporada, justo después de conseguir la audiencia más baja de toda la serie con "Omega". Pero las cosas han cambiado. La segunda temporada de la serie comienza el próximo viernes (sigue estando en peligro, por defecto), y nos vemos forzados a ver "Epitaph One" como un puente entre lo que hemos visto hasta ahora y lo que probablemente veremos en esta temporada, y en las próximas, si la serie continúa más allá de los trece episodios pedidos para este año. Es por esto que Whedon y los suyos se enfrentan a un gran reto: Buscar una línea argumental que no solo nos lleve al final que ya conocemos, sino que además nos aporte algo más para que el viaje de la Dollhouse a la superficie haya merecido la pena.

Por eso, personalmente voy a hacer un esfuerzo y considerar este episodio como un "episodio especial" al estilo de los episodios de realidad alternativa, aunque el esfuerzo consista en olvidarme un poco de él, porque no nos engañemos, de alternativo no tiene nada. No me malinterpretéis, no me ha parecido un mal episodio. Es más, creo que dejando a un lado todas las implicaciones externas, la historia que se nos cuenta en "Epitaph One" es sólida, está bien construida y tiene unos cuantos momentos muy notables, de los que destaco sin duda la escena entre DeWitt y su bebé roto Topher. Amy Acker es otra de las grandes bazas de este episodio, y no puedo más que entristecerme con la idea de que debido al tan comentado recorte de presupuesto para la segunda temporada, Whiskey solo aparecerá en cuatro episodios.

Felicia Day, alumna whedon por excelencia, está completamente desubicada como líder (es un decir) de un pequeño grupo de resistencia en un mundo post apocalíptico sacado sin tapujos de Resident Evil. Las escenas en el futuro son un survival horror en toda regla (más "survival" que "horror" en realidad). Y las escenas en el presente-futuro (que alguien invente un término para las diégesis que son flash-forward y flash-back a la vez) nos siguen dando pinceladas sobre los personajes. Es en momentos así cuando más echo de menos Buffy, Angel y Firefly. La confusión y desorientación que provocan estas escenas es resultado directo de una mala idea, jugar con los personajes como si los conociéramos perfectamente. Whedon los conoce, nosotros aún no. Caroline es un buen ejemplo de ello. No sería capaz de describir su personaje habiendo visto estos primeros trece episodios. Sé que de eso se trata, es un personaje con muchas facetas, muchas caras, y eso conlleva un esfuerzo mayor por parte del espectador. Pero más de una vez me he preguntado si ese esfuerzo merece la pena, porque una cosa es un personaje multidimensional y otra es un multi-personaje. ¿Llegaremos a conocer algún día a los personajes de manera que podamos olvidarnos de esto y seamos capaces de disfrutar de la serie como lo hicimos con los anteriores trabajos de Whedon?

Zone: No sewage. Which means we just walked into paradise. Keep your eyes open and your weapons cocked. Paradise wasn't built to take in strays.

Este desolador futuro sirve de herramienta una vez más para darnos a conocer las grandes implicaciones morales de la Dollhouse, y el gran angular de la serie. Si antes la respuesta se nos presentaba ambigua, ahora todo queda expuesto explícitamente. La Dollhouse no tiene cara y cruz. Este futuro nos hace replantearnos lo que hemos visto, y nos hace pensar que las cosas ya no están en terreno gris. Las cosas están muy negras. Y todo por culpa del complejo de Dios de Topher, y por extensión, del ser humano ("Cities don't burn cause everyone got smarter. They burn because someone lost control of them") . Es decir, ¿hemos llegado ya a la conclusión de los grandes temas que plantea Dollhouse? Puede ser. Por eso es necesario que Whedon plantee nuevos objetivos, que a partir de ahora nos lo cuente todo mejor, y que se olvide de momento de los saltos en el tiempo, que para eso ya tenemos Perdidos.

Artículo escrito por Pedro J. García

Dollhouse 1x12 - Omega

2009-05-11T22:30:00.005+02:00

Look where you are. You’re in a lair. An evil lair. And you’re sitting in some messed up dentist chair letting a guy who talks to himself attach wires to your head, which incidentally, is my head.

Puerta al sótano, escrito por Pedro J. García

Tim Minear, otro de los grandes colegas de Whedon, lleva a Dollhouse en su final [de temporada] a terreno serie B. “Omega” es un cruce entre la ciencia ficción más primaria (y aparentemente naïf, como la serie en general) y un amago de terror (psicológico) que se cimenta en gran medida en la confusión del ser humano ante su propio yo (esto no lo digo yo, lo dice el episodio cada vez que Alpha y Omega abren la boca). Son varias las evidencias que alejan a Dollhouse de la sofisticación de otras series norteamericanas: la torpeza de muchas tramas de acción, la inocencia noventera a la hora de exponer temas, la abundancia de episodios de relleno. Terminada la temporada, sin embargo, Dollhouse concluye como un producto discreto pero destacable, una serie lejos de ser perfecta, pero capaz de ser extraordinaria.

“Omega” sirve como perfecto escaparate de una mitología ya bien establecida (les ha costado). Para mí, son tres las escenas que definen el episodio: La primera, en dos partes. El indescriptible beso de Alpha a Echo cuando ambos eran activos en la Dollhouse, y el posterior ataque de Alpha a Whiskey en el taller. Escalofriante. Por otro lado, la paranoia del yo de Alpha y Echo en el sótano es sin duda el núcleo del episodio. Minear recurre a la teoría del súper hombre de Nietszche para dar sentido al comportamiento de Alpha, y continúa el camino lógico hacia esperables conclusiones sobre el poder y la superioridad moral (algo que ya se había explorado en profundidad en Buffy y Angel, aunque no de manera tan explícita). Correcto. Y por último, la (nada sorprendente) revelación de la doctora Saunders como antigua doll y las devastadoras conclusiones que esto provoca en ella (esa piruleta...). Sería injusto detenernos aquí, y no mencionar al pobre de Ballard y su original manera de salvar a la dama en peligro o a Echo tocando el pecho de un abatido Topher como otras de las escenas más destacables de “Omega”. Así como no sería una review completa sin destacar las escenas “no tan buenas”, que también las hay. Pero dejemos a los whedonites ir más allá.

Dollhouse, a pesar de sus constantes titubeos, ha resultado ser un soplo de aire fresco entre la oferta de ficción televisiva norteamericana, que sigue saludable a pesar de la saturación de fórmulas repetidas. La serie nació en la era Perdidos, y es por ello quizás que su mezcla de Whedon clásico y estrategias narrativas actuales no haya cuajado en la audiencia. El público está demasiado bien acostumbrado, y una serie como Dollhouse necesita un voto de confianza muy grande por su parte, un esfuerzo que hoy en día no muchos están dispuestos a hacer . Whedon sabe lo que hace, y aunque su mente siga un poco en los noventa, tiene claro que una serie tiene que evolucionar y madurar, y eso implica que al princio puede que no convenza a todo el mundo, y si además tiene a la FOX encima, la tarea se vuelve una misión imposible.

A continuación, los whedonites toman la palabra, aportando sus diversos puntos de vista sobre “Omega”, tras cuatro meses de dedicación desinteresada al Whedonverso. Algunos no se habían prodigado hasta ahora por aquí. Espero que eso cambie después de hoy, porque es una pena habernos perdido lo que hay en sus cabezas todo este tiempo. Gracias a todos los que han escrito, y a los que leen. Haya o no segunda temporada, espero veros por aquí igualmente, porque nos queda mucho Whedonverso por explorar.

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Topher: Of course it doesn’t tell YOU anything: it doesn’t tell ME anything, and I'm smarter than everyone in this room. But less scary.

Escrito por Alicia Ortega

Obviemos el razonamiento hitleriano de Alpha queriendo formar un ejército de “übermenschen” rellenos de personalidades distintas. Olvidado esto, puede encontrarse perfecta lógica en la rabia de Alpha, en el odio a ese Carl William Craft que decidió por voluntad propia abandonar su cuerpo y dejarlo a manos de Dollhouse durante cinco años a cambio de una reducción de su condena. La elección de Alpha fue acabar con ese hombre que le había traicionado.

Whiskey, o el segundo doctor Saunders, también puede elegir. Las pistas le llevan a descubrir su verdadera personalidad (quizá aquí sería mejor decir “la falta de ella”) y así adquiere la misma libertad que Alpha para decidir su próximo movimiento y decide… no dar ninguno. Ya sabe suficiente: sabe lo que es, y que quien fuera alguna vez ya no tiene nada que ver con ella. No siente nada hacia esa persona, no quiere conocerla, porque ya no es ella misma.

Y, por último, está Echo. Conoce a Caroline, la persona que una vez poseyó su cuerpo y que eligió abandonarlo, y comprende. Comprende como Whiskey que ella no es nada, y comprende como Alpha la traición de Caroline, pero su decisión es convencerla, sin rencor, para que mente y cuerpo vuelvan a ser una misma persona.

Tres activos, tres “muñecas” que toman distintas decisiones cuando descubren de dónde vienen. Pero esas decisiones no las toma ni alguien con personalidad múltiple, ni el doctor Saunders, ni una negociante con secuestradores, ni una cantante, ni una chica ciega, ni una millonaria muerta amante de los caballos. Porque debajo de todas esas personalidades están ellos, están Alpha, Whiskey y Echo, están sus almas. Y, como dice Ballard, las almas no pueden ser borradas. Siempre quedan restos, por eso Victor siente algo por Sierra aunque les implanten distintas personalidades, por eso también Sierra y Echo notan la amistad que les une, por eso Echo no olvida que Dominic es su enemigo y Boyd es la persona en la que más puede confiar. Y por eso, cuando se va a dormir después de haber sido borradas las 38 personalidades que Alpha le implantó, piensa en su objetivo, en la chica a la que tiene que salvar. En Caroline.

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Topher: Aren't you curious to see who you really are?
Dr. Saunders: I know who I am

Escrito por Daniel Andréu

Como me consta que va a haber muchos y muy buenos análisis de los más diversos aspectos sobre el capítulo, yo voy a hablar brevemente de lo que más me ha gustado, que ha sido la torta de Whedon a todos los que no le veíamos mucho futuro a la premisa de la serie. Hasta ahora no he vuelto a pensar en ese aspecto, desde el segundo capítulo en el que se me olvidó por completo. Pero este “Omega”, a parte de las obviedades de dejar muchas cosas sueltas muy interesantes para poder ser explotadas en una segunda temporada (la no muy bien resuelta escapada de Alpha, los residuos de personalidades de Echo, el sufrimiento del adorable Victor que se ha ganado todos nuestros corazones, el consiguiente (sufrimiento) de la enamorada DeWitt, los autodescubrimientos de Whiskey, etc.), ha dejado bien claro que esa “tontería” de meterle habilidades a la gente y ya está, es algo mucho más complejo y profundo. El juego que puede llegar a dar queda patente en el sótano del maravilloso Alpha, no ha hecho falta más.

Si los de Fox no son retrasados mentales (ejem…), se darán cuenta y no meterán la pata. Pero como ya sabemos lo que hay, habrá que conformarse con esperar con los dedos cruzados y con disfrutar capítulo extra que llevarán los DVD.

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Whiskey... Let Echo be number 1.

Eternal Sunshine of the Spotless Mind, escrito por Javi Pocoyó

¿Qué tenemos dentro de nuestras pequeñas cabecitas? Es la pregunta que me planteo después de ver Dollhouse. Topher dice que sólo impulsos eléctricos. Y una placa que él (mejor que nadie) puede modificar a su antojo. Y DeWitt ni se lo cuestiona. Bastante tiene ella con dirigir el spa más secreto del mundo, y mantener su acento británico y su base de maquillaje intactos.
Para responder a la pregunta, yo me voy a detener en Echo, que, como era de esperar, no es sólo lo más importante en la serie, sino también lo más interesante. Echo es el mensaje, la conclusión a esa cuestión ética que plantea la serie. ¿Qué tenemos dentro de nuestras pequeñas cabecitas? Algo, siempre.

Es decir, Topher no es Dios, por mucho que le pese. Y está equivocado en su concepto del cerebro. No sólo estoy seguro de que ese borrar-grabar que hace constantemente con ellos, como si fueran cassettes, tiene consecuencias dañinas (posibles efectos adversos, como la muerte súbita con el Viagra), algo que acabaría viéndose en el caso de que la serie fuera renovada. Es que puede salirle mal el invento, como le pasó con Alpha, y como le está pasando con Echo.
No puedes coger a un asesino (por cierto, qué sorpresón que una superorganización supersecreta que lava el cerebro a la gente cogiera a convictos para hacer pruebas) y pretender que se dedique a recibir masajes y cortar hojas de árboles mientras sigue tus órdenes. Ni que una luchadora nata como Caroline se duerma 5 años y deje a un grupo de gente que haga lo que quieran con su cuerpo.

Una pena que, seguramente, la Fox (zorra en español) no vaya a renovar la serie. Porque, como se dijo mucho con el piloto, Dollhouse ha resultado tener mucho potencial. Estoy de acuerdo. Esta primera (y apuesto a que única) temporada tiene mucho potencial. Bueno, no es que tenga mucho mérito: las organizaciones supersecretas siempre lo tienen. Pero sí había (muchos) buenos personajes: se puede sacar mucho más de DeWitt, quizá Topher nos podría emocionar algún día evolucionando, y Ballard... ¿A quién prefiero, a Ballard sin camiseta o a Ballard liberando a una muñeca con la que se siente en deuda antes que a la mujer de sus sueños?
Sin camiseta.

Y una pena también porque "Omega" no sirve como gran final. No ha sido siquiera un gran capítulo (o quizás ni siquiera del todo bueno, supongo que hay una versión extendida en la que se ve dónde han ido Sierra y November cuando les han puesto improntas, y el momento con referencia a Obama ha sido de un patético muy subido). Sí un capítulo de respuestas, pero no ha habido grandes sorpresas (¿llamáis a lo de la Dr. Saunders barra Whiskey sorpresa?, desde que Mellie resultó ser November, pienso que cualquiera puede ser una doll), ni mucha acción (odio que un guionista piense que una persecución por las escaleras de incencios equivale a acción), ni grandes momentos decisivos. Tampoco culpo a Tim Minear por ello, sea quien sea (¿no debería haberse encargado Joss Whedon del final de su serie?). Dollhouse aún no estaba preparada para tener un gran final. Ni siquiera para tener uno pequeño. Esto es culpa de la Fox, o del capitalismo, o de Zapatero.

Espero que Dollhouse pueda salvarse, bien en la Fox, bien en otra cadena, como sea. Porque si no, esta temporada se habrá quedado en una promesa. Un quiero y aún no puedo, o a lo mejor aún no quiero. Porque ahí está mi conclusión sobre la serie, el capítulo, y Eliza Dushku, si me apuras. Si Dollhouse no tiene, como mínimo, 2ª temporada, seguiré sin saber qué tenemos dentro de nuestras pequeñas cabecitas. Pero sí sabré qué no tengo: recuerdos sobre la última serie de Whedon. Ni siquiera ecos.

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I'm way ahead of you. You think we're gods?

Escrito por Vickyboom Santiago

Y llegó el último capítulo (que espero sólo lo sea de la 1ª temporada). Para mí ha sido como una explosión de personalidades a flor de piel y no lo digo por la sobreimpresión de montones de ellas en los cerebros de Alpha y Echo, sino por las de todos los componen el entramado ‘Dollhouse’: veo a un Topher consternado y dolido, mostrando tener sentimientos más allá de su prodigiosa inteligencia; a una Caroline verdadera, a una DeWitt más humanizada; a un Ballard dispuesto a hacer lo que sea por Caroline (o Madeline)…

Sin embargo, creo que su desarrollo ha sido un tanto acelerado, embutido a la fuerza en 50 minutos y quitándole así la fuerza que le ha faltado para ser un episodio épico, de esos que te dejan sin palabras y con el corazón en un puño. Sobro todo teniendo en cuenta lo grande que fue su episodio predecesor. Se quedan, además, sin despejar incógnitas muy importantes que ya se planteaban desde el primer capítulo y eso… se nota.

Lo peor de saber que seguramente no haya más Dollhouse es no poder ver desarrollarse a un personaje como la Dra. Saunders (o Whiskey), que en este capítulo ha estado sensacional, y continuar viendo cómo crecen los de DeWitt, Ballard, Caroline y Topher. Mecachis…

A destacar resalto los papelones de Tudyk y Dushku (tremendos), la mini conversación entre Topher y Saunders y la última escena de Echo metiéndose en su cama y murmurando “Caroline”.

Poco más, chicos. Bueno sí, la remotísima esperanza de que nos regalen otra temporada más…

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She won't know. She's me.
And we're both coming to get ya.

Escrito por Javilost Marrero

Alpha / Omega / Caroline

Esta parte del capítulo ha sido lo más grande para mí, las conversaciones entre ellos y las actuaciones de los actores, sobre todo de Alan Tudyk, han sido soberbias.
Cuando se despierta Omega (para mí versión no-zombi de Echo) y se levanta de la silla con ese estilo lo flipé mil. Se veía venir que la tubería era para Alpha y eso creo yo es debido a la mente original que posee Caroline, que no tiene nada de asesino como si se ve que tenía Carl William Craft que casi mata a aquella mujer usando su técnica de “Manostijeras” (mientras escribía esto me vino una duda que mi mente no consigue recordar: ¿Alpha también tiene su cerebro original metido en su cabeza? Si no es asi, ¿entonces quedan residuos del original? Fuerte lío creas Whedon xD ).

Doctor(a) Saunders / Whiskey

Lo que todos especualaban se ha visto en la season finale: la Doctora Saunders, que en realidad es un HOMBRE, es un activo cuyo nombre es Whiskey. En los flashbacks, podemos destacar ese momento baile trío porno erótico de ella y Alpha y Lars. Espectacular. (La Amy Acker siempre va de buenecita y de inocente pero al final todo es pura tapadera xD)
Destacar también como acabó con la cara así, debido a que Alpha se le fue la pinza para dejar a Echo ser la número 1. (El amor no es algo fácil, seas humano o activo).

Madeline Costley / November / Mellie

Otro momento grande es el de este activo, primero por los caretos del Ballard (imborrables ya para mi mente) y segundo porque ya ha dejado de ser un activo y me intriga saber si ella al ser ya quien era, le quedarán residuos o algo de lo vivido en Dollhouse a su vuelta a la vida real.
Con respecto a lo que dice Ballard de que es colaborador para liberar a ella. Esa ella ¿quién es? ¿Madeleine, que ha dejado de ser un activo, o hablaba de Caroline? No me quedo claro si fue por eso o porque ya pasaron esos 5 años de contrato.

Homenaje Buffy 1: Alpha parece que le muerde el cuello a Whiskey durante ese bailoteo de tres porno festivo.
Homenaje Buffy 2: Alpha le revienta los ojos a uno con sus dedos como si de Caleb se tratase con el ojo de Xander.

Espero que mi primera review del Whedonverso os guste. Y si no, me da igual Ya me siento un hombre realizado y feliz :)

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Escrito por Ricardo Carabaña

Victor: How can I be my best now? Dr. Saunders, how can I be my best, please?

Dr. Saunders: You can’t, Victor. You can’t be your best. Your best is past, a past you can’t even remember. You’re ugly, now, you’re disgusting. All you can hope for now is pity. And for that you’re gonna have to look somewhere else.

No debí haber perdido los estribos de esa manera. Alpha me hizo pasar por lo mismo hace un año. Al menos Víctor no tendrá que recordarlo en cuanto se siente en la silla la próxima vez.

¿Whiskey? Ya he oído ese nombre antes. Espera, aquí está... ¿Am I a sleeper active? I’m a broken doll. Wait a minute... I know who I am.

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Alpha: Then why did you hit me in the head WITH A PIPE?
Echo: It was handy? And you wanted me to kill myself?

Escrito por María Riveiro

Como no tengo ni idea de qué es lo que ha escrito el resto y no quiero sonar repetitiva, voy a hacer uno de esos brainstorming que tanto me gustan… Espero poder condensar en un párrafo todas las ideas que se me han venido a la cabeza viendo este capítulo. ¿Ready? Go.

Ballard lo ha conseguido, ha salvado a la chica (y, además, se va a quedar cerca… yo me olía que al final acababa trabajando para Dollhouse, no se puede saber tanto de un lugar como ese y no trabajar en él… y que para ello pida que “liberen” a November). ¿Es culpabilidad lo que he visto en Topher o “simple” emoción por todo lo que está pasando alrededor? Debe ser tremendamente fuerte enterarte de que tú no eres más que otro doll de la house… y hablando de Whiskey, YEAH! La escena con Alpha en la que hace de Crystal. Alpha es un cabrón sociópata. Me encanta Echo. Me encanta el hecho de que ella y Alpha sean tan parecidos (Dominic tenía parte de razón… Echo puede ser una nueva Alpha, sólo que ella no tiene su misma personalidad… Ella lucha por los inocentes, intenta salvarlos no cortarlos en cachitos). Genial la referencia a Obama “Tengo 38 cerebros y ninguno de ellos piensa que se pueda firmar un contrato para ser esclavo. Especialmente ahora que tenemos un presidente negro” “¿Tenemos un presidente negro? Ok, me lo estoy perdiendo todo”. Alpha amenazando a un disco duro. Que una persona esté encerrada en un disco duro… Que Echo recuerde a Caroline. Echo vuelve, le borran las 38 personalidades y sigue recordándose. Topher no puede borrar las almas. Topher sufre y Echo lo siente… Echo es prodigiosa. Quiero más de todos ellos.

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Dr Saunders: But why did you decide it was so important for me to hate you? I think that's strange

Escrito por Pablo Pol Díaz

En toda colección de muñecas es bastante frecuente presentar un modelo nuevo cada cierto tiempo y Whedon ha sabido darnos esto en todo lo que la primera temporada de Dollhouse ha durado. Ese es uno de los puntos fuertes de Dollhouse, sus muñecas, que muchas sin saberlo han estado presentes desde el comienzo de la serie y nadie había sospechado nada.

Omega pone fin a una temporada corta pero que aunque su ritmo haya sido lento en los inicios ha sabido ofrecer toda clase de sentimientos a sus espectadores, dejando que ellos mismo se sintiesen jugadores de esta casa de muñecas tan particular, ya que al igual que yo, muchos habrán contenido la respiración y habrán respirado aliviados en varios momentos del capítulo que ha puesto fin a la primera temporada. La llegada de Alpha fue la gran sensación de Dollhouse un personaje oscuro y tenebroso que causó sensación desde la primera vez que pudimos ponerle rostro, pero fue otro rostro el que ha hecho que me sorprendiese aún más y es que Whiskey como muñeca edición especial me ha ganado el corazón. Una muñeca que descubre que su existencia no es mas que ficción y lo acepta dejándonos a todos con el corazón en un puño y la lágrima a punto de ver la luz.

Dollhouse ha sabido mantener el tipo a pesar de las pocas expectativas que Fox ha querido depositar en ella y en parte por la magia con la que Whedon nos ha cautivado siempre y en parte por la magia con la que todas y cada una de las muñecas han sabido ganarnos. Y no hablo solo de Echo, ya que todos y cada uno del resto de Activos son especiales, cada uno a su manera. Pero no todo son elogios y ramos de rosas para sus personajes ya que hay un personaje que a pesar de todo lo ocurrido veo como un personaje olvidable y es el pobre Ballard, que no puedo evitar sentir una falta de definición una vez terminada la primera temporada. Un personaje que puede pasar desapercibido con suma facilidad, aun cuando tratan de darle importancia en la trama general de la serie. Ballard nunca fue el príncipe y nunca lo será. De hecho, queda bastante claro que nuestra princesa no necesita ningún príncipe que la ayude. Salvo quizá una pequeña ayuda por parte de Fox para demostrarnos que aún puede seguir sorprendiéndonos como ha hecho hasta ahora.

Dollhouse 1x11 - Briar Rose

2009-05-04T14:35:00.010+02:00

Alpha

“Briar Rose” traslada a la Dollhouse al recurrente y siempre certero mundo de los cuentos de hadas, a través de una evidente metáfora a gran escala, en la que la casa de muñecas se convierte en el castillo de la Bella durmiente, y los protagonistas adoptan los diferentes roles del cuento.

En este pre-clímax increíblemente climático, Echo se convierte en Briar Rose (el nombre que recibe la protagonista del cuento en la versión de los hermanos Grimm) en el plano simbólico, mientras su cuerpo sirve de recipiente de Susan, mediante otra de las aplicaciones del sistema de impresión de personalidades de Topher, ese inocente megalómano encantado de jugar a ser Dios (palabra clave: “jugar”), que si algún día lo despiden de la Dollhouse, tendrá un currículum envidiable para presentar a todas las organizaciones malvadas secretas que quiera. Aprendemos así que en la Dollhouse un doll puede recibir la posible personalidad futura de alguien. Echo se convierte en muñeca futurible, puesto que la personalidad que le es descargada no es del todo real(izable), viene determinada por el éxito o no del compromiso. En otras palabras, Echo es la versión futura de Susan, una niña traumatizada (e insoportable) a la que debe ayudar, haciendo uso de su posición privilegiada como ella misma, con el fin de situarla en el camino que la llevará a convertirse en la Susan que Echo acoge en su cuerpo. Como de costumbre, esta trama se convierte en el pretexto adecuado para explorar el personaje de Echo (dándonos además otro mensaje feminista, como es habitual en las creaciones de Whedon), y para desencadenar una serie de eventos que acabarán restando importancia al compromiso de la semana. Y de qué manera.

Siguiendo con los roles de La bella durmiente, el agente Ballard es, como no podía ser de otra manera, el empecinado príncipe al rescate (o eso creemos). Su enfermiza obsesión por la existencia de la Dollhouse le lleva al enlace definitivo con “la casa”: Stephen Kepler, un diseñador de sistemas medioambientales, interpretado magistralmente por otro alumno Whedon, Alan Tudyk (Wash en Firefly). Ballard cree que Kepler diseñó la Dollhouse. La interacción entre ambos toma como principal referencia la dinámica de las películas de “cop buddies” (con referencia explícita y genial incluida, esta semana nos han puesto las cosas fáciles, con la intertextualidad más expuesta que nunca). Ballard es el poli serio que tiene que soportar al compañero desastre, Kepler. Tudyk construye a un personaje que con solo un puñado de hilarantes escenas (“Carrots!”) se convierte en un clásico, siendo en parte lo mejor de un episodio sorprendentemente cómico, teniendo en cuenta la trascendencia de los eventos.

La cruzada moral de Ballard le lleva a la boca del lobo. Gracias a Kepler, el agente encuentra una entrada a las instalaciones subterráneas de una Dollhouse más oscura y amenazante que nunca. “La casa” está prácticamente vacía. Las personas (Ballard no está de acuerdo en llamarlas así) que allí trabajan dejan vía libre a los polizontes, y la Dollhouse se encarga por sí sola de envolver la acción en un halo de misterio y peligro inminente. Mientras tanto, Boyd, Topher y DeWitt (nuestra Maléfica particular) investigan la brecha dejada por Dominic, haciendo uso de Victor, que se convierte en el topo de la NSA (al que Enver Gjokaj interpreta con pasmosa eficacia, demostrando su gran versatilidad). DeWitt llega al fondo del asunto (no sin dejar caer otro misterio sobre su vida, ¿a qué “centro” se refiere?), y llega a la conclusión de que Alpha está en Tucson (tan engañada ella como nosotros).

Jane Espenson, una de las guionistas preferidas de Whedon, realiza un impecable trabajo con una trama que engancha, dominando a la perfección los tres actos, y construyendo una tensión que aumenta con cada escena, y acaba explotando en unos diez últimos minutos de infarto. Ballard encuentra a Victor, Mellie y Caroline (y se da cuenta de que toda su vida es una farsa… un poco “drama queen” él, quizás “la silla” le siente bien), Boyd va al rescate de su niña (todos necesitan rescatar a Echo, y como veremos más tarde, quizás ella no necesite ser rescatada). Y finalmente, el episodio alcanza su cénit con la revelación de que Kepler es en realidad Alpha (mandíbulas desencajadas, señores), y ha regresado a la Dollhouse para llevarse a Echo, no sin antes sembrar el terror (si Tudyk es bueno haciendo comedia, es indescriptible dándonos miedo), atacando al pobre Victor (que en este episodio no deja de sufrir en ningún momento), y atormentando a la doctora Saunders.

Echo: I know you. I remember something about you.
Alpha: I remember everything about you.

Con Ballard reducido a pelele, Alpha es el verdadero príncipe al rescate de una sádica Bella durmiente (atención al labio ensangrentado, resultado de un beso escalofriante), que tras ser "impresa" por Alpha, no opone resistencia a su fornido rescatador. Los hechos narrados en “Briar Rose” sitúan a “Dollhouse” en una recta final que promete dar el campanazo. Y ya sabemos que las promesas de Whedon nunca son en vano.

Artículo escrito por Pedro J. García

Dollhouse 1x10 - Haunted

2009-04-28T13:57:00.003+02:00

Horses

Después de cuatro capítulos repletos de información, Dollhouse vuelve al formato de un assignment por episodio sin aportar apenas información que haga avanzar la historia principal.

El show llega aquí, a mi modo de ver, a su mayor encrucijada: desde su concepción, Dollhouse es una serie llamada a ser totalmente versátil, cada episodio puede ser totalmente distinto al anterior, compartiendo sólo el envase, Echo. Y esta versatilidad es su principal virtud y su mayor defecto. Las posibilidades son enormes, pero otorgar el protagonismo cada semana a unos personajes secundarios totalmente nuevos puede resultar muy peligroso.

Langton: Eternal life.
DeWitt: Nice adjective. Excellent noun.

En Haunted aprendemos que la Dollhouse puede darte vida después de la muerte, aunque sólo bajo condiciones muy especiales. Una vieja amiga de DeWitt, recientemente fallecida, toma el cuerpo de Echo. Ella misma sospecha que ha sido asesinada, por lo que volverá a la casa familiar para resolver el crimen. Así, la serie se transforma en una especie de homenaje/parodia al cine negro en el que nadie es lo que parece con toques de telenovela mejicana (¿era necesario tanto caballo?). La tensión está bien conseguida y Duskhu vuelve a estar soberbia en su interpretación (quizá la mejor caracterización que ha hecho hasta ahora), pero poco interés despierta en nosotros la historia, que ocupa al menos la mitad del episodio.

En cuanto al resto, continuamos ahondando en la relación entre Ballard y Mellie y las pesquisas de este, descubrimos que Topher es un ser humano y que de vez en cuando también necesita algo de compañía y observamos a Langton todavía preocupado por Echo en su nuevo papel de jefe de seguridad. A la espera de saber cual es el principal cometido de la Dollhouse, esta sigue lidiando con las fantasías y necesidades de la gente, mientras nosotros asistimos a nuevas digresiones sobre la soledad y la moralidad del proyecto.

Margaret: Will i see my whole life flash before my eyes?
DeWitt: Every single moment.

En definitiva, un episodio bien facturado pero que no aporta nada que no hayamos visto en capítulos anteriores. Esperemos que el viernes que viene la serie coja de nuevo su pulso y retorne al camino iniciado por “Man on the street”.

Artículo escrito por Ricardo Carabaña

Dollhouse 1x09 - Spy in the House of Love

2009-04-11T20:42:00.014+02:00

"She made a mistake, now she's sad"

Dollhouse ha tomado un ritmo vertiginoso desde aquel grandioso "Man on the Street". El torrente de información al que nos somenten en cada capítulo es abrumador y "Spy in the House of Love" no podía ser menos.
Cuando un capítulo comienza con imágenes de un presente en el que tenemos que ir al pasado para saber lo que va ocurrir en el futuro, solo puede darnos grandes momentos, como aquel sublime "Spit and Eggs" de Veronica Mars.

Alguien se ha infiltrado en la casa de muñecas, no es que nosotros no lo supiésemos ya, pero ahora fue el turno de Topher de enterarse y con ello toda la Dollhouse al mando de Dominic, que tras un fin de semana sin DeWitt cierra sus puertas para atrapar al posible espía. Ese es el hilo principal de este capítulo, descubrir quién ha estado modificando a los Activos, y para ello veremos la misma historia desde diferentes puntos de vista. November, Sierra, Victor y Echo. Cada uno en un lugar distinto pero todos con el mismo nexo común. El Espía.

Grabación: November, Mellie vuelve al edificio y a la vida de Ballard, al que sin darme cuenta no echaba de menos, y la primera sorpresa llega cuando Mellie desaparece y November le entrega un mensaje a Ballard. Atónito, trata de creer que no es cierto todo lo que dice y cuando no queda más remedio se rinde a la situación.

November: Dollhouse deals with fantasy but that is not their purpose. Investigate their purpose.

Grabación: Sierra, tras descubrir que un espía se había infiltrado en Dollhouse, Dominic hace que Topher programe a Sierra para obtener información sobre quién en la NSA está dentro de la casa. Su misión infiltrarse en la NSA y conseguir la información que Topher logró descifrar y que revelará la identidad del espía. No pude evitar notar un ligero sabor a Alias con la grabación de Sierra, el momento de la peluca, las carreras, la extracción. Esta chica sí que es camaleónica.

Sierra: Where can a girl get changed around here?

Grabación: Victor. Diez son ya las veces que Victor ha sido programado para proporcionar placer a una geriátrica señora con caprichosos y caros gustos. La sorpresa llega cuando la señora se queda en su casa tranquila mientras Roger/Victor coge un coche para reunirse con su cliente original, que no es otro que DeWitt. Todos sospechábamos que algo ocultaba la fría jefa de la casa de muñecas, pero lo que menos esperábamos era que a ella misma le gustaba jugar con sus muñecos. Topher trata de localizar a DeWitt y comunicarle todo lo que está ocurriendo pero Roger/Victor y la propia DeWitt tienen otros planes mejores, por lo que se quedan incomunicados todo el fin de semana dando rienda suelta a sus mas íntimos deseos y pasiones. Es en este momento donde podemos ver una parte de la verdadera Katherine, donde dejando a un lado ese muro de frialdad, meticulosidad y calculadora pasión por el trabajo, se esconde una persona que solo quiere sentir y vivir sin preocuparse por el tiempo.

Victor: You're Perfection, if I could make a woman....I'd make you.

Grabación: Echo. Se pueden buscar paralelismos entre Dollhouse y Pokemon y es que Echo al igual que Pikachu evoluciona. El experimento de la doctora Saunders para calmar los instintos de los activos más activos no sirvió de mucho con Echo y ella se da cuenta que algo está ocurriendo en la Dollhouse, ella sabe que Topher hace que la gente sea diferente y ella le propone ser de ayuda. Tras implantarle una serie de habilidades detectivescas, Echo se pone a indagar quién puede ser interrogando a todos los posibles sospechosos.

Echo: You make people different....you can make me help.

Una vez Sierra regresa de su misión, trae consigo una cabeza de turco, Ivy, la ayudante de Topher siempre en la sombra, pero Echo, con sus habilidades para leer el lenguaje corporal sabe que el espía sigue oculto y no es otro que Dominic, que al verse acorralado tratará de matar por segunda vez a Echo, algo que ella misma le recuerda como muestra de su evolución. Tras una pelea entre ambos, Echo no dejará a Dominic morir y se lo entregará a DeWitt que dará justo castigo para su traición.

Con la baja de Dominic, el puesto de Jefe de Seguridad pasa a Langton, por lo que Echo necesitará un nuevo cuidador. Los cambios no siempre son buenos, veamos a dónde nos llevan estos.

Una vez mas este capítulo es un campo de recogida de grandes frases y momentos, casi todos protagonizados por la genial DeWitt. Podría hacer un resumen de dichas frases pero la entrada se alargaría bastante. "Spy on the House of Love" nos deja con ganas de más, de seguir conociendo más a esos personajes que siguen encerrados en si mismos, y comienza a llevar a la serie a su recta final. Esperemos que mantega este ritmo que ha cogido y que tanto me/nos gusta.

Saunders: It's ok to feel something
DeWitt: That would imply I lost something.

P.D. Yo ya busco guiños en todas partes y me gustaría creer que los guantes azules de la Dra. Saunders no estan puestos ahí porque ahora se lleven de ese color...

Dr. Horrible’s Sing-Along Blog: El nerd mata al superhéroe

2009-04-08T12:03:00.001+02:00

Durante la famosa huelga de guionistas, el señor Whedon decidió demostrar que era un creador antes que un compañero sindical y realizó Dr. Horrible's Sing-Along Blog, una miniserie para internet. En la misma decidió matar al padre.

Siguiendo de una forma metafórica y catárquica la teoría de Freud, según la cual el hijo alcanza la madurez matando al padre, Whedon decide matar al superhéroe. El nerd crece y acaba con la vida del ultimate jock, personaje al que había idolatrado aun representado a su némesis.

No es el primer, ni afortunadamente último, intento de desmontar al superhéroe americano. Frank Miller nos enseñó que Batman bien podía ser un mero fascista y Peter Milligan nos demostró que un grupo de mutantes con poderes podía estar más cerca de la autodestrucción que de la salvación del mundo. Pero Whedon se desmarca de esa tendencia tan tratada en el comic book, enfrentar al superhéroe a un mundo real, y acepta todos los lugares comunes del cómic más infantil y mainstream, con una puesta en escena que busca la ficcionalidad y el absurdo, para recordarnos que siempre estaremos más cerca del villano que del héroe. La obra fluctúa siempre entre un amor incondicional a los grandes estamentos del cómic de superhéroes clásico y una necesidad de desmontar el discurso desde dentro.

El superhombre protector de la humanidad, Superman y todos los que llegaron después, se exhibe como un ser vacio y plano. La verdadera compasión se presenta en el personaje de Penny, una chica nerdy y con una actuación enfocada a enfatizar su vulnerabilidad, el verdadero bien desinteresado habita en el personaje más frágil y menos heroico de la historia. Por el contrario, Captain Hammer es un ser que se sabe superior y que actúa según la moralidad solo porque disfruta de la admiración que recibe. En cierto sentido Captain Hammer es el Superman que Lex Luthor teme, un dios que ha decidido ser nuestra niñera hasta que se canse, con la posibilidad de destruirnos cuando lo desee.

Como antítesis del héroe clásico nos encontramos con el Doctor Horrible/Billy, un aparente mad doctor que trata de conquistar el mundo, que realmente es un personaje complejo lleno de aristas. Tras el aparente científico megalómano nos encontramos a un personaje que se aleja de los tópicos y comienza a desmontarse. Es un villano, pero los fracasos le pasan factura y su vida personal determina sus acciones. El rol principal se disminuye, al igual que el Punisher de Garth Ennis deja de ser un vengador o no podemos referirnos al John Constantine de Delano como un mero mago, las figuras de héroe o villano se diluyen para llevarnos al antihéroe. Mientras Captain Hammer sigue una línea recta e inequívoca, el Doctor Horrible fluctúa sin saberse nunca cuáles son sus prioridades ni su meta real.

En cierto sentido la dualidad Captain Hammer/Doctor Horrible es parecida a la presentada por Alan Moore en Watchmen con el Doctor Manhattan y Ozymandias. Tanto el Captain Hammer como el Doctor Manhattan son auténticos seres superiores al hombre, y por tanto se sienten legitimados para actuar por encima de los hombres. Por el contrario el Doctor Horrible y Ozymandias son dos hombres que han alcanzado un potencial superior al del hombre pero sin abandonar su humanidad, ambos personajes, ya sea buscando la paz o la destrucción, no dejan de equivocarse y plantearse su propia legitimidad.

Esta dualidad entre héroe puro y antihéroe se presenta en infinidad de cómics mainstream, ya sea decantándose hacia un extremo o enfrentándolos. En el caso de la obra de Whedon, que pese a no ser un comic book sigue todos los patrones, nos encontramos con un discurso que trata de deslegitimar al prototipo de héroe. Captain Hammer no deja de ser una sosaina de un atleta de instituto, un jock, mientras que el Doctor Horrible representa bastante bien el papel de nerd, desde su inseguridad hasta su uso de las tecnología. Whedon nos presenta a un personaje mucho más cercano al consumidor de cultura popular en el papel del villano, que se enfrenta al personaje idolatrado por el nerd y representación de su némesis, el jock.

El Doctor Horrible se enfrenta a Captain Hammer como un empollón lo haría a un deportista en un instituto. El deportista vencerá y se llevará a la chica, y aunque con el tiempo aprenderá lo que es el dolor, el empollón no recuperará a la chica del instituto nunca.

Doctor Horrible’s Sing-Along Blog esconde dentro de sí una oscura metáfora, una incómoda verdad, y una estupenda lectura del superhéroe. Además es un musical.

Artículo escrito por Bartolomé Fernández

Dollhouse 1x08 - Needs

2009-04-05T18:33:00.013+02:00

“Here We Go”

“Needs” es justo lo que necesitábamos (juego de palabras intencionado, por supuesto). Una semana después del que considero el peor episodio de Dollhouse hasta la fecha, la serie golpea con fuerza otra vez. Si en “Man on the Street” se exploraba el universo temático de Whedon en profundidad, a base de manierismos por todos conocidos, y ofreciendo una importante descarga de información, en “Needs” el desarrollo de personajes implosiona en una espiral de revelaciones y emociones que reavivan la promesa que nos hizo Whedon de darnos una segunda mitad de temporada para el recuerdo.

Dollhouse adquiere verdadero potencial icónico con “Needs”, gracias a la revolución que supone conocer de verdad a las personas que se esconden tras los muñecos de DeWitt. Insisto, este episodio es justo lo que el espectador necesitaba, un curso acelerado sobre las verdaderas personalidades de Echo, Sierra, Victor y November (qué bonitos los cuatro nombres dichos uno tras otro) para ver todo con otros ojos. A pesar de las buenas intenciones, y del excelente episodio (acertadamente denominado “game changing” por el propio Whedon) “Man on the Street”, se hacía urgente una estrategia para acercar al espectador al corazón de Dollhouse, más allá de sus vistosas tramas de acción y sus inquietantes preguntas por resolver. El experimento de la cada vez más fascinante doctora Saunders para reiniciar las mentes de sus activos (sus niños, nada de mascotas) y seguir controlándolos tal y como lo hacían antes de que todos empezasen a recordar, nos sitúa en una posición privilegiada ante la historia. Al igual que DeWitt y su Gran Hermano particular (pero con mucha menos información, claro está), nosotros observamos a los activos tratando de encontrar una salida de la Dollhouse y hacia sus vidas, sin saber que están siendo objetos de otro experimento más. La (sublime) escena en la que los activos despiertan en sus ataúdes de diseño (primera de las referencias a la muerte de las que hablaré más adelante) recuerda inevitablemente a aquellos episodios de Buffy y Angel en los que los personajes cambiaban de personalidad (“Tabula Rasa”, “Spin the Bottle”), resultado de un hechizo, y deben trabajar juntos para descubrir qué está sucediendo. Este recurrente esquema narrativo (en gran parte también utilizado en el episodio anterior, “Echoes”, pero con resultados menos satisfactorios) sirve para infundir al espectador de una sensación de cooperación, alianza e incluso amistad que tan importante fue en las series vampíricas de Whedon, y que tanto se echaba de menos en Dollhouse. La unión hace la fuerza, y de paso nos da un par de excelentes planos de grupo que quedarían estupendamente en el opening de una hipotética segunda temporada (de ahí la iconicidad de la que hablaba).

Son demasiadas las escenas y los momentos a destacar de “Needs”, por lo que haré una especie de barrido sobre la trama, y me detendré en algunos de los que personalmente me han impactado más. En primer lugar, las escenas de Victor y Sierra son, sin duda, algunos de los puntos más fuertes del episodio. Es fascinante comprobar cómo se establece una relación casi a nivel primario entre ambos. La indefensión de Sierra casa a la perfección con el instinto de protección de Victor (que cada semana me gusta más y más), y la química entre ellos es inevitable y desbordante. Los pequeños detalles de personalidad que salpican el episodio contribuyen a un mayor acercamiento a Dollhouse (que no se diga que Whedon no hace todo lo posible por enganchar, semana tras semana, a nuevos espectadores, sin dejar de satisfacer a los fieles). Victor tratando de evadir su mente en las duchas, la fascinación de November por el vestuario de los activos o el acento de Sierra son algunos de los sutiles rasgos de personalidad que ayudan al desarrollo de personajes made in Whedon, y que junto a la información a gran escala (como que la historia se sitúe en el presente) amplían el espectro de la audiencia potencial, mientras semana tras semana los whedonites podemos reconocer con mayor facilidad a la mente pensante tras el proyecto. Joss y la Fox están cerca de conseguir el equilibrio perfecto.

En cuanto a los miembros de la Dollhouse, la escena en la que la doctora Saunders sugiere el plan para evitar la inminente rebelión de los activos responde a los mismos parámetros que la escena (también contada a modo de flashback) de “Chosen”, el episodio final de Buffy, en el que la cazavampiros explica a scoobies y cazadoras potenciales el plan para ganar la batalla final. En esta escena comprobamos el casi enfermizo empeño de DeWitt por mantener su “casa” dentro del equilibrio establecido, mostrando rasgos casi sádicos, lo que la convierte en una de las villanas no villanas más fascinantes de la televisión actual. Por otro lado, Topher sigue demostrando que Whedon está detrás de todo, y al igual que en los dos episodios anteriores, continúa ejerciendo de comic relief, cada vez con más efectividad (“I am, BTW. Afraid of the dark”). No es casualidad tampoco que Boyd nos haga pensar de nuevo en Buffy. Ya desde el primer episodio quedó claro el paralelismo entre los handlers de Dollhouse y los watchers de Buffy, pero en este episodio se va más allá, retomando la cuestión del límite de estos whedonianos personajes con respecto a la implicación de estos con sus “niños”. En general, la reunión de DeWitt con sus empleados resulta igual de informativa sobre las personalidades de la Dollhouse que todas las escenas de los activos, y el equilibrio que se establece entre ambos grupos de personajes dota de mayor entidad a la “casa”.

Y finalmente, Echo. O mejor aún, Caroline. Si en “Echoes” se nos mostraba a Caroline como una estudiante activista contra el maltrato de animales, en “Needs” se va mucho más lejos, presentándonos a un personaje sin límites cuando se trata de buscar la justicia, de liberar a los oprimidos. En “Needs”, Caroline alude insistentemente a los activos como ratas de laboratorio. Lo que en un principio parecía un rasgo de personalidad más bien pobre, se convierte en una introducción más que acertada para Caroline. Su espíritu PETA (nótese la ironía, Dushku fue lapidada públicamente por esta organización debido a su afición a la caza) no es más que un leve reflejo de la verdadera personalidad de Caroline, quizás una heroína “rota” que solo tiene un objetivo claro: “Marcar la diferencia” (¿Alguien más ha pensado en Faith otra vez? Si hasta la han llamado “rogue active”).

Por último, y por mucho que suene a cliché, la propia Dollhouse se convierte en este episodio en un personaje en toda regla. La “casa” es un símil de muchas cosas, pero en “Needs” destaca la (moralmente ambigua) comparación de esta con el propio paraíso, y lo que esto conlleva, la muerte. Son muchas las referencias que nos llevan a pensar en la Dollhouse como un cementerio para almas descarriadas, un lugar al que acudir para matar a la persona en la que nos hemos convertido. Al inicio del episodio vemos el cadáver de Echo. Y al final, Sierra dice “Feels like dying either way” al darse cuenta de que tanto en la Dollhouse (el cielo) como en la calle (el infierno) quizás esté igualmente muerta. Y por supuesto, está el momento en que Caroline conduce a los muertos vivientes de la Dollhouse hacia la cegadora luz del exterior. Al final, todo es una ilusión (como muestra la preciosa escena en la que los activos se quedan dormidos y son recogidos para llevar de vuelta a "casa"). Despertar al fin, es decir, recuperar la vida que los activos sacrificaron les lleva al punto de partida, al momento de “closure” que les hará recordar por qué mataron a su propio yo y vendieron su cuerpo a la Dollhouse. La tragedia de sus vidas les lleva al sueño de sus no vidas, y la promesa de conocer más detalles de ambas nos impide apartar la mirada de esta casa, cada vez más compleja desde el punto de vista moral, y símbolo principal de una fábula incómoda y fascinante a partes iguales.

Artículo escrito por Pedro J. García

Retratos Whedon: Tara Maclay

2009-04-02T13:39:00.004+02:00

I’m under your spell
How else could it be
Anyone would notice me?
(Tara Maclay, “Once More, With Feeling”)

Muchos teleespectadores, seguidores y/o fanáticos de Buffy, cazavampiros pensarán que Tara no es merecedora de una reseña como personaje destacado de entre los muchos que aparecieron en nuestras pantallas en la serie de Joss Whedon, y es que, es muy lícito considerar y defender que la novia de Willow es solamente eso, la “chica de”, un recurso para hacer posible la evolución y el crecimiento de la primera, pero carente de significado para sí misma. Si fuese así, esta mención especial carecería de sentido alguno porque ¿para qué perder el tiempo hablando y analizando a Tara pudiendo hacerlo con la verdadera protagonista, su novia Willow? Y es en la contestación a esta pregunta donde encontramos la verdadera y más injusta esencia del personaje: Tara representa a todos aquellos que a lo largo de su vida han buscado la aceptación del grupo, a todas aquellas personas que tienen una existencia silenciosa sobre la cual se apoyan terceros para poder triunfar, avanzar y destacar mientras ellas se desdibujan tras una discreta posición de segundones. En definitiva, Tara es todos y cada uno de los sujetos que se preguntan qué significado y sentido tiene su vida para sí mismos y para el resto. Tara no es más que la caricatura de alguien que resulta distante e incomprendido para el grupo y constantemente implora su incorporación como un miembro más.

La primera vez que aparece en pantalla (en el episodio 4x10) la serie está mediada y asentada, ya han transcurrido bastantes temporadas y se necesita un aire fresco, Tara no será este pero gracias a ella sí que seremos testigos de la explosión de Willow. La chica se inicia en un capítulo (“Silencio”) que marcará claramente las directrices que la guiarán a lo largo de las tres temporadas en las que seguirá con vida. Es Willow quien la encuentra (Tara existe por y para Willow) en una reunión de “brujas universitarias” y desde este primer encuentro se sentirá atraída por su imagen y carácter críptico, intercambiarán sonrisas y flirteos con las miradas y alguna que otra pequeña frase y, a partir de aquí, el capítulo perderá la voz, nadie puede hablar, todos quedan sellados por el silencio. La presentación de Tara en la serie se produce, por tanto, en un episodio mudo (y es que ella no destacará por sus elaborados diálogos; a lo largo de las temporadas estará presente, como imagen omnipresente y callada tras la figura de Willow). Después, cuando los Caballeros la persigan, ella correrá buscando a Willow y desde entonces permanecerán juntas. A partir de entonces, Tara será un personaje recurrente pero nunca principal ni destacado.

Tara es la más distinta de cualquier individuo que se ha paseado por Buffy, cazavampiros, a diferencia de todos los personajes “raros” de las series y películas, Tara no es una chica callada que nos sorprende con alguna frase recurrente e irónica, ella no habla y cuando lo hace mete bastante la pata. Tampoco es guapa, no es una sex symbol escondida bajo una imagen desgarbada, ella lleva el pelo sobre la cara tapando su rostro y tiene un cuerpo de caderas anchas, presenta tics al hablar y agacha la cabeza constantemente, como disculpándose de su existencia. Tara es una chica diferente, de las que tanto gusta ver por televisión, pero presentada de forma diferente. Es diferente porque lo es, y punto.

Sentirse aceptada por el grupo de Willow será el objetivo que orientará su comportamiento hasta el momento de su final. No es que sea expulsada o, ni siquiera, introducida en el grupo, simplemente sus miembros son reticentes a un contacto más íntimo con ella. Tara es un ente opaco, salvo pequeñas informaciones sobre su familia no sabemos nada de ella. Parece que haya sido creada sin pasado y que su presente sea únicamente Willow. Por ello, sus únicos amigos son los de Buffy, amigos que nunca llegan a aceptarla del todo, aunque ella sea la que más señales encubiertas de cariño muestre (se abrirá a Buffy el día de la muerte de Joyce, le regalará un peluche a Giles para que no se olvide de ellos y será una especie de hermana mayor para Dawn). Al principio, se sienten confundidos ante su presencia puesto que en su persona materializan los miedos más internos y arraigados que empiezan a experimentar ante el gran cambio en el que está inmersa la que hasta entonces era su tímida, inocente y empollona amiga. Tara es la base y la guía para el despertar de la Willow bruja y homosexual.

Gracias a Tara, el tema de la homosexualidad se introdujo en las vidas de los chicos de Sunnydale. Al acabar el instituto los tres amigos están perdidos; Xander experimenta las desgracias de la vida laboral, Buffy se introduce en el mundo del alcohol y Willow es la única que se encuentra. Al aparecer Tara, la pelirroja acaba definiéndose a sí misma. No obstante, su homosexualidad es menos limpia que la de Tara, ella se convierte mientras que Tara no se cuestiona nada porque Tara es lesbiana y no ha tenido un novio anterior, no ha estado enamorada en silencio de su mejor amigo y no ha necesitado un sueño que le muestre su cambio de acera.

En la 6ª temporada se nos presenta un momento decisivo en el desarrollo de Tara, por primera vez se atreve a imponer su voluntad frente al solapamiento a su novia. Tara dice no, se niega a permitir que Willow acabe “enganchada” a la magia y destroce todo lo que han conseguido juntas. Entonces es cuando empieza a existir por sí misma, ya ha recuperado la voz que perdió en aquel capítulo en el que se estrenó. Es la primera vez que realmente habla en toda la serie, es el despegue de su existencia independiente a la de Willow, en definitiva. Tara aparece poco en los siguientes episodios, está experimentando su desarrollo individual. Este bautismo de asertividad y autonomía podría haber sido el punto de partida para su crecimiento, pero los guionistas no se lo permitieron porque desde un principio había sido ideada como una secundona que serviría de vehículo para el personaje principal. Con sus palabras, Tara sentenció su propia muerte. La supresión de sus habilidades intelectuales por parte de Glory es solamente el vaticinio de lo que será su final, un nefasto intento de volver a presentarla dependiente a Willow, en cambio.

“Tu camisa” serán las últimas palabras que escuchemos salir por su boca (se las dirá a Willow, la que fue la razón de su existencia, en una despedida en la que estarán las dos solas en una habitación, el único mundo que Tara había conocido antes de hablar por sí misma), en una escena que mostrará el cambio de papeles entre los personajes que venía gestándose durante un largo tiempo atrás: una pistola que apunta a la protagonista (Buffy), un disparo que mancha la camisa de su mejor amiga (Willow) y ensombrece en protagonismo a la primera y una bala que termina impactando en el pecho de Tara y fulminándola en el instante (una muerte que supone la rebelión del esclavo, el levantamiento de la que siempre estuvo en la sombra y que bien podría haber dicho: soy yo la que ha muerto y no tú). Es en este capítulo cuando por primera vez aparece en el opening como personaje destacado, y es así porque su muerte la convierte en Tara y no en lo que hasta entonces había sido: Willow y Tara. Pero ella como ente individual solo dura un episodio porque su existencia ya no tiene cabida, es Willow la que tiene que evolucionar y añorar a su novia. Tara es un recurso que ya ha sido utilizado y a diferencia de Dawn y Anya, las cuales comienzan como ella, a la bruja no se le permite andar sola.

Tara no vuelve a aparecer en pantalla, no vemos su funeral y no hay lloros, nadie se acuerda de ella, excepto Willow con su furia y lágrimas. En el acerbo popular encontramos la postura de que el final de Tara, su muerte, era necesario para desatar la ira y la maldad en una Willow hasta entonces complaciente y aniñada. No obstante, su trágico final trasciende a la “Willow Oscura”; Tara podría haber sido revivida e introducida de nuevo en los avatares de los Scoobies – ya lo hicieron con aquella Buffy enterrada dentro de un ataúd – y Willow se habría “transformado” sin ningún inconveniente, incluso con ella viva podrían haber luchado juntas contra los instintos más animales de la pelirroja pero, en realidad, su fallecimiento era un acontecimiento necesario para que la masa popular fuera consciente del papel decisivo que una persona como Tara puede jugar en las vidas de los que están a su alrededor. La salida de Tara del camino de Willow nos muestra cómo alguien como ella puede impactar en el corazón de los demás. Willow trata de superar la muerte de su novia intentando enamorarse de una cazavampiros y cuando sella esta nueva unión con un beso solo podemos recordar a Tara porque por mucho que lo intente, a pesar de su presencia silenciosa a lo largo de tres temporadas, Willow nunca podrá sustituirla con otra. Y entonces pensamos: “Yo también soy diferente y necesitado de aceptación, yo también soy a quien alguien probablemente echará de menos cuando ya no esté. Yo también soy Tara”.

Artículo escrito por Juanfra Gallego

Retratos Whedon: Lorne (Krevlornswath of the Deathwok Clan)

2009-03-31T13:41:00.021+02:00

No es fácil ser verde

Lorne: This is way beyond my Ken... and my Barbie, and all my action figures.

El hecho de que la mayor cantidad de luz arrojada sobre la cada vez más oscura trama de Angel proviniera de un demonio no es más que otra de las geniales contradicciones que Whedon idearía para la serie hermana de Buffy. Pero Lorne era mucho más que eso. Lorne no era un demonio cualquiera, él era una criatura verde que trataba de parecerse en la medida de lo posible a sus amigos los humanos. Sus trajes de colores chillones (que revelaban un estupendo sentido de la moda, porque su color de piel se lo permitía), su pasión por la música, y su conmovedora empatía hacia los humanos (demostrada por su cálida manera de hablarles y sus cariñosos apelativos), le convertía en uno de los personajes más intrínseca y utópicamente humanos de la serie.

La historia de Lorne es toda una declaración de intenciones. Como más adelante sucedería con Andrew en Buffy, cazavampiros, la ambigüedad sexual del personaje permitió a los guionistas jugar con el espectador, sin ofrecer ningún tipo de respuesta al respecto. Porque no hacía falta, y no porque estuviera claro, sino porque al final era lo menos importante. Lorne llegaba a Los Ángeles en 1996, tras ser succionado por un portal interdimensional. La vida en Pylea, su dimensión natal, no fue un camino de rosas para el demonio verde. Lorne no era como sus congéneres, los demonios del Clan Deathwok. Él vivía en un mundo completamente distinto al de sus familiares y vecinos, campeones que entrenaban para luchar y matar. Cabezas huecas en definitiva, sin más aspiración que la de derramar sangre y hacer de ello una recompensa para una vida de esfuerzo, dedicación y testosterona demoníaca. Lorne era el hermano sensible, el niño diferente, el adolescente rarito, prácticamente un apestado. Como de costumbre, Whedon daba en el clavo extrapolando la realidad más mundana a sus universos ficticios. Si Lorne hubiera sido humano, sería el niño que se encierra en su cuarto a leer mientras los demás salen a la calle a darle patadas a una botella de plástico aplastada. Sería el joven que prefiere estar tirado en el suelo escuchando música, mientras sueña con un futuro bajo los focos de un teatro. Es decir, Lorne sería el mariquita del barrio (entiéndase "mariquita" como sinónimo de distinto, rechazado, raro-queer). Por eso, al descubrir la Tierra, y en concreto Los Ángeles, un lugar donde la música tiene una importancia vital (en Pylea no existía), donde la cultura y el ocio le permitirían llevar una existencia hedonista y privilegiada, y en el que la moda no se limitaba a taparrabos de piel y cascos semi vikingos, Lorne decidió quedarse a vivir allí.

"They have no music there. It doesn't exist. Do you know what that's like? No lullabies, no love songs. All my life I thought I was crazy, that I had ghosts in my head or something... simply because I could hear music. Of course, I didn't know it was music. All I knew was that it was something... beautiful and... and painful and right. And I was the only one who could hear it. Then I wound up here and heard Aretha for the first time."

Lorne era el mayor de los filántropos del buffyverso. Su capacidad para leer auras le lleva a convertirse en toda una celebridad en el inframundo terrenal, donde se le conoce como El Anfitrión (The Host). Esto, unido a que cuando el sujeto “leído” cantaba, Lorne era capaz de distinguir su alma con mayor claridad, desembocó en la inauguración de Caritas, un karaoke subterráneo capitaneado por nuestro demonio. Las habilidades de Lorne como vidente le convierten en una incorporación muy valiosa al equipo de Angel, quien recurre a él a menudo hasta convertirlo en un miembro activo de Angel Investigations, lo que supone más tiempo para el demonio en pantalla, así como más escenas cómicas para Angel (el vampiro cantando en un karaoke, ¿quién lo iba a decir?) y el resto del reparto. La trayectoria de Lorne en Angel responde inequívocamente al canon whedoniano. Se trata de otro personaje no humano que nace con el propósito de explicarnos los entresijos del alma humana, los engranajes de la mente. Lorne es otro personaje Whedon que trata de ser humano, y en su camino encuentra las dificultades que le hacen pensar si merece o no la pena. Por regla general, la conclusión al respecto es optimista: merece la pena ser un humano, merece la pena vivir, luchar por la vida. Sin embargo, el caso de Lorne es distinto. El personaje más vivaracho de la serie acabaría aportando la nota pesimista al final de Angel. Pero eso, más adelante.

Lorne nunca fue un luchador, y al contrario que otros personajes del buffyverso, como Cordelia, Dawn o Fred, el demonio no dará su brazo a torcer, y se negará a usar la fuerza física. Esta declaración de principios le lleva a efectuar un hechizo de no violencia sobre su local, por lo que bajo ningún concepto es posible llegar a las manos en Caritas. Con su apaciguador carácter y su dulce voz, Lorne era a menudo el mayor apoyo moral para Angel. A veces con cierto aire paternalista, pero siempre con la mejor de las intenciones, Lorne era el hombro sobre el que llorar para el vampiro. En sus palabras también podían advertirse con frecuencia ciertos tonos maternales. Era irónico que un demonio fuera el responsable de aportar la nota conciliadora y serena. Pero así era, y por ello Lorne acabó convirtiéndose en un valor insustituible dentro del universo de Angel.

Al final de la segunda temporada, en el episodio irónicamente titulado “Over the Rainbow” (nadie, a estas alturas, dudaba de las intenciones de los guionistas), Lorne regresa junto al Team Angel a su dimensión, Pylea, para rescatar a Cordelia, que ha sido atrapada por la raza del demonio, conocida por esclavizar a los humanos (o “vacas”), que acaban extraviados allí. El regreso a casa de Lorne abre los ojos (aún más) a Lorne, que acaba convencido de que su lugar está en Los Ángeles. De esta manera, el arco argumental de Pylea nos viene a dar una lección muy importante: Debemos permanecer en el lugar (literal o figurativo) al que pertenecemos, sin olvidar el lugar del que provenimos, porque ese es el que nos define, el que nos invita a evolucionar en primer lugar, y al que hay que regresar de vez en cuando para reafirmarnos en nuestra existencia. A partir de ese momento, Lorne ya no solo ofrece consejo al equipo de Angel, sino que será uno más, aunque su trabajo sea hacer de niñera de Connor, vigilar el fuerte o coger el teléfono.

"My psychic friend told me I had to come back here. I didn't believe her. Then I realized I did have to come back here, because... - I really always thought I had to come back here, deep down inside, you know? I had to come back here to find out I didn't have to come back here."

A medida que Angel avanza, y la trama se oscurece, la luz de Lorne empieza a atenuarse. Durante las temporadas tres y cuatro, Lorne acompaña a Angel en sus aventuras, enfrentándose principalmente al bufete de abogados, Wolfram & Hart, comprobando de primera mano la corrupción del espíritu humano. Poco a poco, la filantropía de Lorne se ve sustituida por cierto cinismo, lo que le lleva a concentrarse más en sí mismo. Lorne decide alejarse de Angel y se marcha a Las Vegas para perseguir su sueño en el mundo del espectáculo (a estas alturas, si Lorne no había salido del armario, es que no lo iba a hacer nunca, porque era más que probable que nunca hubiera estado dentro). Lorne encuentra su lugar en la ciudad de neón, su paraíso más allá del arcoiris. Sin embargo, allí vuelve a darse de bruces con la realidad sobre el ser humano, cuando se ve envuelto en una trama fraudulenta, en la que es obligado a leer las auras de los asistentes a su espectáculo, para encontrar a los más afortunados y robarles su suerte. A su regreso a Los Ángeles, Lorne se muestra feliz por volver a casa, pero los eventos que se suceden a continuación contribuyen a seguir deteriorando su espíritu. La relación entre Angel y Connor, el paso al lado oscuro de Cordelia o el advenimiento de Jasmine, sitúan a Lorne en una incómoda posición. El demonio nunca ha estado convencido de que su lugar sea junto a Angel, luchando, pero acaba aceptando resignado que quizás sea su destino.

La quinta temporada de Angel será la que acabará definitivamente con el optimismo de Lorne, y su esperanza en el ser humano. Angel y su equipo “heredan” Wolfram & Hart. Lorne, en un principio está encantado con su posición como relaciones públicas. Contactos en las esferas más altas de la sociedad, fiestas, poder. Sin embargo, como le sucede al resto del antiguo Angel Investigations, ese poder le acaba mostrando su cara oculta. En la batalla final, Lorne recibe su última misión, acabar con la vida de Lindsay. El demonio, que es ya una versión desangelada de sí mismo, la acepta, con una condición. Después de llevarla a cabo, desaparecería para siempre.

"I'll do this last thing for you, for us... but then I'm out, and you won't find me in the alley afterwards. Hell, you won't find me at all. Do me a favor. Don't try."

En la última escena en la que Lorne aparece en Angel, el demonio viste una gabardina marrón que oculta su traje. Tras recibir un disparo de Lorne, Lindsay nos revela la devastadora realidad. Lorne ha sacrificado su color, su personalidad para convertirse en un “flunky” (un gris empleado más) de Angel, cuya última misión es dar la muerte menos digna posible a un gran enemigo (en lugar de otorgarle la gran última pelea contra su némesis, Angel manda a Lorne para que haga el trabajo sucio). Entonces Lorne deja caer la pistola y pronuncia sus últimas palabras, mientras se marcha de la escena del crimen: “Goodnight, folks”.

Esta misma mañana saltaba la noticia de la muerte, a los 33 años, de Andy Hallett, el actor que se escondía tras el verde de Lorne, provocada por un paro cardíaco, tras cinco años luchando contra una enfermedad del corazón. La contribución de Andy a la televisión, y en concreto al buffyverso, será siempre recordada como una de las interpretaciones más llenas de vida, y uno de los personajes más queridos de los que han nacido de la mente de Joss. Este es mi pequeño homenaje a Andy. Sé que es precipitado y el personaje merece algo más elaborado, pero es lo menos que podía hacer. Hasta pronto, Lorne.

“Goodnight, Andy!”

Artículo escrito por Pedro J. García

Dollhouse 1x07 - Echoes

2009-03-30T00:29:00.008+02:00

Band Candy

1x07 – Dollhouse: Una fuerte droga que afecta directamente al cerebro de aquellos que la consumen se está expandiendo por el campus universitario de Freemont, y el equipo completo de activos (excepto Echo) es enviado allí para contener la situación. El cerebro de los activos está modificado, es diferente al de los humanos corrientes, por lo que se cree que no se verán afectados por la droga.

3x06 – Buffy, the Vampire Slayer: Cuando los adultos de Sunnydale empiezan a comportarse irresponsablemente, Buffy y los Scoobies se ven obligados a salvarles el pellejo descubriendo que el malvado Ethan Rayne ha estado repartiendo por toda la ciudad unas chocolatinas que transforman a los adultos en adolescentes, no afectando a estos últimos pues ya lo son.

Una vez establecido el paralelismo entre ambas líneas argumentales, olvidémonos de Buffy para centrarnos en el análisis de "Echoes" y todas las revelaciones a las que asisitimos a lo largo del episodio.

"Echoes" comienza con Caroline, retomando la escena de "Ghost" donde DeWitt recluta a esta para su casa de muñecas. Aprendemos entonces que el contrato en la Dollhouse tiene una duración de cinco años, y que a DeWitt le gusta reclutar a sus activos “over a nice cup of tea” (adoro este detalle).

Caroline: “Is that you talking? Or the Rossum Corporation? Why me? Why did you pick me?”

Acto seguido somos introducidos al Rossum Building, en el medio de un campus universitario, y al personaje de Clive Ambrose, presidente de la misteriosa Rossum Corporation y hombre muy poderoso, capaz de poner a toda la Dollhouse a su servicio.

El clean slate de Echo falla de nuevo cuando, en medio de un engagement, ve por la tele el edificio Rossum. Entonces algo se dispara en su cabeza y sale corriendo hacia el campus. La memoria de Echo se mostrará frágil en todo el capítulo, sabiendo ella que “tiene que estar allí” pero sin saber muy bien por qué. El trabajo de Dushku es, otra vez, soberbio, tanto como Caroline y como Alice. Y es que Alice será en realidad Alice, Caroline y Echo a la vez, pudiendo ver en una misma escena trazas de los tres personajes en la actuación de Eliza (la ingenuidad de Echo, el temperamento de Caroline o la indecisión de Alice, una chica normal que no sabe muy bien qué le está llevando a meterse en todo este lío).

Mientras Topher usa a Mellie, o debería decir November (¿no os parece un nombre precioso para un activo?), como conejillo de indias para encontrar un antídoto a la droga, Dewitt revela su fe en el proyecto Dollhouse y confirma la estrecha relación entre la corporación Rossum, la casa de muñecas, Ambrose y ella misma.

DeWitt: "The Rossum Corporation is why we exist. And i believe in the work we're funding. And i also believe that the only reason i don't have Clive Ambrose job is 'cause he couldn't have mine."

El humor “made in Whedon” y del que la serie no había sido muy pródiga en los primeros episodios impregna gran parte de "Echoes": Dominic murmurando “Topher” cuando descubre que Víctor es su superior, o Topher diciéndole a DeWitt: “So now we’re sharing!” mientras ella le cuenta sobre Ambrose son buenos ejemplos de ello. La comicidad del capítulo llega a su cenit cuando la droga (que se contagia mediante el contacto humano) empieza a hacer efecto en el campus y en Topher y DeWitt, protagonizando ambos unas cuantas escenas memorables (el “british accent”, la “brown sauce”, las “lentils”...).

DeWitt: “Still, you have to admit I am... very... British... I don't say hard R's!”

En los flashbacks de Caroline conocemos a su pareja, su pasado como estudiante en Freemont (ya visto en el vídeo que le envían a Ballard en Ghost) y como el fuerte activismo político de ambos les lleva a irrumpir en el laboratorio de la Rossum Corporation, donde descubren y graban los experimentos que esta lleva a cabo con animales y con fetos humanos, terminando todo con el chico muerto y ella convertida en Echo.

La droga que hace delirar a los humanos y que parece no afectar a los activos en un principio, termina por hacer que estos últimos tengan flashes de aquello que se les ha borrado de la memoria, traumatizándoles, haciéndoles confundir el presente con los recuerdos, y sembrando el caos en la situación hasta ahora controlada por ellos. Así, Sierra recuerda cuando fue violada y tiene un curioso flashback en el momento en que Víctor le quita el arma, lo que nos lleva a pensar que un episodio centrado en ella puede estar al caer.

Al final todo resulta ser un intento de Sam (Mehcad Brook, nuevo personaje) por apoderarse de la poderosa droga y venderla a la competencia. pero Echo (de nuevo sin saber muy bien cómo) y Langton lo detienen. En la última escena vemos como DeWitt (otra vez con te de por medio) recluta a Sam para la Dollhouse, dejando claro que cualquiera que se meta con la Rossum Corporation tiene un futuro muy incierto.

En resumen, es un gran episodio, en el que seguimos ahondando en el origen de la Dollhouse y de Caroline, y en los problemas que pueden aparecer en la memoria de los activos. Quizá lo único que pueda achacarle al capítulo es que resulte un poco confuso en su ejecución. Echo y DeWitt (y con ella el proyecto Dollhouse entero) siguen siendo los dos personajes clave de la serie, quedando el resto en un segundo plano a lo largo de todo el episodio. Asistimos también a más muestras de la ironía de Topher (que lleva ahí desde el piloto y que le hace quizás el personaje más clásico al estilo Whedon) y a la presentación de November como activo, a la que adoro cada día más.

Por último, quisiera resaltar la debilidad especial por Echo de la que da muestra (en este y en capítulos anteriores) DeWitt, que no sabemos aún si tiene un motivo concreto o no, pero que me tiene fascinado, y la enigmática conversación que tienen Topher y ella mientras están drogados:

DeWitt: I know why Echo went to Freemont.

Topher: To punish you?

DeWitt: No. To let Caroline punish me.

Artículo escrito por Ricardo Carabaña